Blog de Cine, Estrenos y Críticas de Películas

Transformers: La Venganza De Los Caídos

2009-06-22T01:55:00.000-07:00

Reparto: Shia LaBeouf, Megan Fox, Josh Duhamel, Tyrese Gibson, Kevin Dunn, Julie White, John Benjamin Hickey, Ramon Rodriguez, Isabel Lucas, John Turturro, Glenn Morshower, Rainn Wilson, Matthew Marsden

Sinopsis: Secuela de Transformers (2007), basada en la famosa línea de juguetes de Hasbro, luego reconvertida en serie de TV.

Han pasado dos años desde que el joven Sam Witwicky (Shia LaBeouf) salvara al universo de una decisiva batalla entre dos razas de alienígenas robóticos en guerra. Pese a su extrema heroicidad, Sam sigue siendo un adolescente normal con las preocupaciones cotidianas de prepararse para ir a la universidad, dejando atrás a su novia Mikaela (Megan Fox), y separándose por primera vez de sus padres. Por supuesto, además está la carga adicional de tener que intentar explicar su partida a su amigo más reciente y robot guardián suyo, Bumblebee. El objetivo de Sam es llevar una vida universitaria normal, pero para hacerlo, deberá olvidar su destino.

Mientras Sam ha hecho todo lo posible por dejar atrás el conflicto de Mission City y volver a su rutina diaria, la batalla entre los Autobots y los Decepticons, aunque haya sido un incidente súper secreto, ha provocado muchos cambios. El Sector 7 ha sido desmantelado y su soldado más leal, el agente Simmons (John Turturro), despedido sumariamente. En su lugar se ha creado una nueva agencia, NEST. Empleando mandos con experiencia de campo como Lennox (Josh Duhamel) y Epps (Tyrese Gibson), NEST pretende trabajar codo con codo con los Autobots para evitar otra confrontación mortal con los Decepticons. Por desgracia, un asesor de seguridad del gobierno, Theodore Galloway (John Benjamin Hickey) tiene muy poca previsión como para comprender totalmente los inexorables peligros que acechan. Dispuesto a hacerse con el control de todas las organizaciones de defensa, junto con su potencial de poder, y al mismo tiempo deshacerse de lo que él considera un frívolo gabinete gubernamental, Galloway se esfuerza por acabar con NEST, creyendo que toda amenaza de guerra ha desparecido hace tiempo. Está convencido de que los humanos no tienen ningún interés directo en la disputa entre los Autobots y los Decepticons.

Justo cuando la vida está a punto de ordenarse cómodamente en la nueva escuela de Sam, adaptándose a un nuevo y prepotente compañero de habitación, Leo (Ramon Rodriguez), y a una nueva conocida igualmente prepotente pero mucho más atractiva, Alice (Isabel Lucas), Sam es asaltado de pronto por visiones que chispean como rayos por su cerebro. Temiendo sufrir la misma demencia que amargó a su abuelo, Sam mantiene en secreto sus visiones hasta que ya no puede seguir ignorando los mensajes y símbolos que se filtran en su mente.

Pese a sus cuidadosos planes, Sam vuelve a encontrarse en el medio de una batalla entre los Autobots y los Decepticons, con el destino del universo en juego. Sin que Sam lo sepa, sólo el tiene la clave del resultado de la lucha entre el mal y el poder supremo del bien. Con la ayuda de sus amigos, sus compañeros de NEST e incluso de sus padres, Sam aprende a aceptar la herencia de los Witwicky, sin esconderse más del legado de su familia: ¡Sin sacrificio, no hay victoria!

Via: estrenosdecine.net

patrocinios: Young Researchers in Translation, Interpreting - Congreso Traducción e Interpretación - Symposium International de jeunes chercheurs - Investigadors en Traducció, Interpretació i Estudis Interculturals - Fotoblog

Lost in Translation

2009-06-18T02:36:00.000-07:00

Lost in Translation
(2003) / Sofia Coppola / Consulta sobre Lost in Translation en IMDb
Nacionalidad: EE. UU., Japón / Rodada en formato 1.85:1
Color / 102 minutos / Comedia, Drama
Bill Murray, Scarlett Johansson, Giovanni Ribisi, Anna Faris, Fumihiro Hayashi
Produce: Focus Features, Tohokashinsha Film Company Ltd., American Zoetrope, Elemental Films
Distribuida en salas españolas por Universal

Bob Harris y Charlotte son dos norteamericanos que se encuentran en Tokio. Bob es una estrella de cine de mediana edad que ha venido a rodar un anuncio. Charlotte es una mujer joven que acompaña a todas partes a su marido, un fanático del trabajo. Incapaces de dormir, los caminos de Bob y Charlotte se cruzan por casualidad y no tardará en nacer entre ellos una sorprendente amistad. Se aventuran juntos en la vida nocturna de Tokio, comparten inolvidables experiencias con los habitantes de la ciudad y terminan descubriendo una nueva manera de ver la vida.

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patrocinios: International Conference on Translation - Congreso Internacional de Traducción - Congrès International de Traduction - Congrés Internacional de Traducció UAB - Aurelio Fotoblog - Angelica Satiro

CHE: EL ARGENTINO (The Argentine)

2008-09-23T02:45:00.000-07:00

(labutaca.net)
Dirección: Steven Soderbergh.
Países: USA, Francia y España.
Año: 2008.
Duración: 131 min.
Género: Drama.
Interpretación: Benicio del Toro (Che), Demián Bichir (Fidel Castro), Santiago Cabrera (Camilo Cienfuegos), Elvira Mínguez (Celia Sánchez), Julia Ormond, Jorge Perugorría (Joaquín), Edgar Ramírez (Ciro Redondo), Victor Rasuk (Rogelio Acevedo), Armando Riesco (Benigno), Catalina Sandino Moreno (Aleida Guevara), Rodrigo Santoro (Raúl Castro), Unax Ugalde (Pequeño Cowboy), Yul Vázquez (Alejandro Ramírez).
Guión: Peter Buchman; inspirado en "Pasajes de la guerra revolucionaria" de Ernesto "Che" Guevara.
Producción: Laura Bickford y Benicio del Toro.
Música: Alberto Iglesias.
Fotografía: Peter Andrews.
Montaje: Pablo Zumárraga.
Diseño de producción: Antxón Gómez.
Vestuario: Bina Daigeler.
Estreno en España: 5 Septiembre 2008.

En 1952, el general Fulgencio Batista orquestó un golpe de estado en Cuba, tomó el control del gobierno del país y suspendió las elecciones. Su corrupta dictadura estaba respaldada por un ejército de 40.000 hombres, pero un joven abogado llamado Fidel Castro intentó incitar a la rebelión popular asaltando el cuartel Moncada el 26 de julio de 1953. El ataque no tuvo éxito y Castro pasó dos años en la cárcel antes de ir al exilio en México. Entre tanto, un joven idealista argentino llamado Ernesto Guevara se había involucrado en la actividad política de Guatemala. En 1954, cuando el gobierno legítimo de Jacobo Álvarez fue depuesto por una operación militar organizada por la CIA, Guevara escapó a México. Un conocido de Guatemala le puso en contacto con un grupo de revolucionarios cubanos en el exilio. El 13 de julio de 1955 tuvo lugar un evento silencioso pero con grandes repercusiones en la historia de la Revolución Cubana. En un humilde apartamento de la ciudad de México, se conocieron Ernesto Guevara y Fidel Castro, presentados por Raúl Castro, el hermano pequeño de Fidel. Guevara se alistó inmediatamente en una misión de guerrilla destinada a derrocar al dictador cubano. Los cubanos apodaron al joven rebelde "Che", una conocida expresión argentina. El 26 de noviembre de 1956, Fidel Castro navegó a Cuba con ochenta rebeldes, de los que sólo sobrevivieron doce. Uno de ellos era el Che, que se había unido al grupo como médico acompañante. El Che se familiarizó rápidamente con el arte de la guerra de guerrillas y demostró ser un combatiente indispensable. Se lanzó de lleno al conflicto y recibió el apoyo de sus camaradas y del pueblo cubano. La película termina en los albores del Año Nuevo de 1959, con el Che celebrando la victoria revolucionaria en Santa Clara. Los rebeldes habían derrocado a Batista.

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La conjura de El Escorial

2008-09-02T03:19:00.000-07:00

(Via estrenos.es) La Conjura de El Escorial es un trepidante thriller histórico con intrigas políticas y policíacas, encuadrado en las luchas y disputas entre la Casa de Alba y sus fieles por un lado y la Casa de los Mendoza con Antonio Pérez y la Princesa de Éboli por otro.

Titulo La conjura de El Escorial
Género Drama
Año 2008
País Alemania-España-Portugal
Guión Manuel Mir, Juan Antonio Porto, Antonio Del Real, Marta Rivera De La Cruz
Director Antonio Del Real
Intérpretes
Julia Ormond, Jordi Mollà, Joaquim De Almeida, Jason Isaacs, Juanjo Puigcorbé, Rosana Pastor, Concha Cuetos, José Conde

La Conjura de El Escorial es un trepidante thriller histórico con intrigas políticas y policíacas, encuadrado en las luchas y disputas entre la Casa de Alba y sus fieles por un lado y la Casa de los Mendoza con Antonio Pérez y la Princesa de Éboli por otro.La noche del lunes de Pascua de 1578, unos asesinos a sueldo emboscan a Juan de Escobedo, dándole muerte. La Conjura de El Escorial es una película histórica basada en hechos reales, donde el poder y la muerte conspiran en la Corte de Felipe II.

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Ben Stiller, un actor en guerra en Tropic Thunder

2008-06-19T01:26:00.001-07:00

Jack Black, Robert Downey Jr. y Nick Nolte completan el reparto de esta comedia sobre un grupo de actores obligados a convertirse en soldados

Carlos Leal

Tras debutar en la dirección con el drama generacional Bocados de realidad, la carrera tras la cámara de Ben Stiller ha sido errática. Siete años después de la disparatada Zoolander, Stiller regresa a la dirección con una alocada parodia del cine bélico, titulada Tropic Thunder.

El argumento del filme es cuanto menos pintoresco: cinco actores viajan a Vietnam para preparar sus papeles en una superproducción bélica que va a rodarse próximamente. Aislados en medio de la selva, las estrellas deben recurrir a lo que aprendieron cuando eran boy-scouts para sobrevivir. Para colmo de males, pensando que forma parte de su entrenamiento se ven envueltos en un conflicto bélico real con una guerrilla local.

Cada uno de los protagonistas interpreta a un estereotipo de Hollywood, desde la estrella del cine de acción tipo Sylvester Stallone al rapero reconvertido en actor, pasando por un secundario cómico con una afición desmedida por los disfraces. Además de Ben Stiller, destacan en el reparto actores popuulares como Jack Black, Robert Downey Jr., Matthew McConaughey, Tobey Maguire y Nick Nolte.

Con todo, las mayores expectativas hasta el momento las ha levantado Tom Cruise con un pequeño cameo, en el que aparece gordo y completamente calvo. Las imágenes de Cruise en el rodaje se han filtrado a Internet para enfado del director Ben Stiller, que confiaba en mantener el cameo oculto para sorprender a los espectadores.

El estreno de Tropic Thunder está previsto para el 26 de septiembre en España.

refiere : cinestrenos.com

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Regreso A Normandía Retour en Normandie (2007) / Nicolas Philibert

2008-03-26T12:55:00.001-07:00

Regreso A Normandía - Retour en Normandie
(2007) / Nicolas Philibert
Nacionalidad: Francia
[documental] documental, color / 113 minutos / Documental
Anne Borel, Claude Hébert, Nicole Picard
Produce: Les Films d'Ici, Maïa Films

En 1975, Nicolas Philibert, un joven ayudante de dirección, participó en la excepcional aventura que supuso la película de René Allio Yo, Pierre Rivière, habiendo matado a mi madre, mi hermana y mi hermano…, inspirada en un crimen que tuvo lugar en Normandía hace 140 años.

Esta película debía su singularidad y belleza al hecho de que los miembros del equipo artístico eran los propios granjeros de la región. Treinta años después de rodar aquella película, Nicolas Philibert decide reencontrarse con los actores.

Algunos ya no viven y otros han emigrado pero en un absoluto proceso de investigación, Nicolas Philibert intenta recuperarlos para que nos hablen sobre su vida y nos cuenten cómo les ha afectado su participación en aquella película.

Via www.cinefilo.es

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Cerrando el círculo

2008-03-16T01:59:00.001-07:00

El ataque japonés a Pearl Harbor hace que los chicos de Branagan sean llamados a filas, pero antes, los dos enamorados se casan en secreto. Teddy parte a la guerra con el anillo de Ethel, la promesa de amor eterno de ésta y un pacto con Chuck para que se haga cargo de su mujer si no regresa.

Basada en hechos reales, "Cerrando el círculo" es una historia de un romance a lo largo del tiempo que habla del amor, la pérdida, el encierro y la reconciliación. Su director es el mítico Richard Attenborough, responsable de títulos tan conocidos como "Gandhi" (por la que recibió el Oscar), "Chaplin" y la más reciente "En el amor y en la guerra", donde ya anticipaba algunos de los temas de esta película. "Cerrando el círculo" se podría definir como un drama esperanzador, donde existe un camino para encontrar la felicidad cuando todo parece perdido.

El reparto cuenta con estrellas cinematográficas de la talla de Shirley MacLaine. La oscarizada actriz de "La fuerza del cariño", sigue en la actualidad cinematográfica con papeles que le vienen al pelo, como el de "En sus zapatos". Le acompañan Christopher Plummer (Una mente maravillosa, La casa del lago) y la televisiva Mischa Barton, a la que conocemos de la serie "The O.C.". Como secundarios de lujo, Pete Postlethwaite (El jardinero fiel), Brenda Fricker (El prado) y Neve Campbell, a la que hace poco vimos en "Una familia casi perfecta".

Intérpretes
Shirley MacLaine, Christopher Plummer, Mischa Barton, Pete Postlethwaite, Brenda Fricker, Neve Campbell, Gregory Smith, David Alpay

Astérix en los Juegos Olímpicos

2008-02-12T02:12:00.000-08:00

AÑO 2008
DURACIÓN 116 min.
PAÍS Francia
DIRECTOR Thomas Langmann, Frédéric Forestier
GUIÓN Alexandre Charlot, Olivier Dazat, Thomas Langmann, Franck Magnier (Cómic: René Goscinny, Albert Uderzo)
MÚSICA Frédéric Talgorn
FOTOGRAFÍA Thierry Arbogast
REPARTO Gérard Depardieu, Clovis Cornillac, Alain Delon, Claudia Cardinale, Jean-Pierre Cassel, Elric Thomas, Santiago Segura, Benoît Poolveorde, José Garcia, Zinédine Zidane, Tony Parker, Michael Schumacher
PRODUCTORA Coproducción Francia-España-Alemania
WEB OFICIAL http://www.asterixauxjeuxolympiques.com

En el pequeño pueblo de los irreductibles galos no sólo se persigue a los romanos y los jabalíes.

Comedia. Aventuras. Romanos. Cómic

Sinopsis

El amor ha llegado a la Galia. El intrépido guerrero Alafólix se ha enamorado de la princesa griega Irina y ha osado a desafiar a Brutus, hijo adoptivo del César y pretendiente de la bella dama. Para ganarse el favor de Irina, ambos se citan en los Juegos Olímpicos, Brutus con la ambición de ser el próximo César y Alafólix con la ayuda de Astérix, Obélix y la poción mágica. Sin embargo, el reglamento prohíbe las pociones y los galos tendrán que sacar toda su fuerza e ingenio para la competición.

Después del éxito de "Astérix y Obélix contra César" (1999) y "Astérix y Obélix: Misión Cleopatra" (2002), llega "Astérix en los Juegos Olímpicos", la tercera aventura que los héroes galos protagonizan en acción real. El cómic originario de René Goscinny y Albert Uderzo vuelve a la gran pantalla en una de sus aventuras más cinematográficas, la que tiene lugar en los Juegos Olímpicos. En la dirección, Frédéric Forestier (El embolao) y Thomas Langmann, el principal responsable de convertir a Astérix y Obélix en actores de carne y hueso. La película, que combina la comedia y la aventura para toda la familia, cuenta con muchas sorpresas: más efectos especiales, colaboraciones de estrellas del deporte como Zidane, Beckham, Michael Schumacher o Tony Parker, y unos decorados impresionantes que se han construido en la alicantina Ciudad de la Luz.

En el reparto, tenemos un nuevo Astérix, ya que Clovis Cornillac (Héroes del cielo) sustituye a Christian Clavier. Gérard Depardieu vuelve a ponerse en la piel del orondo Obélix después de "Chanson d'amour" y "La vida en rosa". También encontramos a Benoît Poelvoorde (Narco), Stéphane Rousseau (Las invasiones bárbaras) y el veterano Alain Delon (Los actores). La presencia española corre a cargo de Santiago Segura y Elsa Pataky.

Crítica

Nadie se sorprenderá, después del sufrido visionado de las dos primeras entregas, si alguien sugiere que "Astérix y Obélix en los Juegos Olímpicos" es el equivalente hiperbólico de un show de animadores en un parque temático. La estética de la franquicia no es un derivado del cómic, sino un sucedáneo de cartón-piedra, a modo de spot ultralargo del Parque Astérix de París. Es decir, que todo sigue igual, o peor, y que la indecente inversión que han supuesto los tres proyectos no lucen más que en el soberbio acabado de las maquetas que, insisto, no remiten a las viñetas sino al parque temático parisino. La primera entrega jugaba con el favor del efecto sorpresa, con el aliciente de la novedad para atrapar a fieles y curiosos, creyentes y profanos deseosos de ver cómo diantres era posible corporeizar los míticos perfiles de Goscinny y Uderzo sin incitar sarpullidos. Pues bien no era posible. Si algo demostraba el primer Astérix es que no había forma humana de hacer justicia, siquiera diminuta, a la fuente, y que, a lo sumo, quien tuviera a bien habría de conformarse con algo así como una fiesta de disfraces, pelucas y postizos con un atrezo-homenaje al hábitat de los volúmenes de la serie.

Si ése era el punto de partida, nada halagüeño, miedo daba pensar en qué desastre podían acabar las sucesivas reincidencias en el error. "Astérix y Obélix en los Juegos Olímpicos" es el tercer error, mayor que el primero y poco más o menos igual de grueso que el segundo. Nueva fiesta de disfraces con lista de invitados de lujo, desde Alain Delon, a Michael Schumacher, pasando por Jean Todt, Adriana Karembeu o Tony Parker. Como casi siempre la gracia en esta suerte de inventos pseudocinematográficos consiste en localizar los cameos y, si hay suerte, con la buena disposición de un puñado de buenos actores galos (el consuelo corre aquí a cargo de un Alain Delon autoparódico y de un Benoit Poelvoorde que se divierte). Lo demás es humor de saldo, irritante poca fidelidad al libro ilustrado original (uno de los mejores de la serie) y un lamento por la sosería congénita del nuevo Astérix Corvis Cornillac.

Conviene estar atento (ya que se ha pagado la entrada) al chascarrillo de Delon a costa de "Rocco y sus hermanos" y "El clan de los irlandeses", a la intervención estelar del dúo Schumacher-Todt en la mjeor secuencia, la de la competición de cuádrigas, (o por mejor decir, la más disfrutable) de la cinta, y a tres o cuatro chistes más aquí y allá que harán cosquillas a los incondicionales del Astérix de papel. Ahora bien, por establecer ponderaciones afines, este Astérix es una piedra semipreciosa al lado del segundo y terrorífico Mortadelo. Puestos a pasar una sola vez por caja en la duda entre una u otra, la cinta de Forestier y Langman es alta comedia al lado de las inclemencias cómicas del filme de Bardem. Ya se sabe que en el país de los ciegos el tuerto es el rey.

Vía 20minutos.es

Cineforum : Ocho lecciones transversales sobre el estado del cine

2008-02-11T07:49:00.001-08:00

Cine, estética y pensamiento

Lugar: CaixaForum Madrid
Dirección: Paseo del Prado, 36
Localidad: MADRID
Tipo de público: Público General
Tipo de actividad: Cineforum

El seminario propone un amplio recorrido por el cine de las últimas décadas, sus geografías estéticas y políticas, sus mutaciones y estados de crisis. El mapa del cine posmoderno es extraordinariamente rico y heterogéneo, sus horizontes inciertos, y queremos ofrecer pautas para navegar por este mar inestable.

Sin pretensión alguna de totalidad, antes bien, afirmando la naturaleza fragmentaria de su travesía.
Es éste un curso abierto y plural que huye de la erudición académica, pero que reivindica el pensamiento y la reflexión transversal para seguir las arborescencias y los cambios de escala del cine contemporáneo y cartografiar el estado de la ficción.

Un programa de ocho sesiones, que combina la lección subjetiva, impartida por prestigiosos críticos nacionales e internacionales, con la proyección de una serie de películas recientes para tomar la temperatura del cine actual y entender sus campos magnéticos.
Dirección y coordinación del programa: Domènec Font

Cineforum
El pensamiento se mueve en los márgenes. Fronteras y estrategias del ensayo
Del 07/04/2008 al 07/04/2008
MADRID

Cineforum
Senderos que se bifurcan: espacio virtual, tiempo de fantasmas
Del 19/02/2008 al 19/02/2008
MADRID

Cineforum
El paisaje-tapiz y las formas del mundo. Elogio del minimalismo
Del 26/02/2008 al 26/02/2008
MADRID

Cineforum
Secreto detrás de la puerta. Últimas noticias sobre el estado de los cuerpos, el erotismo y la sexualidad
Del 04/03/2008 al 04/03/2008
MADRID

Cineforum
El principio de la incertidumbre: Europa cinemas
Del 11/03/2008 al 11/03/2008
MADRID

Vía http://obrasocial.lacaixa.es

Rumores sobre el rostro del nuevo Terminator

2008-02-09T17:10:00.001-08:00

Ya se sabe quien será el compañero del hombre máquina. En “Terminator Salvation: The future begins”, Crhistian Bale será John Connor , pero todavía se ignora quién dará vida a uno de los personajes más míticos del cine de los 90.

Se oyen rumores, propiciados por el propio director McG. Josh Brolin , quien ahora triunfa, con su papel en ” No es país para viejos “, podría ser el nuevo Terminator. El director también ha declarado su admiración por Russel Crowe o Eric Bana , actores con una gran potencia física. Pero nada está confirmado todavía.

“Estamos preparando la película. El guión está muy avanzado, pero tenemos que seguir trabajando en él. Estamos esperando a que termine la huelga de guionistas.Cruzo los dedos para que en una o dos semanas esté terminado, ha confesado el realizador.

La cuarta entrega, según sus responsables, no se trata de una continuación, pues no está ambientada en el pasado, sino en el futuro, en el año 2019. La guerra entre Skynet y la humanidad continúa.

Vía novedadescine.com

Indiana Jones 4, el Reino de la Calavera de Cristal

2008-02-08T03:10:00.001-08:00

Indiana Jones 4 lleva por título el Reino de la Calavera de Cristal. Esta cuarta película de la Saga de Indiana Jones será dirigida nuevamente por Steven Spielberg y tendrá al legendario actor Harrison Ford protagonizando al arqueólogo con látigo y sombrero de cuero, Indiana Jones. La producción viene de parte de George Lucas. Como nuevos personajes principales se encuentran el hijo de Indiana Jones interpretado por Shia LaBeouf (Transformers, Constantine) y la pareja, pero no esposa de Indy, Marion Ravenwood quien actuó antes como pareja de Indy en el primer Film, Cazadores del Arca Perdida, interpretada por la misma actriz Karen Allen (Una Tormenta Perfecta, Law & Order) respectivamente. Cate Blanchett (Babel, El Aviador) también esta en el elenco pero su papel aún no ha sido revelado.

Fecha del Estreno

El estreno de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal será la misma fecha a nivel mundial, en Argentina, México, Egipto, Australia, España y Estados Unidos.

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal se estrenará el 22 de Mayo del 2008

Esta película es muy probable que sea la última que tenga a Harrison Ford (65 años) en el papel de Indiana Jones, por lo que recomiendo ir al cine apenas se estrene. Es sabido también que George Lucas y Steven Spielberg estuvieron planificando este film por varios años y ahora no hacen otra cosa que filmarlo desde que Shia LaBeouf terminó Transformers.

Es una lástima pero Sean Connery se reusó a actuar nuevamente como el Padre de Indiana Jones, el profesor Henry jones , ya que asevera que por más efectos especiales y dobles se usen en las escenas de acción, su edad de 77 años ya no le permite embarcarse en películas de acción y adrenalina.

Según Steven Spielberg, Shia LaBeouf es el nuevo Tom Hanks, será un super actor dentro de poco y actualmente ya va participando de varias películas Blockbusters gracias a que Spielberg confía ciegamente en su talento.

Una larga planificación para Indiana Jones 4

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal se lleva planificando desde el Indiana Jones y la última Cruzada, osea desde 1989. Han pasado casi 19 años, pero algo me dice que la espera valdrá completamente la pena. Steven Spielberg, George Lucas y Harrison Ford querían realizar el mejor guión posible, se obsesionaron con la idea y rechazaron varios guiones ya elaborados. Los escritores Jeb Stuart (Duro de Matar), Jeffrey Boam (Indiana Jones y la última Cruzada), M. Night Shyamalan, Frank Darabont y Jeff Nathanson crearon varios guiones rechazados, pero fue el guión de David Koepp (Spiderman, Jurassic Park) el que encantó a los 3 señores en el 2006.

La filmación finalmente dió inicio en Junio del 2007 y se realizó en localidades como Nuevo México, New Haven, Connecticut, Hawaii y en Los Angeles.

Para poder mantener una misma estética con las anteriores películas de Indiana Jones, el Reino de la Calavera de Cristal tendrá un mínimo uso de efectos CGI por computadora. Al igual que antes habrán excelentes escenas de acción, pero serán realizadas con efectos manuales y los dobles más intrépidos de Hollywood.

La historia de Indy 4

La historia se ubicará en el año de 1957, con una misteriosa Calavera de Cristal y con Indiana Jones enfrentando a agentes de la Unión Soviética.

Tyler Nelson, un actor de reparto contó este Spoiler a los medios:

Spoiler de una escena completa

Aparentemente las Fuerzas Armadas de la Unión Soviética están buscando la Calavera de Cristal en medio de las selvas de Sud América, Indiana Jones se encuentra en la misma travesía. Los rusos atrapan a Indy y lo toman prisionero.

Los rusos tratan de chantajear a Indiana Jones diciéndole que mataran a su actual pareja y madre de su hijo, Marion Ravenwood. Cate Blanchett será su cruel interrogadora.

Luego que los rusos capturan a Jones y encuentran la Calvera de Cristal, celebran en las afueras de su campamento danzando música folclórica rusa, Balalaicas.

No fue fácil encontrar el título adecuado

George Lucas buscó mantener en secreto cualquier detalle por más mínimo que fuera acerca de Indiana Jones 4 por largo tiempo. Varios rumores apuntaban a que el título sería uno de las mayores incógnitas de la nueva película; considerando su previsible nombre como Indiana Jones y la Ciudad de los Dioses.

Una estrategia que usó el productor fue la de registrar la aún no estrenada película bajo 5 títulos diferentes:

* Indiana Jones y el Destructor de Mundos
* Indiana Jones y la Cuarta Esquina de la Tierra
* Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal
* Indiana Jones y la Ciudad Pérdida de Oro
* Indiana Jones y la Búsqueda de la Alianza

Sin embargo, el anuncio imprevisto del título oficial corrió a cargo del actor Shia Labeouf durante la entrega de premios de los MTV Video Music Awards 2007, quien dijo:

Steven Spielberg y George Lucas me dieron una misión especial, decirles el título de la nueva película de Indiana Jones, en exclusiva para el mundo el título es: Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal.

Rumores de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal

Cabe aclarar que son muy pocos los datos reales acerca de esta película, he aquí las revelaciones más interesantes (pero de veracidad dudosa) captados por páginas webs, blogs y foros de fans y de medios informativos acerca de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal:

Se dice que en Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal aparecerán extraterrestres, se captará el Area 51 y habrá una relación del aventurero con 13 cráneos de cristal, pirámides, templos precolombinos, el regreso de Karen Allen como Marion Ravenwood y la nueva aparición de su hijo personificado por Shia LaBeouf.
De acuerdo al anuncio dado a conocer por el propio Spielberg y como ya mencioné antes, “Esta nueva película NO tendrá ningún efecto especial generado por CGI, pues se planea preservar el estilo artístico de toda la serie, con las típicas desventuras de Jones o sus enfrentamientos cara-a-cara con los villanos”. Habrá que esperar al lanzamiento de la película para conocer si el rumor fue cierto.
Se conoce por numerosas publicaciones, que la trama estará relacionada estrechamente con la primera parte, pues 19 años después del final de Indiana Jones 3, los miembros del Consejo de Relaciones Exteriores y la Comisión Trilateral (quienes poseen y protegen el Arca de la Alianza) solicitan la ayuda de Indy para buscar un elemento que no está dentro del arca: el Efod, una pechera que consta de 12 joyas y que revela el regreso de Melquisedeq, un mítico personaje bíblico.
A través de declaraciones a la cadena MTV, George Lucas reveló que Indiana Jones 4 será la mejor de la saga completa, argumentando esto en base a que “esta vez, la trama se centra en el cráneo de cristal, una reliquia existente en la vida real y que forma parte de la mitología verdadera y esoterismo actual”.
Cate Blanchett ha sido confirmada como la villana de Indiana Jones y el Reino del Cráneo de Cristal, la cual a su vez formará parte de un grupo de villanos rusos (¡hola Xkalibur!) que se enfrentarán a Indy.
Sean Connery, (quién dió vida en la pasada entrega al padre de Indiana Jones) ha confirmado de manera personal que no aparecerá en ésta cuarta parte, excusando abiertamente que “Al final, la jubilación es sencillamente divertida”. Sin embargo, fuentes confiables aseguran que Connery se borró del film porque le ofrecían menos que en Robin Hood, donde cobró 2 millones de dólares ( insertar cara de Dr. Evil aquí) por decir “I speak” en el papel de Ricardo Corazón de León.
John Williams será estará gracias a Dios y el FSM el encargado del sonido y partituras musicales de esta nueva entrega del aventurero, tal y como lo ha hecho en la mayoría de las películas de Steven Spielberg y George Lucas, y en toda la saga de aventuras de Indiana Jones.
Inicialmente se había planeado anunciar el título de la nueva parte de las aventuras de Jones hasta mediados de noviembre de 2007. El esperado anuncio vendría acompañado del exclusivo estreno del primer trailer oficial de la película; sin embargo, Shia LaBeouf reveló antes de lo previsto el título oficial: Indiana Jones and the Kingdom of Cristal Skull.
En octubre de 2007, un individuo llamado Roderick Davis robó parte del material exclusivo de la producción de la película, entre ellos computadoras y exclusivas imágenes alternas al filme, los cuales además fueron ofrecidos a la venta pública por correo electrónico a diversos sitios sin el previo consentimiento de algún miembro del staff de la película. Sin embargo, al instante Davis fue detenido por el Departamento del Sheriff de Los Ángeles bajo el delito de “encubrir propiedad robada”.

Vía aeromental.com

AHORA O NUNCA (The bucket list)

2008-02-05T17:37:00.001-08:00

Dirección: Rob Reiner.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 97 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Jack Nicholson (Edward Cole), Morgan Freeman (Carter Chambers), Sean Hayes (Thomas), Rob Morrow (Dr. Hollins), Beverly Todd (Virginia), Alfonso Freeman (Roger Chambers), Rowena King (Angelica).

Guión: Justin Zackham.
Producción: Craig Zadan, Neil Meron, Alan Greisman y Rob Reiner.
Música: Marc Shaiman.
Fotografía: John Schwartzman.
Montaje: Robert Leighton.
Diseño de producción: Bill Brzeski.
Vestuario: Molly Maginnis.
Estreno en USA: 11 Enero 2008.
Estreno en España: 1 Febrero 2008.

Hace mucho tiempo, el profesor de filosofía de Carter Chambers (Morgan Freeman), en su primer año de carrera, les sugirió a sus estudiantes que elaborasen una "lista de deseos", un recuento de todas las cosas que querían hacer, ver y experimentar en la vida antes de morir. Pero, mientras Carter estaba aún tratando de aclarar sus sueños y planes privados, la realidad se entrometió.

Matrimonio, hijos, una multitud de responsabilidades y, finalmente, un trabajo de mecánico de automóviles durante 46 años, gradualmente cambiaron su idea de lo que era una lista de deseos en poco más que un recuerdo agridulce de oportunidades perdidas y en un ejercicio mental en el que pensaba de vez en cuando para pasar el tiempo mientras trabajaba bajo la capota de un coche. Entretanto, el multimillonario empresario Edward Cole (Jack Nicholson) nunca vio una lista sin pensar en los beneficios.

Siempre estaba demasiado atareado haciendo dinero y construyendo un imperio para pensar en cuáles podrían ser sus necesidades más profundas, más allá de la siguiente adquisición o una taza de café para gourmets. Entonces, la vida les dio a ambos un toque de atención urgente e inesperado.

Carter y Edward se encontraron compartiendo una habitación de hospital con mucho tiempo para pensar en lo que sucedería a continuación, y en cuánto de ello estaba en sus manos. A pesar de sus diferencias, pronto descubrieron que tenían dos cosas muy importantes en común: una necesidad no satisfecha de aceptarse a sí mismos y las elecciones que habían hecho, y un deseo urgente de pasar el tiempo que habían perdido haciendo todo lo que siempre quisieron hacer. Así que, en contra de las órdenes del médico y del sentido común, estos dos auténticos desconocidos abandonan el hospital y se lanzan a la carretera juntos para vivir la aventura de su vida.

CÓMO SE HIZO "AHORA O NUNCA"
Notas de producción © 2008 Warner Bros. Pictures

El director y productor Rob Reiner sólo llevaba leídas 10 páginas del guión de “The Bucket List” cuando le dijo a su socio en la producción Alan Greisman que había encontrado su siguiente proyecto. Como Greisman recuerda, “Le dije que leyera el resto, sólo para estar seguro, pero no había ninguna duda al respecto. Se trataba de un tema que le llegaba al corazón y, sin tener que leer más, lo tenía claro. ‘Me encanta esta historia; conozco a estos personajes’, dijo. ‘Eso es todo”‘.

A continuación, ambos se pusieron en contacto con los productores Craig Zadan y Neil Meron de Storyline Entertainment, que les habían enviado el guión, y comenzaron a hacer planes que harían que la producción de “The Bucket List” se iniciase ese mismo año. Reiner reaccionó ante la historia de un modo inmediato y profundamente personal, y creía que trataba temas con los que mucha gente se podía identificar.

“La generación del baby boom, en concreto, está empezando a examinar y evaluar sus vidas de un modo más profundo, y los temas que trata ‘The Bucket List’ le resultan familiares. Los que tenemos padres o abuelos entrados en años podemos apreciar lo que significa recordar el tiempo perdido y también mirar hacia adelante y pensar en lo que estamos haciendo con el tiempo que se nos ha concedido. Sabía que éste era un tema que, sin ninguna duda, quería tratar ahora.

“Había algo en ella”, añade, mencionando las posibilidades de la historia para el humor natural y para las situaciones humanas íntimamente personales, por no mencionar “la gran aventura que lleva a estos dos hombres por el mundo para averiguar lo que ha estado ardiendo dentro de ellos toda su vida”. A Zadan y Meron no les sorprendió, porque ellos mismos se habían enamorado de la historia después de que “The Bucket List” hubiese despertado el interés de su jefe de desarrollo de películas, Travis Knox, uno de los productores ejecutivos de la película.

“Fue como cualquier otra noche cuando llevé a casa un montón de guiones para leer, pero éste fue el primero en mucho tiempo que no pude dejar de leer. Era especial, una combinación única de humor y sentimiento. Tenía que participar en la película”, dice Knox, recordando cómo a continuación llevó el guión a Zadan y Meron y sugirió a Reiner, con el que los productores habían hablado recientemente sobre un tema totalmente distinto y habían establecido una innegable relación creativa.

Reconociendo la impresionante obra de Reiner, Zadan recuerda, “Lo que nos gustó de Rob fue su capacidad para encontrar el humor en temas emocionales. Es esa profundidad lo que hace que tenga tanto impacto como director y exactamente lo que todos queríamos para ‘The Bucket List”.

Greisman comenta, “Se trata de una historia sobre la amistad y el amor y sobre descubrir lo que es realmente importante en la vida. Despierta muchas emociones, pero al mismo tiempo te hace reír, y al final creo que dice algo importante sobre la condición humana”. Además, nos recuerda, como afirma Jack Nicholson, “Son las cosas que no haces en la vida, las que más lamentas, no las que haces”.

La creciente—y a menudo intensa—compenetración que se establece entre estos dos improbables compañeros de viaje es lo que da impulso a la historia. Aunque son polos opuestos en lo que se refiere a procedencia, temperamento, experiencia y en otros muchos aspectos, lo que comparten compensa con creces estas diferencias superficiales.

Morgan Freeman, que interpreta a Carter, comenta, “Te atrae la gente con la que tienes algo en común, y estos dos tienen algo muy importante en común. Tienen el resto de su vida en sus manos y ambos lo saben. Cuando Carter conoce a Edward, se le ofrece la oportunidad de hacer las cosas de manera diferente por primera vez, de vivir a su modo. Para un hombre que tiene la sensación de que ha pasado su vida haciendo lo que es mejor para todos los demás, eso es muy fuerte”.

La propia lista, de una de las clases de la facultad a las que Carter asistió antes de abandonar sus estudios para mantener a su familia, “fue un ejercicio premonitorio. Su finalidad era que los jóvenes se centraran, haciéndoles pensar en lo que era realmente importante para ellos y en lo que querían conseguir en la vida”, explica Reiner. Es una idea a la que Carter, introspectivo por naturaleza, ha vuelto a menudo y ha ido puliendo, despreocupadamente, y vuelve a jugar con ella mientras yace en el hospital contemplando sus opciones. Incluso si Carter hubiera contemplado alguna vez la posibilidad de alcanzar las cosas de su lista de deseos, sin duda no espera hacerlo ahora, y así lo dice cuando Edward ve la lista por casualidad y le pregunta sobre ella.

Pero Edward, que no está familiarizado con los conceptos de “no” y “demasiado tarde”, le propone que hagan exactamente eso. De inmediato. Incluso añade sus propios puntos, con su peculiar estilo.

Freeman comenta lo mucho que difieren los dos, incluso en esto. “Edward lo plantea como una lista de cosas prácticas por hacer. Mientras que los deseos de Carter tienen una vertiente más espiritual, como ‘contemplar algo majestuoso’ y ‘ayudar a un extraño porque sí”, Edward busca la adrenalina, como saltar de un avión y besar a la chica más guapa del mundo”.

Al final, en contra del consejo del médico de Edward y en contra de las categóricas y sinceras protestas de la cariñosa esposa de Carter, Virginia, estos dos tozudos sesentones se lanzan juntos a compartir la aventura de dos vidas, en un viaje sin límites y sin parangón—para hacer todo lo que siempre quisieron hacer y, en el proceso, comprender mejor quiénes son y lo que significan sus vidas.

“Pensé que era algo muy audaz, y a mí me gusta ser audaz”, dice Nicholson, añadiendo que, “Tiene muchas cosas en las que la gente piensa pero que no las expresa”.

“En el camino, la amistad entre ellos cambia profundamente”, dice Meron. “Puede que, para Edward, todo haya comenzado como una diversión, pero el modo de pensar de Carter comienza a influir en él. Poco a poco, Edward empieza a examinar su vida de un modo que nunca lo había hecho antes y pasa a convertirse en un individuo más centrado emocionalmente. Aunque, sin duda, todavía tiene un largo camino que recorrer.

“La cuestión es que nunca es demasiado tarde”, añade. “Decidir qué es lo que importa y luego tratar de conseguirlo lo mejor que puedes es algo que se puede aplicar a todo el mundo, no importa la edad ni las circunstancias”.

El guionista Justin Zackham, también productor ejecutivo de la película, fue en todo momento flexible sobre la edad ideal que imaginaba para sus aventureros protagonistas, pero dice, “Mi opinión era que se necesitaban personajes que ya hubieran vivido bastante. Deberían tener cosas que lamentar. Para alguien más joven, eso sería más bien una conjetura”. Curiosamente, confiesa, incluso en el estadio inicial, “Escribí el guión con la voz de Morgan Freeman en mi cabeza”.

No pasó mucho tiempo antes de que la voz de Jack Nicholson también se convirtiera en un factor decisivo. En las semanas previas a la producción, el actor se reunió regularmente con Rob Reiner para trabajar el diálogo, escena a escena. Dice Reiner, “Permítame decirle algo sobre Jack Nicholson que la mayoría de la gente no sabe. Sin duda es un magnífico actor, todo el mundo sabe eso, pero también es un muy buen escritor, un auténtico artesano de la palabra. Sabe cómo hacer que las frases sean más interesantes, expresivas e intencionadas. Su punto de vista, como el mío, era que no íbamos a hacer muchas películas como ésta—de hecho, sólo vamos a hacer ésta—así que queríamos explorar todos los matices y hacerlo bien. Lo estudiamos todo a fondo antes de la producción y más tarde incluso durante el rodaje intercambiábamos ideas en su trailer”.

El reto, afirma Reiner, era “equilibrar el humor y la emoción de la historia, para hacer que resultase entretenida pero sin vulgarizarla. Se trata de un tema serio y queríamos tratarlo con el respeto que se merece, pero, al mismo tiempo, hay muchas posibilidades para la comedia, y ver la energía de estos dos magníficos actores superándose mutuamente es un placer”.

Como sucede muy a menudo, “No son tanto las circunstancias sino el modo en que la gente las afronta lo que constituye la diferencia. Eso es lo que le da a ‘The Bucket List’ su brillantez”, dice Zadan. “Es una historia llena de emoción, calidez y optimismo. Está llena de vida”.

“Todo el mundo puede tener una lista e deseos”, comenta Zackham. “Igual que no hay un ser humano en la tierra que no quiera ser querido, no hay nadie que no tenga en el fondo de su mente pensamientos sobre lo que quiere conseguir. Pero a veces nos vemos atrapados en la rutina diaria y a veces fluctuamos en direcciones a las que no pretendíamos ir. ‘The Bucket List’ trata de dos personas que se arman de valor, que tienen la fuerza de perseguir sus sueños, lo cual es—triste y sorprendentemente—una rareza en la vida”.

Tras haber decidido hacer esta película, la siguiente idea de Rob Reiner era que necesitaba por encima de todo a Morgan Freeman para el papel de Carter Chambers. “No podía imaginarme a nadie más que a Morgan para este papel. Su participación era esencial”.

Afortunadamente, a Freeman le atrajo realmente el guión… y propuso una sugerencia para el reparto que Reiner ya tenía en mente: Jack Nicholson como Edward Cole. Reiner y Nicholson habían trabajado anteriormente en la popular película policíaca de 1992 “Algunos hombres buenos”, por la que ambos fueron nominados a los Oscar.

“Si hablamos de listas de deseos personales”, declara Freeman, “trabajar junto a Jack Nicholson estaría sin duda en la mía”. La química entre Edward Cole y Carter Chambers depende en gran medida de la interacción de Jack Nicholson y Morgan Freeman como actores y amigos. Como comenta Freeman, “El modo en que nos damos la réplica el uno al otro es algo que no puedo describir. Simplemente lo hacemos. Lo que Jack aporta al papel es su particular energía, experiencia y carisma. Sea lo que sea, es lo que hace que todos vayamos a ver cualquier película en la que él interviene. Llamémosle atracción”.

“Jack puede ser muy explosivo en pantalla, y Morgan es como el maestro zen que no deja que nada le altere”, apostilla Reiner. “Se complementan de una manera muy especial. Sabía que la química entre ellos sería sorprendente y daría un impulso a los diálogos y a la acción de una manera que no podíamos imaginar sólo leyéndolos”.

“Es un placer”, dice Zadan, “ver a los dos desarrollar estos personajes. Había frases en el guión que pensaba que estaban muy bien escritas, pero no sabía lo divertidas que eran hasta que oí decirlas a Jack y todos nos echamos a reír. Tiene una manera única de encontrar al personaje en cada palabra y en cada frase. Y Morgan es simplemente incapaz de dar una nota falsa. Nunca. Con él, nunca existe una mala toma”.

Cada personaje soporta su dosis de desencanto a su manera. “Edward es un multimillonario, siempre consigue lo que quiere y no se priva de ningún lujo”, explica Reiner. “Vive para hacer dinero y ha puesto toda su energía en los negocios, sacrificando cualquier cosa que se parezca a una vida personal. Se ha convertido en la personificación del dicho de que todo el mundo lamenta, en su lecho de muerte, haber pasado tanto tiempo en la oficina, sólo que no se da cuenta”.

“Esa lucha le ha dejado bastante solo, rodeado de dinero, por decirlo así”, reconoce Nicholson. Aún así, es ese espíritu competitivo lo que le sirve a Edward en esta situación, permitiéndole enfrentarse a cualquier obstáculo que se interponga en el camino del viaje que tiene intención de hacer con Carter. “Sea lo que sea, está dispuesto a pelear por ello porque básicamente es un luchador”.

Aún así, comenta Greisman, “Sin sacrificar un ápice el impulso que llevó a Edward a la cima del mundo de los negocios, Jack también aporta a este personaje una conmovedora vulnerabilidad”.

Entretanto, Carter alimenta sus propios remordimientos. “Está decepcionado… bueno, al menos él cree que está decepcionado”, dice Freeman. “Había cosas que quería hacer en su vida, pero las circunstancias le superaron y su sentido del deber le hizo cambiar de dirección. Trabajó, crió una familia, dio educación a sus hijos y ahora, aunque su familia signifique todo para él, no puede evitar la sensación de que ha perdido su oportunidad.

“Mucha gente acaba en la situación de Carter”, continúa diciendo Freeman. “Si tienen suerte, puede que se den cuenta de que, después de todo, tienen lo que querían. No creo que, si nos ofrecieran otra oportunidad en la vida, hiciéramos necesariamente elecciones diferentes, porque la mayoría de esas elecciones se hacen basadas en lo que deseamos o necesitamos en ese momento, no en lo que podría suceder en el futuro”.

Como ayudante y cómplice de estos dos en su improvisada aventura está Thomas, el ayudante personal de Edward Cole, experto en café y su hombre para todo, interpretado por Sean Hayes, galardonado con el Emmy. No importa cuál haya sido su trabajo original, Thomas obviamente lo ha superado, no sólo sorteando todos los exigentes detalles de la agenda personal y empresarial de Edward con inteligencia y aplomo sino también sabiendo manejar los estados de ánimo y la irritante personalidad de su jefe como un profesional.

“Es el ayudante que devuelve tanta basura como recibe de Edward y es probablemente una de las pocas personas que no le tiene miedo”, afirma Hayes. “Thomas está siempre disponible y nunca va mal vestido, lo cual se convirtió en una broma recurrente. No importa la hora del día o de la noche o en qué remoto lugar perdido se encuentre, Thomas siempre aparece con traje y corbata”.

Hayes, al que le encanta hacer listas y establecerse metas, piensa, “Es una historia con mucha motivación, un tributo al hecho de mirar hacia adelante. Soy un gran fan de las películas que contienen sutiles lecciones vitales o que te hacen pensar en las cosas de manera distinta cuando sales del cine”.

Los productores Zadan y Meron trabajaron con el actor en la película de televisión de 2002 elogiada por la crítica “Martin and Lewis”, en la que Hayes interpretaba a Jerry Lewis. Según Meron, “Thomas está claramente ahí para ejecutar las órdenes de Edward, pero, a su manera, sabe perfectamente quién es Edward y lo que necesita incluso mejor que el propio Edward. A veces gestiona situaciones que llevarán a Edward a su propio camino de auto-descubrimiento, lo cual es algo hermoso de ver”.

“Sean es también el perfecto complemento para Jack, y los dos tienen algunas conversaciones muy cáusticas que se basan en gran medida en la impecable y sobria interpretación de Sean. Además, a menudo introducía sus propios chistes gratuitamente”, añade Reiner.

Al igual que Thomas, el médico de Edward, el Dr. Hollins, sabe con quién está tratando pero, a diferencia de Thomas, carece de la más mínima habilidad para predecirlo o controlarlo. Rob Morrow, nominado varias veces a los Emmy y a los Globos de Oro, es Hollins.

Renunciar al tratamiento en favor de esta aventura espontánea a no se sabe dónde no es exactamente lo que el médico aconseja. De hecho, el médico le dice directamente que no lo haga, pero, como alguien que haya tratado alguna vez con Edward, desde sus accionistas y abogados hasta sus dos ex esposas, Hollins sabe que no tiene ningún sentido discutir con él.

Greisman dice, “Tuvimos la suerte y estamos encantados de que Rob pudiese compaginar este papel con su trabajo en la serie, y ha estado estupendo. Como médico de Edward, su papel es representar la voz de la razón, pero se puede ver en su rostro y en su actitud que es muy consciente de que nada de lo que diga persuadirá a este hombre de hacer exactamente lo que quiera”.

De parte del Dr. Hollins está la esposa de Carter, Virginia, interpretada por Beverly Todd, que trabaja aquí por tercera vez con Morgan Freeman. Actuaron por primera vez juntos en un drama de dos personajes en el Public Theater de Joe Papp en Nueva York a principios de los años 70 y posteriormente en la película de 1989 “Lean On Me”.

Virginia no sólo quiere que Carter se quede en el hospital por lo que ella cree que es su propio bien, sino que también, sencillamente, quiere que se quede por lo que a ella le concierne. Enfadada, herida y con sensación de abandono, “No puede hacerse a la idea del hecho de que este esposo al que conoce, quiere y ha cuidado durante todos estos años, se embarque en una alocada aventura con un hombre al que acaba de conocer, cuando ni tan siquiera sabe cuánto tiempo les queda juntos”, explica Todd. Además, en este estadio crucial de su vida, “Teme que él pueda culparla de su fracaso para conseguir sus metas, porque eso es lo que a veces hace la gente, y eso le parte el corazón”.

Freeman reconoce a Todd el mérito de transmitir la profundidad de un matrimonio que ha durado décadas y sus profundas y a menudo conflictivas emociones, diciendo, “Lo que Beverly aporta al personaje es una absoluta credibilidad y una gama de sentimientos que hace que los espectadores comprendan por lo que está pasando. Me di cuenta de eso la primera vez que estuvimos juntos en escena, interpretando a una pareja con problemas. Había mujeres entre el público que decían ‘mm-hmmm’, porque cuando ella hablaba se sentían identificadas. El texto sirve como guía, pero la emoción es algo que un actor tiene que aportar por sí mismo”.

El papel del hijo de Carter y Virginia, Roger, está interpretado por el hijo de Morgan Freeman en la vida real, Alfonso Freeman. A diferencia de Virginia, Roger es más ambivalente respecto al impulsivo viaje de Carter. Como abogado con una joven familia propia, echa de menos a su padre y simpatiza con la ansiedad de su madre, pero también comprende el anhelo que ha hecho a Carter dar este paso, y es consciente de la libertad y la paz que le puede aportar.

“Lo que importa no son los lugares que visitan ni las cosas que hacen, sino lo que sucede entre ellos en el transcurso de este viaje. Un día podrían estar conduciendo un jeep en el Serengeti y sentados delante de una pirámide al siguiente, pero donde realmente se producen los cambios excitantes es en el constante hilo de sus conversaciones y reflexiones”, reconoce Reiner. “Cada destino les lleva a examinar otra faceta de sus vidas”.

Admirando la grandiosidad del Taj Mahal, el exquisito monumento del Shah Jahan a su amada esposa, sus pensamientos se vuelven hacia el amor que han experimentado en sus propias vidas y lo que eso significa para ellos. Más tarde, relajándose junto a la Gran Pirámide de Keops, Carter reflexiona sobre la antigua creencia egipcia de que a todos se nos pedirá que demos cuenta de la calidad y la finalidad de nuestras vidas. Al igual que Edward y Carter, a los espectadores puede que les atraiga momentáneamente cada nuevo sitio del cambiante paisaje en el que transcurre “The Bucket List”, pero también es probable que se centren de manera similar en el aspecto introspectivo.

“He viajado bastante y aún hay muchos sitios que me gustaría ver. Estoy seguro de que no voy a conseguir verlos todos, pero no creo que eso sea tan importante como la gente con la que paso el tiempo”, dice Reiner, volviendo al tema central de la historia. “Recorrer el mundo, ver el Everest o saltar en paracaídas desde un avión es estupendo, pero no es algo que tengamos que hacer necesariamente para sentirnos realizados, y ése es el mensaje de esta película. Lo más importante en la vida son tus relaciones con la familia y los amigos. Eso es lo que importa. Si puedes conseguir eso, creo que tu vida tendrá sentido”.

Vía labutaca.net - Fotoblog

ASTERIX EN LOS JUEGOS OLíMPICOS

2008-02-04T04:15:00.001-08:00

Titulo: Asterix En Los Juegos Olímpicos
Género: Aventuras
Nacionalidad: Francia, España
Director: Frédéric Forestier, Thomas Langmann
Fecha de Estreno: Viernes, 08 de Febrero de 2008

Reparto: Gérard Depardieu, Clovis Cornillac, Benoît Poelvoorde, Alain Delon, Stéphane Rousseau, Vanessa Hessler, Michael Herbig, Bouli Lanners, Jérome Le Banner, José García, Santiago Segura, Jean-Claude Van Damme, Jean-Pierre Cassel, Mónica Cruz, Adriana Karembeu, Michael Schumacher, Tony Parker, Elsa Pataky, Zinédine Zidane

Sinopsis: En el pequeño pueblo de los irreductibles galos no sólo se persigue a los romanos y los jabalíes. También se persigue al amor... Alafólix, joven guerrero intrépido y romántico está enamorado de la sublime princesa griega Irina. No retrocediendo ante ninguna locura, Alafólix ha osado desafiar a Brutus, el cruelísimo hijo de César quien también compite por el favor de la Princesa Irina. De esta forma los dos competirán en los Juegos Olímpicos por la mano de la bella Irina.

Una formalidad para los galos: Astérix, Obélix, y Alafólix, cargados de la famosa poción mágica de Panorámix compiten y vuelven a competir e irán pasando todas las pruebas para dar una buena lección a César! Nuestros héroes se encaminan a Grecia con la moral muy alta para participar y sobre todo ganar. Pero una vez llegan al estadio todo se complica: el reglamento olímpico prohíbe todo tipo de poción! Nuestros amigos tendrán que medirse a atletas extremadamente preparados sin la magia de Panoramix.

Pero sobre todos ellos tendrán que enfrentarse a Brutus tenedor de todas las posibilidades para ganar los Juegos Olímpicos, la mano de la princesa Irina y el mismísimo trono de su padre. La inteligencia de Astérix, la fuerza de Obélix, y la intuición de Idéfix no serán suficientes para subir al fogoso Alafólix a los más alto del podium...

Vía estrenosdecine.net

THE UNGODLY (INHUMANO)

2008-01-31T01:42:00.001-08:00

Dirección: Thomas C. Dunn.
Países: España y USA.
Año: 2007.
Duración: 95 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Wes Bentley (Mickey Gravatski), Mark Borkowski (Lemac), Joanne Baron (Megan), Albert López Murtra (Gino), Marina Gatell (Jennifer), Beth Grant (Emma Lemac), Kenny Johnson (oficial Murphy), Marcia Haufrecht (Klara).
Guión: Thomas C. Dunn y Mark Borkowski.
Producción: Norbert Llaràs, Jordi Rediu y Yan Fisher-Romanowski.
Música: Carles Cases.
Fotografía: Paco Femenía.
Montaje: Alberto de Toro y Andrea Zondler.
Diseño de producción: Clarissa Shanahan.
Vestuario: Sasha Bliss y Maron Reese.
Estreno en España: 25 Enero 2008.

El próximo 23 de noviembre llegará a nuestras pantallas The Ungodly, un sobrecogedor thriller dirigido por el norteamericano Thomas C. Dunn en su debut cinematográfico, que narra el escalofriante encuentro entre Mickey, un joven y ambicioso cineasta obsesionado con grabar un documental que le haga famoso, y Lemac, un asesino en serie que se convertirá en objeto de su obra y en su peor pesadilla.

La productora catalana ZIP Films, liderada por Jordi Rediu y Norbert Llaras, en su línea de apertura e integración con el mercado independiente extranjero, se embarca con The Ungodly en un nuevo y prometedor proyecto internacional que cuenta como protagonistas con los no menos sugestivos: el joven Wes Bentley, que ya despuntó como actor en la que fuera ganadora de un Oscar, American Beauty (1999), y el dramaturgo Mark Borkowski que además de ser co-guionista de la cinta, pasará con The Ungodly a engrosar la lista de los más famosos 'Serial Killers' de ficción.

SINOPSIS

Intentar comprender la mente de un asesino es una tarea demasiado peligrosa que no amedrenta a Mickey (Wes Bentley), un joven cineasta que busca realizar la obra de su vida a muy temprana edad. Tras grabar en directo uno de los asesinatos de Lemac (Mark Borkowski), un asesino en serie buscado por la policía, Mickey chantajeará al psicópata para que acceda a ser el protagonista de un docudrama sobre su propia vida.

Via Labutaca y cifi)

John Rambo

2008-01-29T01:55:00.001-08:00

Titulo: John Rambo
Titulo Original: Rambo
Género: Acción, Drama, Thriller
Nacionalidad: USA
Año: 2007
Director: Sylvester Stallone
Guion: Sylvester Stallone
Reparto: Sylvester Stallone, Julie Benz, Paul Schulze, Matthew Marsden, Graham McTavish, Ken Howard, Rey Gallegos, Tim Kang, Jake La Botz

Sinopsis: Cuarta entrega de Rambo. Veinte años después de la última entrega, John Rambo (Sylvester Stallone) se ha retirado al norte de Tailandia donde trabaja en una lancha por el Río Salween. En la cercana frontera entre Tailandia y Birmania, en Myanmar, el conflicto entre birmanos y karennis, la guerra civil más larga en toda la historia del mundo, lleva durando ya 60 años. Sin embargo, Rambo, quien lleva una vida solitaria en la jungla que cubre las montañas, pescando y cazando serpientes venenosas que luego vende, hace tiempo que ha abandonado el combate, aunque por su lado pasan médicos, rebeldes y refugiados camino de las tierras asoladas por la guerra.

Todo eso cambia cuando un grupo de misioneros está buscando al “guía americano del río”. Cuando Sarah (Julie Benz) y Michael Bennett (Paul Schulze) se acercan a Rambo, le explican que desde la expedición del año pasado a los campos de refugiados, los militares birmanos han diseminado minas de tierra a lo largo de los senderos, haciéndolos extremadamente peligrosos para los desplazamientos terrestres. Le piden que les guíe Río Salween arriba y les deje donde puedan entregar suministros médicos, alimentos y biblias a la gente karenni perseguida. Pese a negarse inicialmente a penetrar en Birmania, Rambo acaba aceptando llevarles y dejarles, a Sarah, Michael y otros colegas de la misión de auxilio, en un lugar determinado.

Apenas dos semanas después, el pastor Arthur Marsh (Ken Howard) se cruza con Rambo y le informa de que los misioneros no han regresado. Ha hipotecado su casa y recogido dinero de los feligreses de su iglesia para contratar a un grupo de mercenarios (Graham Mctavish, Matthew Marsden, Tim Kang, Rey Gallegos, Jake La Botz) y así procurar el retorno. Rambo le pregunta si los misioneros están aún vivos, a lo que Marsh responde que se les ha visto cautivos en un campo del ejército birmano. Aunque el rechazo a la violencia y el conflicto se hacen evidentes en la actitud de Rambo, éste también sabe que debe ayudar, y accede a llevar a los mercenarios río arriba adentrándose en la zona de guerra desvastada. Lo que sigue va a ser un descenso a los infiernos.

Via estrenosdecine.net

Hacia rutas salvajes - Into the Wild

2008-01-28T02:02:00.001-08:00

Título: Hacia rutas salvajes
Título original: Into the Wild
País: USA
Estreno en USA: 21/09/2007
Estreno en España: 25/01/2008
Productora: Paramount Vantage
Director: Sean Penn
Guión: Sean Penn
Reparto: Emile Hirsch, Vince Vaughn, Marcia Gay Harden, William Hurt

Sinopsis
Basada en el bestseller de Jon Krakauer, basado en hechos reales. Narra los últimos dos años de vida de Christopher McCandles, un joven de 24 años que tras graduarse en la Universidad Emory de Atlanta y donar a Oxfam los 24000 dólares que tenía para estudiar derecho, decidió renunciar a todas las comodidades de la vida moderna y emprender un viaje que lo llevaría al monte McKinley, en Alaska.

Hacia rutas salvajes

Desde el momento en que leyó el libro de Jon Krakauer, "Hacia rutas salvajes", Sean Penn tuvo clara su intención de llevarlo al cine, "La historia me pareció imborrable, muy cinematográfica gracias a los personajes y al paisaje", ha declarado el actor y director, que cayó fascinado por la epopeya de Christopher McCandless (interpretado por Emile Hirsch), un joven que con 22 años decidió romper con su cómoda vida burguesa y un futuro brillante para emprender un viaje físico y personal que le llevaron a perder la vida, dos años después, en un autobús en Alaska. Sin embargo, Penn tuvo que aplazar su proyecto durante una década, el tiempo necesario para que la familia de McCandless estuviera preparada para vender los derechos.

Penn, responsable también del guión, explica cómo fue el proceso: "Me senté y empecé a escribir sin volver a leer el libro, y habían pasado diez años desde la primera vez. Escribí lo que tenía en la cabeza. Luego volví a leerlo y descubrí que Jon había hecho un buen trabajo porque estaba todo en el libro. Antes de empezar la segunda versión -continúa-, recorrí los lugares donde había ido Chris y conocí a algunas de las personas con las que se había cruzado. Fue otra forma de enriquecer la historia". Una de estas personas fue Wayne Westerberg, a quien Chris conoció en Dakota del Sur, que ha ejercido durante el rodaje como asesor y conductor de Penn, y cuyo personaje ha sido llevado a la pantalla por Vince Vaughn.

Krakauer, que confiesa escribió el libro -convirtiendo la historia de Chris en "un drama desgarrador del anhelo humano", según The New York Times- porque se sintió identificado con él -"era un joven testarudo e impetuoso con un corazón puro que no transigía. Tenía ideales muy elevados y una gran rectitud moral"-, reconoce sus dudas iniciales sobre la adaptación del texto al cine. Dudas que se disiparon cuando vio el filme. "Dejará huella en los espectadores. Nada está mascado. Es una película intensa, impresiona y plantea interrogantes".

Área de Descanso (Raw Feed) (2006)

2008-01-25T01:42:00.001-08:00

TÍTULO ORIGINAL
Rest Stop
DIRECTOR
John Shiban
REPARTO
Jaimie Alexander, Joey Mendicino, Deanna Russo, Diane Salinger, Michael Childers
AÑO: 2006 FECHA DE ESTRENO: 20/02/2007 (DVD)
NACIONALIDAD: USA

Jess y Nicole viajan por carretera hacía el glamuroso Hollywood. Pero en realidad van camino al infierno.

Cuando la pareja para en un área de descanso abandonada, Jess desaparece. Y de pronto, otra persona aparece en su lugar alguien con un demente sentido del humor, un taladro, pistolas de grapas, cuchillas y todos afilados y desgarrantes herramientas necesarias para cortar la madera, metales ... o incluso personas.

El terror reina en "Área de descanso", la primera película de la serie Raw Feed, la nueva marca de películas de terror, ciencia ficción y thriller.

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LA CRIATURA PERFECTA (Perfect creature)

2008-01-24T00:18:00.001-08:00

Dirección y guión: Glenn Standring.
Países: Reino Unido y Nueva Zelanda.
Año: 2006.
Duración: 90 min.
Género: Acción, fantástico, terror.
Interpretación: Dougray Scott (Silus), Saffron Burrows (Lilly), Leo Gregory (Edgar), Scott Wills (Jones), Stuart Wilson (Augustus), Craig Hall (Dominic), Robbie Magasiva (Frank), Lauren Jackson (Steph), Peter McCauley (profesor Liepsky), Stephen Ure (Freddy).
Producción: Tim Sanders, Russell Fischer, Haneet Vaswani, Michael Cowan y Jason Piette.
Música: Anne Dudley.
Fotografía: Leon Narbey.
Montaje: Christopher Blunden.
Diseño de producción: Phil Ivey.
Vestuario: Kirsty Cameron.
Estreno en España: 18 Enero 2008.

SINOPSIS

Hace tres siglos, en un mundo similar al nuestro, un alquimista italiano descubrió accidentalmente los secretos de la ciencia genética. Al hacerlo, el alquimista desencadenó una oleada de virulentas enfermedades contra las que la raza humana lucha todavía. Otra consecuencia de estos experimentos fue la creación accidental de una nueva raza de personas: los Hermanos, resultante de una mutación genética provocada por un virus y que sólo se manifiesta en los varones. Los Hermanos son seres superiores, física y mentalmente, que se han convertido en los guardianes de la ciencia genética y se han dedicado a mantener a buen recaudo el peligro potencial que encierra esa ciencia. Los Hermanos también ayudan a la Humanidad a combatir las enfermedades que periódicamente asolan el planeta. Se trata de una relación simbiótica, pues a cambio de su compromiso de preservar la vida humana, los Hermanos sólo piden a la Humanidad una cosa: su sangre. Los Hermanos son vampiros, no de la clase de vampiros que alimenta el mito europeo, sino unas criaturas vivientes de carne y hueso, quizás el próximo eslabón de la cadena de la evolución. Entonces surge un problema que amenaza con destruir esta armonía. Uno de los Hermanos ha hecho algo que ningún otro había hecho jamás: cazar seres humanos.

CRÍTICA por Javier Quevedo Puchal

Con casi dos años de retraso desde su primera exhibición en el Festival de Cine Fantástico de Amsterdam, llega a nuestras carteleras el último trabajo de Glenn Standring, "La criatura perfecta", un título que, inconscientemente, juega de forma temeraria con el autocontrol de la prensa especializada a la hora de redactar titulares. Y es que, sin llegar a ser un dechado de pasos en falso e imperfecciones, lo cierto es que el film que nos ocupa dista mucho de ser siquiera una obra notable (ya no digo redonda).

La idea de base nos emplaza a la década de 1960 de un universo alternativo, en el que humanos y vampiros conviven como dos razas hermanadas, que se necesitan mutuamente por diversas razones. Pero cuando uno de los vampiros comienza a cazar humanos para alimentarse de su sangre “ilícitamente”, de pronto la situación de equilibrio entre ambas razas se pone en peligro. Unidos en estrecha colaboración, Silus (Dougray Scott), uno de los vampiros, y Lilly (Saffron Burrows), una policía humana, tratarán de dar captura al elemento rebelde antes de que la noticia trascienda de forma aún más dramática.

Podríamos defender que el de Standring es más un film de ideas que de realidades. O, más concretamente, un film de ideas interesantes, pero que nunca acaban de cuajar ni, por consiguiente, de llegar a buen puerto. La primera de ellas es, al menos a simple vista y desde una perspectiva meramente genérica, el interés por rescatar la figura del vampiro en su vertiente más romántica, más decimonónica y posiblemente menos popular a día de hoy, y llevarla a un nuevo nivel de probabilidad que trasciende la pirotecnia de propuestas más o menos afines como "Underworld", sin ir más lejos (ahí tenemos la rudimentariamente civilizada manera de succionar la sangre con tubos de goma, una pequeña ceremonia que en algunos momentos marca paralelismos más que obvios con la liturgia católica). Claro que, como contrapunto, y tal vez por no decepcionar en demasía las expectativas del público, se presenta también un villano vampiro en su vertiente más sangrienta y despiadada.

Resulta igualmente destacable el esfuerzo por dotar de un cierto relieve adulto y más o menos contemporáneo a la historia, a través de los paralelismos fácilmente trazables entre determinados elementos de la misma y nuestra realidad inmediata (me refiero a temas como la corrupción institucional, las pandemias o la manipulación genética). Aunque, sin duda alguna, el elemento más destacable de la película es su acertado diseño de producción, a medio camino entre el futurismo y lo retro, y que, afortunadamente, se integra en las imágenes con una discreción y sobriedad de la que ya podrían aprender muchas otras producciones coetáneas que acaban apostando todas sus cartas a la baza de la infografía desmedida.

Aun con todo, "La criatura perfecta" se topa con un serio (y decisivo) obstáculo a la hora de jugar con las herramientas escogidas. Y no es otro que la incapacidad de insuflar de vida a una historia que siempre nos parece demasiado obvia, demasiado acartonada, y a unas imágenes que, pese a la tentativa del montaje (a veces más próximo a la confusión pura y dura que al nervio), se quedan en una atonidad fría e impersonal. Poco importa que se pretenda introducir una gran historia de amor imposible cuando la nula química entre sus protagonistas poco hace por dar alguna credibilidad a la misma. Y de igual modo, que el guionista se empeñe en grapar unos cuantos traumas a los personajes no significa necesariamente que les vaya a dar un mayor relieve dramático, como ciertamente no ocurre.

Así, y quizás muy a su pesar, la cinta se queda en la enésima revisión de la proverbial lucha entre el Bien y el Mal. Un producto correcto, pero más bien tirando a mediocre, rodado con moderado oficio pero sin demasiada pasión, ni siquiera en sus escenas de acción. Un pequeño cómic pulp resuelto de forma bastante torpe, sobre todo en sus veinte minutos finales, pero sin duda interesante como un “pudo haber sido”.

Via Labutaca.net

Caramel

2008-01-23T02:47:00.001-08:00

Título original:    Caramel
Año:    2007
Duración:    96 min.
Nacionalidad:    Líbano, Francia
Género:    Drama

Sinópsis

En Beirut, cinco mujeres coinciden habitualmente en un salón de belleza, un microcosmos lleno de colorido y sensualidad en el que varias generaciones se encuentran, hablan y se hacen confidencias. Layal ama a Rabih, pero Rabih está casado. Nisrin es musulmana y su próximo matrimonio plantea un problema: ella no es virgen. Rima está atormentada por la atracción que siente por las mujeres y vive al ritmo de las visitas de una bella cliente de largos cabellos. Yamal se niega a envejecer. Rose ha sacrificado su vida para ocuparse de su hermana mayor. En el salón de belleza, los hombres, el sexo y la maternidad se sitúan en el centro de sus conversaciones íntimas y liberadas, entre cortes de pelo y depilación con una pasta caramelizada de azúcar, agua y limón.

Nota de la directora

Libertad escondida

Si tuviera que resumir esta película diría que es la historia de cinco mujeres libanesas, cinco amigas de distintas edades que o bien porque trabajan allí o bien porque acuden a él, se reúnen en un salón de belleza en Beirut. Y podría añadir que, en ese mundo tan típicamente femenino, estas mujeres, que sufren la hipocresía de un sistema oriental ante la modernidad occidental, se ayudan mutuamente con los problemas que encuentran en relación con los hombres, el amor, el matrimonio y el sexo. Hoy en día, en esa parte del mundo, Líbano aparece como ejemplo de una sociedad abierta, libre y emancipada. Pero eso no siempre es cierto, porque detrás de esa fachada seguimos sujetos a muchas coacciones, al miedo permanente a las miradas de los demás y a los juicios que hagan sobre nosotros. En este contexto, las mujeres libanesas se consumen por el remordimiento y la culpa. En la peluquería y salón de belleza, mis heroínas se sienten a salvo, porque es un lugar en el que, aunque se las ve desde un ángulo muy íntimo, nunca se las juzga. La mujer que nos depila nos ve desnudas, en todo el sentido de la palabra, porque es un momento en el que no podemos engañar, y poco a poco le hablamos de nuestra vida, de nuestros miedos, de nuestros planes, de nuestros amores, etcétera.

Caramelo

El título hace referencia al producto que se utiliza en Próximo Oriente para la depilación y que consiste en una mezcla de azúcar, zumo de limón y agua, que hay que hervir hasta que se vuelve caramelo. A continuación se extiende esta mezcla sobre una superficie de mármol para enfriarla un poco, y seguidamente se convierte en una pasta que se utiliza para depilar. Pero también CARAMEL sugiere la idea de lo azucarado y lo salado, de lo amargo y lo dulce, del azúcar delicioso que puede quemar y hacer daño.

Los personajes

Estuve dudando mucho tiempo combinar la dirección y la interpretación en mi primera película, porque, aunque me atraía la idea de actuar, tenía miedo de que pudiera afectar a la película. Afortunadamente, me decidí a asumir el riesgo porque eso me permitió dirigir las escenas desde el interior de las mismas. Como las intérpretes no eran actrices, podía estar cerca de ellas al máximo, sobre todo porque, como quería que cada una de ellas conservara su propia forma de hablar, yo no les había dado diálogos para que se los memorizaran. Yo buscaba mujeres que en la vida real fueran como sus personajes. Tenía una idea muy clara del físico y la personalidad de cada una de ellas, de las palabras que usarían. Tuve que buscarlas por las calles, en las tiendas, en casas de amigas... Eso llevó algún tiempo, pero el resultado es que se ajustan a sus personajes. Layal, el personaje que interpreto, es la propietaria del salón de belleza, una mujer joven, de treinta años, cristiana, que sigue viviendo con sus padres, al igual que casi todas las jóvenes que no están casadas en Líbano. A través de las joyas que lleva, se ve su amor por la Santa Virgen y, por su vocabulario, que se siente muy apegada a su religión. Es un claro ejemplo de contradicción: por un lado, su familia, a la que ella no quiere decepcionar, y su religión, un abrigo protector, y, por otro lado, un hombre del que ella depende totalmente y que representa lo prohibido y la transgresión.

Nisrin es una mujer musulmana de 28 años, amiga de Layal, que trabaja como peluquera en el salón de belleza. Está a punto de casarse con un musulmán que no sabe que ella ya no es virgen, y esto supone un gran problema para Nisrin. Yasmine Al Masri, que la interpreta, no es actriz: nació en Líbano, y es hija de una egipcia y un palestino. Es una buena amiga, a la que conocí en París, donde ella está estudiando Bellas Artes y danza oriental. Todo su trabajo, su misma lucha, se desarrolla en torno al cuerpo femenino. Nadie más que ella podía ser Nisrin.

Rima es una chica de 24 años que lava cabezas en la peluquería. Callada e introvertida, no es tan voluptuosa y coqueta como las demás. Rima se está buscando a sí misma. Poco a poco, descubrimos que siente inclinación por las mujeres. ¿Pero ella es realmente consciente de ello? Joanna Moukarzel, que la interpreta, es directiva en una gran compañía de suministros eléctricos. Me convenció y me conquistó enseguida por su lado espontáneo y vibrante.

Yamal, la cliente, es amiga de todas las chicas que trabajan en el salón de belleza. No sabemos con exactitud ni su edad ni su religión. Le da tanto miedo envejecer que intenta por todos los medios ocultar que está en la menopausia. Yamal sólo vive de apariencias. En mi país, muchas mujeres se encuentran en esta situación porque en la existencia de la mujer libanesa es muy importante la seducción. Yamal quiere ser actriz porque, tras haber consagrado su vida a sus hijos, quiere brillar y existir, sobre todo cuando descubre que su marido la ha dejado por una mujer más joven que ella. Interpreta este papel Gisèle Aouad, que trabaja como secretaria de dirección y que tiene una personalidad generosa y extravertida que se corresponde bien con su papel.

Rose es una cristiana de 65 años que vive junto al salón de belleza y que conoce bien a todas las chicas. Nunca se ha casado porque ha consagrado su vida a cuidar de su hermana. Cuando conoce a Charles, deja pasar el amor, sin duda por sentido de sacrificio, pero también por autocensura. En Líbano, cuando se es viuda, divorciada o "solterona", no se tiene derecho de enamorarse pasada cierta edad. De lo contrario nos volvemos ridículos y avergonzamos a nuestros allegados. En esta sociedad cerrada, la culpabilidad surge de un apego demasiado fuerte a la familia y a la religión, sea ésta la que sea. Sihame Haddad, que encarna a Rosa, es un ama de casa. Me atrajo de inmediato su personalidad, muy conmovedora a pesar de su reserva.

Para el personaje de Lili, la hermana mayor de Rose, me inspiré en una mujer cuya historia me contaron. Cuando era muy joven se enamoró de un oficial francés que, cuando dejó Líbano le escribió todos los días, pero sus cartas fueron interceptadas por la familia de ella. Cuando lo descubrió, era demasiado tarde. Desde entonces, ella ha estado buscando esas cartas por todas partes... Lili es una solterona un poco loca que recoge todo lo que se parece a un papel.

Aziza Semaan, que interpreta este papel debe de tener 85 años. Yo estaba desesperada pensando que no iba a encontrar a nadie, cuando la vi en una calle un Viernes Santo. Inmediatamente me dije que era la Lili que yo estaba buscando. Es una cristiana que sólo habla árabe y, en la vida real, es, al mismo tiempo, muy tranquila y muy divertida. En cuanto a la bella y misteriosa mujer que aparece de cuando en cuando y cuyo nombre no sabemos es el ejemplo perfecto de la mujer perfecta, como surgida de los anuncios de los años sesenta en Estados Unidos, el ama de casa y la mujer que encarna el estereotipo de la mujer ideal. Pero pronto nos damos cuenta de que se siente increíblemente frustrada, como muchas mujeres libanesas que dejan atrás su verdadera personalidad para conformar la imagen que se espera de ellas.

Entre esta mujer y Rima, surge una auténtica atracción. Interpreta este papel Siham Fatmeh Safa, una mujer musulmana chií, casada a los trece años y que ahora vive sola. Ella tiene ese aire de misterio que yo necesitaba dar a ese personaje. En general, las mujeres libanesas están obsesionadas por su apariencia, están buscando su identidad entre la imagen de la mujer occidental y la de la mujer oriental... La mujer libanesa siempre tiene la impresión de tener que robar sus instantes de felicidad, la sensación de que tiene que luchar para vivir como quiere, y cuando lo consigue se siente culpable. Yo misma, que soy independiente y que ejerzo el oficio que me gusta, tal y como me gusta, me siento condicionada en lo más profundo de mi ser por las tradiciones, la educación y la religión. La mujer libanesa, tanto la musulmana como la cristiana, vive en una contradicción entre lo que es, entre lo que desea ser y lo que se le permite ser.

La música

Khaled Mouzanar, el autor de la música me conoce muy bien... ¡va a ser mi marido! Autor y compositor, ha sacado su primer álbum de canciones francesas (en Naïve). Su música siempre me ha evocado imágenes. Khaled tiene un universo muy particular, pero sabe ponerse al servicio de un guión y de una historia. Ha vivido conmigo toda la aventura de hacer la película y yo no tenía que explicarle nada para que entendiera lo que quería. Hice que oyera las canciones que me hacen soñar y él ha logrado esa mezcla difícil entre la música oriental y la occidental que funciona muy bien en CARAMEL. Gracias a él, la música es un auténtico personaje.

La guerra

Cuando acabó la guerra [la guerra civil entre facciones cristianas y musulmanas del país, con intervenciones de Siria e Israel, que se desarrolló entre 1975 y 1990], en 1990, yo tenía 17 años y, al hacer esta película, me planteé contar una historia que mirara hacia el futuro y no hacia atrás. Formo parte de una generación que quiere hablar de otras cosas, de historias de amor, por ejemplo, más en relación con nuestros sentimientos y experiencias que con la guerra. Se había visto, analizado, revisado y desmenuzado tanto los acontecimientos, que yo tenía la necesidad de no hablar de ellos. Por desgracia, ocho días después del final del rodaje, tuvimos que revivir unos acontecimientos dramáticos.

Entonces tuve un sentimiento de culpabilidad muy fuerte: ¿qué pintaba esa película que habla de mujeres, del amor y de la amistad? Para mí, el cine debería tener una misión y ayudar a cambiar las cosas, pero ¿qué podía aportar o cambiar mi película? Estuve tentada de abandonarlo todo, pero al final me dije que CARAMEL es una forma de sobrevivir a la guerra, de superarla, de ganarla. Es mi revuelta personal y mi compromiso, así que, si tuviera que escribir esta película hoy día, la haría igual. En Líbano todo se ha convertido en un acto político, la política ha penetrado hasta en la intimidad de nuestra vida...

Yo creía que me había escapado pero la realidad de la guerra me ha atrapado. En la actualidad, con las tensiones que reinan en Líbano, CARAMEL aporta un mensaje: a pesar de la oposición entre las distintas religiones, reactivadas por esta guerra, lo natural es que cohabiten y coexistan. Al menos es como pienso que habría que vivir.

Via todocine.com

En el Valle de Elah

2008-01-22T05:55:00.000-08:00

Título Original: "In the Valley of Elah".
Género: Drama.
País y Año: EE.UU. - 2007.
Dirección: Paul Haggis. . .
Guión: Paul Haggis. Mark Boal. .
Reparto principal:
Tommy Lee Jones Charlize Theron
Jason Patric Susan Sarandon
Jonathan Tucker Brent Briscoe
Joseph Bertot Victor Wolf
James Franco Frances Fisher

Fotografía: . .
Música: Roger Deakins. .
Producción: Paul Haggis. Larry Becsey. Steve Samuels.
Duración: 120 minutos.
Estreno España: 18 de enero de 2008.
Estreno EE.UU.: 14 de septiembre de 2007

Hank Deerfield, un veterano de guerra, se enfrenta a la misión más difícil de su vida cuando su hijo, el soldado Mike Deerfield, desaparece en su primer fin de semana de regreso de Irak. Cuando le comunican la noticia, Hank sale en su busca con la dudosa mediación de Emily Sanders, inspectora policial de la zona donde se vio al joven por última vez. Según avanza el caso, las pruebas apuntan a un crimen, pero la verdad sobre el pasado de Mike en Irak hará que su padre se replantee sus creencias.

Basada en hechos reales, "En el valle de Elah" es un drama sobre una misteriosa desaparición que tiene como telón de fondo la Guerra de Irak. El cineasta Paul Haggis estaba a la espera de un nuevo proyecto después de la oscarizada "Crash" cuando leyó un artículo de Mark Boal en la revista Playboy que llevaba por título "Muerte y Deshonor". Contaba la conmovedora historia de la desaparición de un soldado que había estado en Irak, la posterior investigación de su padre y los efectos de la guerra en la Armada. La idea del filme encontró muchas trabas por su temática, pero el apoyo de Clint Eastwood fue decisivo a la hora de encontrar productora.

El elenco está sustentado por actores de prestigio. Tommy Lee Jones, al que veremos junto a Bardem en la esperada "No es país para viejos", vuelve al tipo de papel en el que se siente cómodo, a medio camino entre el thriller y el drama (U.S. Marshals, El cliente). Junto a él, dos ganadoras de un Oscar como Charlize Theron (Monster) y Susan Sarandon (Pena de muerte). Completan el reparto, Jason Patric (El Alamo, la leyenda), James Franco (Spider-Man 3) y Josh Brolin (American Gangster).

Critica de Álex M. Blanco
No os dejéis engañar por sus dos horas de duración, porque En el valle de Elah son realmente tres películas en una: una que no está mal, otra que es brillante y una tercera que ni lo uno ni lo otro. En primer lugar, es una historia clásica de investigación policial, que incluye típicas batallas jurisdiccionales, tensión en salas de interrogatorios, pequeños milagros deductivos y el tipo de pistas falsas que convierten la resolución de crímenes cinematográficos en algo verdaderamente apasionante.

Pero, mientras nos sumerge en un mundo de drogas y de estrés postraumático que expone la fea verdad oculta tras el fracaso yanqui en Iraq, En el valle de Elah es también, en segundo lugar, la historia acerca de la dolorosa realidad que los padres deben afrontar cuando sus hijos no llegan a ser los hombres que ellos esperaban que fueran o, peor aún, cuando sí llegan a serlo. Es todo un placer contemplar al dispéptico Tommy Lee Jones empezar lentamente a comprender que, independientemente de quién lo matara, su hijo se había convertido en un intolerable malnacido que muy posiblemente merecía lo que tuvo. ¿Trapicheaba con drogas? ¿Abusaba de sus compañeros de pelotón? ¿Torturó a civiles en Iraq? En realidad, no importa. Lo que importa es que el chico llegó a ser el hombre que su padre, militar, hizo de él, y ahora está muerto y su muerte ha salpicado a todo Dios. En esta segunda historia, el director y guionista Paul Haggis regresa al terreno emocional de su primergran triunfo, el guión de Million Dollar Baby, que triunfó exponiendo las pequeñas desilusiones y extrañas salvaciones que la humanidad puede ofrecer.

Si En el valle de Elahse hubiera detenidoahí, contenta con mirar a Jones hundiéndose en lo más profundo de su propia culpa y su desilusión,sería casi brillante. Pero recordad que hablamos de Paul Haggis, y cualquiera que haya visto su primera película, Crash, sabe que Haggis nunca ha encontrado unacausa sociológicasobre la que no quiera pontificar. Así que en lugar de una película limpia acerca de la pena paternanos vemos obligados a sufrir una innecesaria metáfora bíblica bastante inapropiada y un plano final, con bandera americana incluida, que convierte al protagonista en el símbolo hueco de un país en estado de desencanto político.

LOS CRÍMENES DE OXFORD

2008-01-21T00:24:00.001-08:00

Dirección: Álex de la Iglesia.
Países: España, Reino Unido y Francia.
Año: 2008.
Duración: 110 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Elijah Wood (Martin), John Hurt (Arthur Seldom), Leonor Watling (Lorna), Julie Cox (Beth), Anna Massey (Sra. Eagleton), Alex Cox (Kalman), Dominique Pinon (Frank), Jim Carter (inspector Petersen).
Guión: Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría; basado en la novela de Guillermo Martínez.
Producción: Gerardo Herrero, Mariela Besuievsky, Álvaro Augustin, Kevin Loader, Frank Ribiere y Verane Frediani.
Música: Roque Baños.
Fotografía: Kiko de la Rica.
Montaje: Alejandro Lázaro.
Diseño de producción: Cristina Casali.
Vestuario: Francisco Delgado.
Estreno en España: 18 Enero 2008.

Una anciana aparece asesinada en el salón de su casa a las afueras de Oxford. Su cuerpo es descubierto por dos hombres que en ese momento se encuentran por primera vez: Arthur Seldom, prestigioso profesor de Lógica; y Martin, un joven estudiante americano recién llegado a la universidad con la intención de que el famoso profesor dirija su tesis doctoral. La muerte de la anciana no es sino el primero de una serie de asesinatos con inquietantes puntos en común.

CRÍTICA por José Arce

Ya desde el mismo instante en el que se presentó “Acción mutante” (1993), estaba claro que acababa de llegar a la industria un director que prometía toneladas de cine de calidad. “El día de la bestia” (1995), “La comunidad” (2000),"800 balas" (2002)… Álex de la Iglesia se ha convertido en un realizador clave en el avance del séptimo arte español, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, gracias a un currículo plagado de comedias que no son tales, de narraciones sólidas y consistentes y de guiños cinéfilos y cinéfagos de incontestable calidad. Y ahora da un salto mortal que esquiva con su habitual soltura, a pesar de no ser su mejor obra.

“Los crímenes de Oxford” se centra en las pesquisas de dos personajes contrapuestos pero condenados a entenderse. Por una parte, el descomunal John Hurt se mete en la piel del profesor Arthur Seldom, objeto de los deseos académicos de un joven estudiante norteamericano, Martin (Elijah Wood), ansioso por que el reputado docente ejerza de tutor de su tesis doctoral. Fascinados por el mundo de los números, las cábalas y las formulaciones matemáticas y filosóficas, los caminos de ambos convergen de manera inevitable cuando descubren el cadáver de una anciana asesinada de un modo genial —aparentemente, su muerte se ha producido de manera natural— que esconde un enigmático símbolo que no es sino el punto de partida de la cadena de horribles actos que da título a la película. Estamos ante una propuesta cinematográfica que se engloba en el catálogo de filmes detectivescos clásicos, en el que el espectador juega al lado de los protagonistas para tratar de dilucidar quién es el responsable de lo que acontece. Todos son sospechosos, nadie confía en nadie, y el final —tan válido es el elegido como podría haber sido cualquier otro— oculta una sorpresa para la platea…

Señalábamos al principio de este comentario que Álex de la Iglesia da un salto mortal con este trabajo. Y es cierto, porque a pesar de que bucea sin temor en los parámetros del cine negro con una capa de sano humor cáustico, estamos ante el que quizá sea su proyecto más formal y ortodoxo, aferrado al plano actoral al cien por cien, a los dobles juegos de diálogos y planos, a las trampas, a los giros de guión, por encima del impacto visual. Ante un planteamiento fiel a los parámetros del género en el que se mueve, sin excesivas complicaciones argumentales ni efectismos grandilocuentes de última hora, todo recae en el enfrentamiento de Seldom y Martin: el primero, de vuelta de todo, cansado de la vida y oculto tras los polvorientos volúmenes que le han dotado de tan vasto —y terrible— conocimiento de la existencia y sus misterios; el segundo, inquieto, confiado en sus posibilidades, dispuesto a comerse el mundo apoyado en su creencia ciega en que todo tiene su significado reflejado en los números y los secretos que ocultan. Entre ambos, la belleza humana y carnal de Lorna (Leonor Watling), esencia del deseo de ambos hombres, que centran sus anhelos en la muchacha desde perspectivas y tácticas tan opuestas y enfrentadas como irresistibles para ella.

Sobre este trío de ases articula el realizador todo el esqueleto de su producción. Y si bien es cierto que la narración flaquea en algunos momentos, nunca llega a caer, y se resuelve con acierto la compleja papeleta de mantener nuestro interés a lo largo de una serie de acontecimientos impecablemente presentados, con algunos momentos realmente soberbios —el larguísimo plano secuencia que conduce al primer asesinato— y regalos visuales que entroncan perfectamente con los trabajos anteriores del cineasta —la narración en off de la espantosa historia de Kalman, hipnótica y delirante, protagonizada por el seminal Alex Cox—. Quizá el más flojo, por lo obvio y un tanto inane de su rol, sea el personaje del inspector de policía, un Jim Carter paternal y en ocasiones simplonamente inverosímil, pero necesario para permitir que esta moderna dupla de Sherlock Holmes —aquí no hay Watson que valga— pueda erigirse en centro y objeto de la investigación criminal. Se agradecen, y mucho, las participaciones de una alucinante Julie Cox de mirada ineludible, y del pequeño gran Dominique Pinon, cuyo rostro irrepetible le convierte inmediatamente en el objetivo de las desconfianzas del público, en lo que puede ser una elección acertada… o no. Afortunadamente, “Los crímenes de Oxford” no cae en el saco de lo predecible, y hasta el último momento no descubriremos realmente qué diabólica mente se encuentra detrás de tan maléfico plan.

(via La Butaca)

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3:10 to Yuma

2008-01-14T03:48:00.001-08:00

Reparto: Russell Crowe, Christian Bale, Logan Lerman, Dallas Roberts, Peter Fonda, Ben Foster, Vinessa Shaw, Alan Tudyk, Luce Rains, Gretchen Mol, Chris Browning, Johnny Whitworth, Luke Wilson, Benjamin Petry

Western. Remake / SINOPSIS: Remake del film de 1957 de Delmer Daves. Arizona, a finales de 1800. El ranchero Dan Evans (Christian Bale), con la aspiración de conseguir una recompensa que alivie sus penurias económicas, decide colaborar en la captura del peligroso forajido Ben Wade (Russell Crowe), reteniéndolo en su rancho hasta que llegue el tren de las 3:10 que le trasladará a prisión. Una misión que pronto se volverá muy violenta.

3:10 to Yuma
Por David Hanono de Univision Online

Russell Crowe haciendo de villano; Christian Bale tratando de recuperar su orgullo y sobrevivir la escasez, pistolas; vaqueros y buena dirección por James Mangold dan forma a la nueva adaptación de 3:10 to Yuma. Qué más podemos pedir del cine cuando tenemos dos de los mejores actores de ahora en la misma pantalla. Para los fanáticos de las películas de vaqueros, 3:10 to Yuma queda como un anillo al dedo.

El tren del destino

Arizona en los años 1800. Ben Wade (Russell Crowe) y su cuadrilla de psicópatas viven sólo para robar las carretas llevando dinero para el nuevo ferrocarril. Dan Evans (Christian Bale) lucha para mantener su finca y desesperadamente trata de recuperar su orgullo y el respecto de su familia. Para poder recuperar su finca, se presta a ser escolta de Wade; después, de su captura, y asegura su entrega al tren de las 3:10 a la prisión de Yuma. Una misión imposible, con sus secuaces al rescate y peligro en cada momento, lleva a estos dos personajes totalmente distintos a un destino inesperado de respecto mutuo en el camino.

Evans lucha no sólo con lo físico, sino también con sus fantasmas de la guerra civil. Humillado al no poder mantener a su familia y su orgullo como hombre, tiene la única meta de sobrevivir. Al ver quemar su finca, viaja a la ciudad para intentar convencer de cualquier forma a los hipotecarios de su terreno por más tiempo para poder pagar lo que debe. En el camino se enfrenta por primera vez a Wade después del robo de una carreta. En este primer encuentro, Evans no es más que un estorbo para Wade, quien deja que él y sus hijos sigan su rumbo, pero sin sus caballos. Evans rescata a Byron McElroy (Peter Fonda) y sigue en su rumbo hacia la ciudad.

Evans se enfrenta a Wade por segunda vez en el Saloon y le pide compensación por la pérdida de su ganado y de su tiempo. El y sus hijos capturan a Wade y, por el pago de 200 dólares, se presta para llevarlo al tren de las 3:10 a la prision de Yuma. Con sus destinos en el mismo rumbo, empezamos a conocer más de cada uno de estos personajes.
La necesidad de sobrevivir se impone en Evans. Wade, un sicópata igual que su cuadrilla, mantiene un nivel de control, como si estuviera jugando con la situación. Evans es más prisionero que Wade, aunque no sea quien tiene las esposas puestas. William Evans (Logan Lerman) desobedece a su padre y escapa tras él en este viaje de descubrimiento. Wade cotiza la Biblia, dibuja a lápiz a nivel de maestro y se ve más como una celebridad que un criminal.

El rumbo sigue lleno de peligro, pero Wade deja que lo controlen, aunque en muchos momentos se ve que podría escapar sin mucho problema. Empieza a respetar a Evans, especialmente después que al ofrecerle más dinero del que ha visto en su vida, lo rechaza y sigue con la meta de entregarlo a tiempo al tren de la prisión. Wade toma el control, pero deja que Evans trate de cumplir, con la admiración de un compañero. Pero sólo uno puede llegar al tren vivo.

¿Qué se puede decir de Russell Crowe? Tremendo actor, con una capacidad para cualquier papel y éste es uno más que domina a la perfección. Christian Bale, en mi humilde opinión, es el mejor actor en Hollywood en este momento. Da la impresión de que el papel es un poco menor para un actor de su capacidad. Después de verlo en otros temas como la película The Machinist, no hay nada que no haga bien.
A veces es duro poner en la misma pantalla a dos actores tan grandes: puede ser que la presencia supere la historia. Este no es el caso de 3:10 to Yuma. Bajo la dirección de James Mangold (Walk The Line), mantiene la historia con estilo. La cinematografía está hecha para el Oeste, tomando en cuenta lo rústico sin ahogarla con paisajes pintados para una postal, mantienendo la realidad y a veces enseñando la crueldad de ese tiempo.

3:10 to Yuma es una película que explora muchos temas rodeada con batallas de pistoleros en el Oeste. Tiene sus pequeños problemas con la premisa pero son muy pocos. Para los fanáticos de los vaqueros es muy divertida; para los que quieran ver algo un poco más profundo que los pistoleros a caballo, también hay bastante para ver y analizar. En fin, muy divertida, muy buen actuada y un tiempo de entretenimiento bien invertido.

Con guión de Halsted Welles, Michael Brandt y Derek Haas, 3:10 to Yuma está clasificada R por su violencia y lenguaje.

(via: elmulticine.com - univision.com)

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HALLOWEEN, EL ORIGEN

2008-01-04T03:14:00.001-08:00

Título original: Hallowen

Año: 2007

Duración: 109 min.

Nacionalidad: EE.UU.

Género: Terror

COLOR

El autodestructivo Pierre Peders conoce bien la violencia y la atrocidad. Es un conocido reportero de guerra, ha recorrido el mundo y ha visto las peores cosas que se pueden imaginar. No es sorprendente que no le guste nada la idea de entrevistar a Katya, la estrella de la telenovela estadounidense. Nada más conocerse, los dos mundos se enfrentan: el de Pierre, un mundo políticamente serio y preocupado, y el de Katya, el mundo superficial de los famosos. Pero las apariencias engañan. Según se van abriendo, encuentran una conexión más profunda. Cada uno tiene una herida abierta y sufre a su manera. Pero la honestidad lleva a la desilusión. Su confrontación se convierte en una apasionada partida de ajedrez con grandes dosis de ingenio, intriga y tensión sexual que acaba de forma totalmente inesperada.

Sobre la producción

Durante el último viaje que realizó Theo a Norteamérica para ir al Festival de Toronto en 2003, su sueño de rodar una película en Estados Unidos parecía estar a punto de materializarse. Varios productores hablaron con el productor de Interview, Gijs van de Westelaken, acerca de la posibilidad de hacer un remake de Interview en inglés. A pesar de las posibles colaboraciones, Gijs van de Westelaken y Theo van Gogh querían montar el proyecto solos y empezaron a trabajar en la preproducción al volver del festival. INTERVIEW era la película ideal para que Theo realizara su primer intento en tierras estadounidenses. El productor describe la película como "basada en los diálogos y concentrada en la interpretación, realizada en un estilo apresurado y libre".

(via todocine)

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VIAJE A DARJEELING

Título original: The Darjeeling Limited

Año: 2007

Duración: 91 min.

Nacionalidad: EE.UU.

Género: Comedia Drama

COLOR

Tres hermanos americanos que no se han hablado en un año se embarcan en un viaje en tren por la India con la intención de encontrarse a sí mismos y estrechar lazos entre ellos, para volver a ser los hermanos que siempre fueron. Sin embargo, su "búsqueda espiritual" pronto se aparta de su curso, y al final se encuentran solos en medio del desierto con once maletas, una impresora y una máquina de laminación. En ese momento, de pronto, comienza un nuevo viaje que no estaba en los planes.

Sobre la producción

E A DARJEELING proviene de tres intereses de Wes Anderson: los trenes, la India y los hermanos. Anderson ya había retratado las a menudo simultáneamente divertidas y calamitosas vicisitudes de las relaciones amorosas y familiares en un ambiente escolar en RUSHMORE, el hogar de ex genios en LOS TENENBAUMS: UNA FAMILIA DE GENIOS y la vida bajo cubierta de un barco de exploración marina en LIFE AQUATIC.

Ahora con VIAJE A DARJEELING, sitúa la acción de un reencuentro entre tres hermanos separados en el que tal vez sea el sitio más intrigante hasta ahora: a bordo de un tren por los desiertos de Rajastán que lleva a los traumados hermanos por vastas llanuras extrañas, tanto en lo físico como en lo emocional.

"Siempre quise hacer una película en un tren porque me atrae la idea de una localización en movimiento. Así avanza a medida que avanza la acción", cuenta Anderson. "Ya hice una película en un barco".

Los trenes han inspirado a los cineastas desde los primeros días del cine. En 1895, la pionera película de 50 segundos de los hermanos Lumiere LLEGADA DE UN TREN aterrorizó a los espectadores que nunca antes habían visto una imagen lanzada contra ellos. En 1903, Edwin S. Porter creó la primera película narrativa con EL GRAN ROBO A UN TREN. Y desde entonces, desde la sofisticada ASESINATO EN EL ORIENT EXPRESS hasta el caos de QUÉ NOCHE LA DE AQUEL DÍA , los trenes han sido un medio para proyectar cinéticamente a todo tipo de personajes en todo tipo de viajes.

Los trenes que llamaban la atención de Anderson, sin embargo, no era sólo cualquier locomotora, sino los que cruzan el país más vivo alrededor del tren del mundo, la capaz y explosivamente creciente nación de la India, con su excitante tapiz de color y cultura, belleza y absurdo, pobreza y espiritualidad.

Anderson nunca había estado en la India antes de concebir la película, pero durante mucho tiempo había estado enamorado del paisaje que aparecía en la pantalla en algunas de sus películas favoritas, especialmente la visualmente sorprendente EL RÍO, de Jean Renoir, una historia intemporal situada en los bancos del Ganges, y las emocionales películas del maestro indio Satyajit Ray. La idea de trasladar su propia sensibilidad cómicamente agridulce a un mundo tan dispar del suyo propio le intrigaba.

(via todocine)

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Soy leyenda

2007-12-21T10:20:00.001-08:00

Título Soy leyenda

Título original I Am Legend

Direccción Francis Lawrence

Intérpretes Will Smith - Salli Richardson - Alice Braga - Thomas J. Pilutik

Año 2007
GuiónMark Protosevich, Akiva Goldsman

Robert Neville es un científico que es extrañamente inmune al virus que ha convertido al resto de la humanidad en unas bestias sedientas de sangre. Precisamente su sangre podría ser la clave para salvar a las personas infectadas así que intentará a toda costa protegerla para crear una vacuna. No será fácil seguir con vida. Neville lleva tres largos años deambulando por las calles vacías de Nueva York. Busca comida de día y se refugia de noche, siempre solo y aterrado, huyendo a duras penas de los vampiros que salen cuando cae el sol en busca de sangre.

Comentario

Will Smith ya es leyenda. Es el actor más poderoso de Hollywood según la revista Newsweek, muy por delante de Tom Cruise o Tom Hanks, ganadores de otros años y seguido de Johnny Depp y Ben Stiller. Su última apuesta es Soy leyenda, una revisión y actualización de The Last Man on Earth de 1967 que a su vez se basaba en un clásico de la ciencia ficción escrito por Richard Matheson. El proyecto ha recaído en manos del director Francis Lawrence (Constantine) y junto a Smith podremos ver a Alice Braga, una incipiente estrella brasileña, y Salli Richardson, actriz sobre todo de televisión, como la esposa de Neville. Los derechos de la novela de Richard Matheson están en poder de Warner Bros. desde hace más de 30 años pero ha estado dando tumbos hasta estos momentos; de hecho en principio era Arnold Schwarzenegger quien iba a protagonizarla allá por los 90 de la mano de Ridley Scott (Gladiador), pero problemas con el presupuesto (que se disparaba) dieron al traste con el proyecto. Finalmente Francis Lawrence se ha llevado el gato al agua y a la mayor estrella masculina del momento.

Curiosidades

Will Smith propuso el nombre del mexicano Guillermo del Toro como director de la película, sin embargo el realizador declinó amablemente la oferta.

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Irina Palm

Título Irina Palm
Título original Irina Palm

Direccción Sam Garbarski

Intérpretes -Marianne Faithfull - Miki Manojlovic - Kevin Bishop
Siobhan Hewlett

Año2007
Guión Philippe Blasband, Sam Garbarski

A través del agujero

Por Carlos Leal

La historia de Irina Palm gira en torno a un agujero: un gloryhole situado en un sex shop londinense en el que los clientes introducen sus miembros para recibir servicios sexuales en el más absoluto anonimato. Los clientes pagan, la meten, se corren y se van; el director Sam Garbarski no. Sam Garbarski introduce su cámara a través del agujero para narrar la improbable historia de Maggie, una viuda inglesa entrada en los cincuenta que se ve obligada a recurrir a la prostitución para costear los gastos médicos de su nieto, que debe ser sometido a una costosa operación en Australia.

Cuando se parte de una premisa tan extrema, uno se arriesga a descarrilar a cada paso: el sensacionalismo, los excesos melodramáticos, los tópicos sociales de izquierda biempensante y el más absoluto ridículo bordean en todo momento el desarrollo del filme. La soltura con la que casi siempre consigue esquivar cada uno de estos peligros es lo que demuestra que Irina Palm es una película inteligente y merecedora de un análisis reposado.

En realidad, lo que hace que el filme funcione es su tremenda capacidad de reinventarse a cada rato. La presentación nos remite al cine social europeo más rancio: los padres de un niño que sufre una extraña dolencia cardíaca deben resignarse a dejarlo morir porque no tienen dinero para viajar con él a Australia, donde se aplica una técnica médica experimental que podría salvarle la vida. De ahí pasamos a un drama moral a la Von Trier: la abuela del chico, Maggie, puesta en una situación extrema debe ignorar sus principios y colocarse de "azafata" en un club de alterme cerca de Oxford Street, al otro lado de un gloryhole. Esta parte del filme se agota pronto, y deja paso –y este es el giro más hábil de toda la película– a una subtrama clásica de superación: la viuda que estaba ya de vuelta de todo encuentra en la masturbación una habilidad oculta; bajo el seudónimo de Irina Palm, sus habilidades manuales se hacen famosas en todo Londres, los clientes hacen cola frente a su cabina e incluso recibe sustanciosas ofertas de otros clubs de la zona. El tono grave y sombrío del comienzo ha quedado atrás: casi sin darnos cuenta hemos pasado del drama a la comedia, del cine de autor al cine de género.

Aún le quedan dos vueltas a esta historia: un melodrama familiar algo torpe, en el que su hijo debe enfrentarse a sus prejuicios cuando descubre la manera en que Maggie ha podido pagar la operación del chico, y un último y previsible giro hacia la comedia romántica. No importa, Sam Garbarski maneja los tonos con tanta habilidad que las transiciones entre las distintas fases de la película se vuelven casi imperceptibles.

Por último, no conviene olvidar la contribución al éxito de la empresa de su pareja protagonista, Marianne Faithfull y Miki Manojlovic, que recibieron sendas nominaciones a los Premios del Cine Europeo por sus papeles. La Faithfull hace una meritoria composición de su papel de ingenua viuda inglesa, mientras que Manojlovic –un, habitual del cine de Kusturica– logra llenar de vida un papel difícil y no del todo bien trazado.

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El arca de Noé

Sinopsis

No todo marcha bien en el descomunal barco construido por el anciano Noé a petición de Dios para salvar a las especies de la tierra. El pasaje de tan peculiar crucero esta formado por miles de animales invitados por Noé para cumplir con el mandato divino. La convivencia a bordo, algo problemática, convertirá la travesía en una loca aventura llena de humor e ironía.

Comentario

Aprovechando que los escolares se encuentran de vacaciones, desembarcan (nunca mejor dicho en este caso) un sinfín de producciones destinadas en exclusiva a los más pequeños de la casa. Una de ellas es El arca de Noé, una coproducción argentino-italiana de animación que espera llevarse al menos parte del pastel infantil navideño.

La cinta está dirigida por Juan Pablo Buscarini, responsable de títulos como Pérez, el ratoncito de tus sueños o la ambiciosa Condor Crux. La película ha sido doblada por actores españoles, destacando la presencia del recién retirado Alfredo Landa (Luz de domingo), que da voz al mismísimo Dios, y del humoristo Florentino Fernández (Isi/Dis: Alto voltaje). Completan el reparto Natalia Rodríguez (Pudor) y Mabel Escaño (Un momento estelar)

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La brujula dorada

2007-12-17T03:49:00.001-08:00

TITULO ORIGINAL
The Golden Compass

AÑO 2007

DURACIÓN 110 min.

PAÍS EEUU

DIRECTOR Chris Weitz

GUIÓN Chris Weitz, Tom Stoppard (Novela: Phillip Pullman)

MÚSICA Alexandre Desplat

FOTOGRAFÍA Henry Braham

REPARTO Dakota Blue Richards, Nicole Kidman, Daniel Craig, Sam Elliott, Eva Green, Tom Courtenay, Simon McBurney, Jim Carter, Ben Walker, Charlie Rowe, Clare Higgins

PRODUCTORA
New Line Cinema / Ingenious Film Partners

WEB OFICIAL
http://www.goldencompassmovie.com/

EFECTOS COLATERALES EN UNA NOTABLE FANTASÍA ÉPICA
Así es, este primer libro de la trilogía del inglés Philip Pullman (le siguen La Daga y El Catalejo Dorado) titulado “La brújula dorada” tiene efectos colaterales dado que hay un revisionismo polémico, para algunos, sobre la actuación de la Iglesia Católica en lo que lleva de historia. En principio, organismos católicos norteamericanos han reaccionado con virulencia desde antes del inicio de la filmación. Antes que nada, queremos decir que Philip Pullman, de 61 años, escribió parte de lo que llama “La república del cielo”, en franca oposición a los postulados dogmáticos de todas las religiones. Y tomó el término de “la materia oscura” (ésa que no podemos desentrañar fácilmente) de un verso de John Milton, autor de El Paraíso Perdido, libro amado por nuestro Jorge Luis Borges.

La arquitectura literaria de Pullman no es simple: tiene varios aspectos como el de la narración en sí (la vida de la jovencita Lyra y su amigo Wills), la ética (la disyuntiva entre el bien y el mal), el simbolismo (ese Magisterio que lo rige todo al estilo de Gran Hermano o la novela 1984, en todo caso, que puede ser desde la Inquisición hasta un partido político como el Comunista) y el lado apocalíptico o sea la lucha feroz entre el bien y el mal.

Para transformar la aventura de Lyra, el eje de la historia, niña de 12 años que se deja seducir por mundos nuevos propuestos por la señora Coulter (una sofisticada serpiente femenina a cargo de Nicole Kidman), Pullman apeló a toda la fantasía sajona que disponía a su alcance, y, en especial, transformó a los dulces osos de Disney en feroces guardianes. Hay tres locaciones donde se desarrollan las historias: la Londres de los 30, el Polo Norte, y ese territorio paralelo que bien puede ser el del “cielo” propuesto por la Iglesia Católica.
Cada persona tiene su alma corporizada en un animal (ángel de la guarda o demonio???), esa “vocecita” del alma que llamamos o intuición o bien le damos un matiz religioso. Aquí Pullman la puso en la picota.

El argumento gira, entonces, en torno a Lyra (una suerte de “Eva” para la mitología creada por Pullman) y la desaparición de niños de una renombrada escuela londinense. Al parecer, la encantadora señora Coulter se las ingenia para llevárselos a ese extraño lugar del Polo Norte donde se les “lava” la cabeza. En el film, este aspecto tiene otras denominaciones, como así también en el primer libro de Pullman. Demasiado dramático para los chicos muy pequeños. Allí Lyra deberá luchar entre sus deseos de conocer libremente el mundo (por supuesto, es huérfana y ha estado al cuidado de un tío poco generoso, compuesto por Daniel Craig que rápidamente desaparece de escena) y es donde también se plantea un tema ético, ninguna novedad de Pullman porque ya lo trató el eminente filósofo alemán Kant: ser buenos o malos por propia decisión y no por temor a un Dios o a un aparato político religioso. Otro tema polémico si los hay!!!! No carente de verdad (y no soy atea).
La “brújula dorada” ayudará a Lyra a guiarse. Esa brújula es “algo más” y, sin duda, contiene un elemento “oscuro”, desconocido, porque es capaz de leer lo que puede suceder. El nombre de este aparatito es “aletiómetro”.

Hasta aquí, un intento de sustraer el hilo narrativo del film, complejo, que ha tomado casi todo del primer libro de Philip Pullman, con excepción de los tres últimos capítulos a fin de que puedan insertarse en la siguiente producción.
Nuestra opinión es que se trata de una película con formato infantil pero que no tiene nada de infantil. En realidad, es un film para adultos, o jóvenes con buena formación intelectual. Ciertamente, los niños no van a aprehender la simbología de Pullman, pero es subliminal. Ojo con esto. Los adultos deberán hacer el esfuerzo de ver un cuento seudoinfantil donde se les ofrecerá una filosofía personal, cuestionable o aceptable. Sin duda, estará al tope de la taquilla semanal porque tiene efectos especiales notables, de gran factura. Este tipo de películas, en lo personal, ya casi no nos atrae. La “deificación” de extraños seres nos resulta cansadora. Está muy lejos de convertirse en “El señor de los anillos”-la saga y lejos también de la muy infantil “Harry Potter” y todas sus secuelas. Pero está y es un título atractivo para los chicos, esto lo decimos con reservas. Es un film para pensar, algo así como conocer el pensamiento filosófico de Kant (mucho, no?) a través de dibujitos animados.

(via actoresonline.com)

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"El custodio"

2007-12-15T01:49:00.001-08:00

Rubén trabaja como guardaespaldas de un Ministro argentino.

· Año: 2006

· Director: Rodrigo Moreno

· Guión: Rodrigo Moreno

· País: Argentina

· Género: Drama

El director argentino Rodrigo Moreno plantea en su película ´El custodio´ una reflexión sobre la "labor ciega de servicio" del guardaespaldas, según dijo el realizador.

El largometraje está protagonizado por Julio Chávez y ha obtenido premios en los festivales de Berlín, Sundance, Ceará y Guadalajara, entre otros.

Moreno no pretende que el filme "guste ni convenza". "Cuando hago una película no pienso en valor comercial, sino en expresar algo que yo quiero, mi trabajo es radical y yo también lo soy", afirmó. La trama habla de un trabajo que consiste en reemplazar la vida de uno por la de otro, de la presión que esto implica y de cómo esta tensión finalmente estalla.

La figura del guardaespaldas "siempre es vista como la sombra de alguien", por lo que el director se planteó "invertir ese punto de vista". El origen de la historia es una situación real que Moreno contempló en la calle. Al realizador le llamó la atención "los movimientos protocolarios entre un ministro y su guardaespaldas", similares a los de "una puesta en escena".

La paradoja centra el argumento a través de los protagonistas: "Se trata de un ministro al que nadie quiere matar y de su custodio, el mejor soldado posible de un ejército que no pelea". Moreno confía "plenamente" en el relato para "inquietar al espectador", ya que presenta un tipo de historia en la que "el peligro siempre está presente".

El director cree que su película "sería muy diferente si transcurriera en el País Vasco, Israel o Colombia", lugares en los que el fenómeno de los guardaespaldas "si tiene sentido". Respecto al cine argentino, Moreno considera que "en los últimos diez años ha vivido una regeneración" que permite la presencia de "mucho cine de autor".

El actor Julio Chávez interpreta a Rubén, el custodio del ministro. "Alguien que nadie va a mirar se convierte de repente en protagonista de este cuento, lo que es esta película en realidad", comentó sobre su personaje. La "personalidad psicótica" del guardaespaldas le lleva a "confundir su rol con su propia persona". ´El custodio´ se estrena en los cines españoles el próximo 14 de diciembre.

(vía hoyCinema)

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MR. BROOKS

2007-12-12T01:58:00.001-08:00

Dirección: Bruce A. Evans.

País: USA.

Año: 2007.

Duración: 120 min.

Género: Thriller.

Interpretación: Kevin Costner (Mr. Brooks), Demi Moore (Tracy Atwood), William Hurt (Marshall), Dane Cook (Smith), Marg Helgenberger (Emma Brooks), Ruben Santiago-Hudson (Hawkins), Danielle Panabaker (Jane Brooks), Aisha Hinds (Nancy Hart), Lindsay Crouse (Lister), Jason Lewis (Jesse Vialo), Matt Schulze (Thorton Meeks).

Guión: Bruce A. Evans y Raynold Gideon.

Producción: Kevin Costner, Jim Wilson y Raynold Gideon.

Música: Ramin Djawadi.

Fotografía: John Lindley.

Montaje: Miklos Wright.

Diseño de producción: Jeffrey Beecroft.

Vestuario: Judianna Makovsky.

Estreno en USA: 1 Junio 2007.

Estreno en España: 5 Diciembre 2007.

Mr. Brooks es un hombre torturado incapaz de controlar sus emociones. Tiene una mitad diabólica, un álter ego amante del asesinato y el caos. La detective Atwood es una experimentada investigadora cuya devoción por su trabajo capta la atención y la admiración del asesino que esconde Mr. Brooks.

CRÍTICA por José Arce

Kevin Costner lleva ya bastante tiempo vagando en un limbo profesional del que no parece que vaya a salir, al menos a corto plazo. De trabajar con un puñado de grandes directores y protagonizar no pocas producciones estimables ha pasado a ser una estrella oscilante, que de vez en cuando despunta con alguna participación estimable pero que no acaba de convencer a nadie. "Open range" (2003) fue su última gran aportación al séptimo arte, mientras que la olvidable "The guardian" (2006) supuso un postrero paso más en su dudosa trayectoria de los últimos años. Ahora regresa enfrascado también en las labores de producción de este mediocre thriller bipolar, acompañado de Demi Moore, decadente astro que vive del recuerdo de tiempos mejores.

Earl Brooks (Costner) tiene todo lo que un hombre de mediana edad puede desear. Ha triunfado en el mundo de los negocios, tiene una hermosa mujer que le quiere (Marg Helgenberger), y una hija un tanto díscola (Danielle Panabaker) que le adora. Pero también tiene una adicción: matar. Sus impulsos sicóticos vienen dictados por su lado oscuro, a quien percibe como un ente físico y real, hasta el punto de que tiene su propio nombre, Marshall (William Hurt), y de cuya mano sacia sus necesidades homicidas, que le alivian sobremanera. No asesina por placer —de hecho es frío y mecánico en sus ejecuciones, y goza más contemplando las fotografías de sus crímenes que del propio hecho en sí—, sino porque está enfermo, lo necesita. Lleva dos años limpio, acudiendo a reuniones de adictos anónimos para desahogarse. Pero Marshall le convence de que satisfaga su hambre una última vez… “Mr. Brooks” tiene un arranque ejemplar, una presentación del personaje central que le viene a las mil maravillas a un Costner ya entrado en la madurez, a quien su atractivo natural le ayuda a meterse en la piel del triunfador que da título al film. Acompañarle durante el primer asesinato es escalofriante por la naturalidad con la que el actor se hace con su rol, anticipando una trama emocionante y tensa, pero, por desgracia, la narración empieza a tambalearse cuando Thorton Meeks (Matt Schulze) entra en escena. Y lo hace a los diez minutos de proyección.

La película da la impresión de querer contarnos un montón de cosas en un metraje de dos horas. Los acontecimientos se suceden sin parar, y el trabajo realizado para presentarnos al protagonista se diluye ante el aluvión de secundarios que surgen por doquier, cada uno de ellos con una historia propia aún más esquizofrénica que la del torturado eje de la trama. Así, Demi Moore (la obstinada Tracy Atwood) tiene su propio asesino en serie que la atormenta sin cesar, a lo que hay que unir su duro pasado, su divorcio presente y sus roces con el resto de compañeros del cuerpo de policía; la hija de Brooks está en plena crisis adolescente, abandona los estudios y quiere la empresa, por no hablar de que es posible que esté heredando la “enfermedad” de su padre —¿a quién se le ocurrió esa idea?—; Marg Helgenberger es una esposa querida pero ninguneada, paseando sin demasiada determinación por un torbellino argumental que parece quedarle grande; y Meeks está tan loco o más que el objetivo de su chantaje, un cobarde vicioso que convierte la herramienta de la probabilidad en propia víctima casual de lo que acontece… En definitiva, demasiadas circunstancias, situaciones y relaciones para asimilarlas en un visionado corriente, transformando en pulpa la veracidad de lo que sucede ante nosotros.

Lo mejor de todo es la relación entre Brooks y su reverso tenebroso, un divertido y solvente William Hurt que ayuda a Costner a sacar lo mejor de sí mismo, crecido ante un actor de talla gigantesca. Además, el protagonista no tiene ningún problema a la hora de integrar la faceta oscura en su actuación, logrando, con natural facilidad, pasar de una presencia a otra ante una platea capaz de creerse lo que el intérprete le ofrece. Pero ante lo apabullante del guión, preñado de narraciones paralelas que se acaban superponiendo entre sí, el conjunto se viene abajo en buena medida, máxime en la parte final en la que tratan de vendernos todo como una treta guiñolesca, que convierte al psicópata en una figura omnipresente que cierra la función con un homenaje —involuntario, a buen seguro— a los mágicos momentos que en la distancia comparten Hannibal Lecter y Clarice Starling. Otra vez será, Kevin.

(via labutaca.net)

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Persépolis (Animación)

2007-12-04T03:46:00.001-08:00

Direccción: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud

Intérpretes: Animación Año: 2007

Cine animado y con conciencia

Por Penélope Coronado

Precedida por el éxito obtenido por el cómic del mismo título, la película Persépolis –Premio del Jurado del Festival de Cannes y filme seleccionado por la Francia para los Oscar– adapta al celuloide la obra gráfica y autobiográfica de Marjane Satrapi.

Siguiendo la senda contestataria y crítica de Mafalda –el personaje de Satrapi también habla con Dios, en ocasiones con un singular parecido a Karl Marx–, la protagonista del filme narra su punto de vista respecto de la historia reciente de Irán, desde que en 1979 se acaba con más de cincuenta años de reinado del Sha de Persia y se da paso al régimen de los Ayatolahs.

La realidad histórica de este país se convierte en trasfondo en el que transcurren los acontecimientos en la vida de Marjane, una niña educada a la manera occidental para la cual las atrocidades sociales, la desigualdad de las mujeres, las purgas y la censura llevada al absurdo (quizás lo más hilarante del filme sea ese mercado negro con discos de ABBA y Iron Maiden) son intolerables; de ahí el tono de constante perplejidad que tiene la película, el asombro de una niña que mira y transmite lo visto desde su punto de vista infantil. El blanco y negro, los contornos de la imagen gráfica que parece como serigrafiada, contribuyen también a crear este tono naíf.

La insostenibilidad de esta situación –constante falta de libertad, imposibilidad de disentir– obligará a la Marjane ya adolescente a marcharse de su país natal. Se inicia entonces su aventura austriaca, su contacto desigual con la sociedad europea –el filme condensa así varios de los volúmenes del cómic–; desde entonces la protagonista no podrá remediar sentirse exiliada, incluso cuando regrese a su país.

(cinestrenos.com)

Rec

2007-11-30T01:52:00.001-08:00

TITULO ORIGINAL: [Rec]

GENERO: Terror

PAIS: España

DURACION: 85 Minutos

AÑO: 2007

ESTRENO EN CINE: 23-11-2007

DIRECTOR: Jaume Balagueró y Paco Plaza

GUION: Luiso Berdejo, Jaume Balagueró y Paco Plaza

INTERPRETES: Ferran Terraza, Jorge Serrano, Manuela Velasco y Pablo Rosso

PRODUCTOR: Julio Fernández

FOTOGRAFÍA: Pablo Rosso

MONTAJE: David Gallart

Cada noche, Ángela, una joven reportera de una TV local, sigue con su cámara a un colectivo distinto. Esta noche les toca a los bomberos, con la secreta esperanza de poder vivir en directo un impactante incendio. Pero la noche trascurre extremadamente tranquila. Y cuando por fin reciben la llamada de una anciana que se ha quedado encerrada en su casa, no les queda otro remedio que seguir a un grupo de bomberos durante su "misión" de rescate. En el edificio donde vive la anciana, los vecinos están muy asustados. Demasiado. La mujer, encerrada en su piso, lanza unos gritos desgarradores... Los bomberos destrozan la puerta y, seguidos por Ángela y el cámara, encuentran a la anciana como ida. De pronto, la mujer se lanza sobre un policía, mordiéndole salvajemente, delante de los incrédulos compañeros y del objetivo de la cámara. Es solo el inicio de una larga pesadilla y de un dramático reportaje TV único en el mundo: cuando los bomberos se llevan al herido, descubren que la única salida del edificio está bloqueada por las autoridades. El edificio ha sido puesto en cuarentena. Parece que un extraño virus se ha propagado en el interior...

Crítica

Por Marta Muñoz

Cine de "contagios misteriosos", un recinto cerrado en el que van cayendo los infectados uno a uno, sangre y vísceras.. a priori, REC colecciona los tópicos del subgénero. Entonces, ¿qué es lo hace que tengamos la sensación de estar ante algo original, o que dejemos las uñas clavadas en los brazos de la butaca durante esos ochenta minutos?
El recurso de la cámara en mano es el gran protagonista. Balagueró y Paco Plaza nos presentan una falsa grabación en la que un programa de TV "noticias" cubre por casualidad un extraño suceso. Vemos la película a través de la cámara del programa y nos lo narra una ambiciosa periodista que se encuentra ante la historia de su vida. El método nos es familiar, un estilo de reportaje que vemos a diario en programas del tipo Madrid Directo, está en nuestra rutina. Es algo que le da a toda la historia un aire de verosimilitud y cercanía. Y precisamente eso, normalizar un tema tan extraordinario como el de un contagio zombie con un contexto tan familiar, es una de las cosas que hacen que REC dé más miedo. Con todo el juego que el recurso supone, además: giros de cámara, visión nocturna, elipsis visual y/o auditiva...
Lo que en principio podía ser una apuesta arriesgada, la elección de una actriz de la cantera de Los 40 TV para el papel protagonista, es uno de los grandes aciertos de la película. El relativo anonimato en el mundo del cine de Manuela Velasco y su absoluta credibilidad con un micrófono en la mano redondea el efecto de realismo. La naturalidad es algo que define al casting al completo de la película, todo los actores contribuyen a crear una comunidad de vecinos de lo mas convincente.
Quizá nos sobre la explicación final: la teatralidad de un magnetófono está fuera de lugar en una historia que se ha definido hasta los últimos minutos por provocar tensión sin excesos efectistas.
La historia funciona, los personajes funcionan, nosotros saltamos en la butaca... los comentarios más repetidos a la salida de la proyección han estado en esa línea: "la he disfrutado mucho, pero... !qué mal lo he pasado!" REC es, definitivamente, un soplo de aire fresco para un género que está muy necesitado de savia nueva.
Lo Mejor: el planetamiento. La dirección. Manuela Velasco.
Lo Peor: no faltará el prejuicio por tratarse de una película de terror española.

Por Sergio Morcillo

Mucho se ha hablado de esta producción de Paco Plaza y Jaume Balaguero, pero no ha sido hasta el festival de Sitges cuando por fin hemos podido disfrutar de ella.
Antes de entrar en la sala, nos avisaron que personas con algún problema de corazón o epilepsia no era recomendable que pasasen a ver la película.
A pesar de su escasa duración (80 minutos), durante ese periodo de tiempo, el espectador es protagonista de un espectáculo plagado de sustos y tensión. Durante su metraje nosotros seremos el teleespectador que va a presenciar una noche en la piel de unos bomberos de Barcelona a través de las palabras de una fantástica Manuela Velasco.
Desde el minuto diez hasta su desenlace no paras de dar botes en la butaca y de gritar como un loco. Gracias a su estrectura narrativa no sabes lo que te vas a encontrar ni lo que va a pasar.
Los actores están fabulososos y creíbles en sus papeles. Además, Plaza y Balagueró también saben hacernos reír, pues REC también tiene su punto cómico (pero como un punto y aparte en la película, no durante las espectaculares persecueciones). Pese a que se comentaba la mala elección de Manuela Velasco como protagonista, todos los prejuicios que podría haber contra ella se desvanecerán al ver la película, ya que como adelantó Plaza en nuestros fotos, está sensacional y da una credibilidad necesaria a un título como este. Sus gritos, su mirada, su desesperación la convierte en la nueva "Scream Queen" del cine español.
El maquillaje y la realización del film es completamente brutal, el utilizado es tan realista que te hace quitar los ojos de la pantalla. Aquí no presenciaremos zombis made in Romero, si no que tendremos nuestros zombies made in Spain, muy realistas, sin complicaciones de ningún tipo y que encima, corren que se las pelan.
En conclusión, Rec funciona de una forma más que efectiva, con un reparto de muerte, un argumento original dentro del género, unas interpretaciones fluidas y realistas y una realización deslumbrante.
Lo mejor: Que se trate de la mejor película de Filmax, y que de una buena lección al cine americano.
Lo peor: Prácticamente nada.

Enlaces

Gemma Abrié (Ivanow Jazz Group) - Eric Sardinas - Pícnic Jazz - 26º Festival Jazz Terrassa 2007 - La Porteña Jazz Band

Empieza el Festival de Tesalonica, con presencia argentina

2007-11-20T01:20:00.001-08:00

Un puente cultural en el Egeo

La muestra griega fue una de las primeras en valorar el Nuevo Cine Argentino. Se verán Encarnación (Anahí Berneri), Estrellas (Federico León y Marcos Martínez) y El asaltante (Pablo Fendrik).

Por Luciano Monteagudo
desde Tesalonica

Ciudad puerto, la segunda en importancia después de Atenas, Tesalónica está recostada sobre las aguas serenas como un espejo del Mar Egeo, al norte del país, allí donde Grecia comienza a formar parte de los Balcanes. Hace 48 años que esta ciudad histórica –en cuya herencia se encuentran trazas de distintas culturas: helénica, romana, bizantina, otomana– alberga uno de los festivales de cine más respetados de Europa. Pero a juzgar por el promedio de edad de la mayoría de sus espectadores se diría que es uno de los más jóvenes del viejo continente. La población universitaria es la principal animadora de este festival cuyos dos centros geográficos invitan a pensar y a dejar viajar la imaginación. Por un lado, en la elegante plaza Aristotelous, está el complejo Olympion, sede de la competencia oficial y de las proyecciones especiales; y no muy lejos de allí, en un viejo muelle reciclado a nuevo, rodeado de barcos y remolcadores, se encuentran las salas de cine y de exposiciones donde se desarrolla el grueso de la muestra: las secciones paralelas, las retrospectivas, los homenajes y las exhibiciones de fotos, además de los centros de la prensa y de la industria.

En el 2001, cuando el festival era dirigido por Michel Demopoulos, Tesalónica fue uno de los primeros en prestarle atención al Nuevo Cine Argentino, con una monográfica de casi veinte films que daban cuenta de todo lo bueno que se había hecho hasta aquel momento. Hoy Demopoulos ya no está al frente del festival, pero Tesalónica le sigue prestando atención al cine argentino. Integrando el jurado oficial de la competencia internacional –dedicada exclusivamente a primeros y segundos films– aparece Lucrecia Martel, que hace seis años había presentado aquí mismo La ciénaga y ahora se tomó un descanso en la posproducción de su tercer largometraje, La mujer sin cabeza, para cumplir con la promesa de volver que le había hecho entonces al festival. Y en el apartado “Independence Days”, dedicado al cine independiente, hay un pequeño pero muy promocionado foco denominado “Nuevas voces argentinas”. Allí figura Encarnación, segundo largometraje de Anahí Berneri, que ya tuvo su estreno en Buenos Aires después de los premios que obtuvo en Toronto y San Sebastián. Y también hay dos títulos que estuvieron en el último Bafici pero que todavía esperan su lanzamiento en salas comerciales: Estrellas, de Federico León y Marcos Martínez, y El asaltante, de Pablo Fendrik. “Había siete u ocho películas excepcionales que pedían a gritos ser incluidas –escribió en el catálogo, con un entusiasmo quizás exagerado, Lefteris Adamidis, programador de esta sección–, pero no teníamos espacio para todas.”

Se entiende. “Independence Days” es quizá la sección más nutrida del festival e incluye un poco de todo, desde una puesta al día de la obra del gran director coreano Lee Chang-dong, para poner en contexto su nueva, excepcional película, Secret Sunshine, premiada en Cannes en mayo pasado, hasta una revisión exhaustiva del gran maestro japonés Mikio Naruse (1905-1969), ya conocido en Buenos Aires a través de una retrospectiva realizada tres años atrás en la Sala Leopoldo Lugones. Fiel a la tradición de la ciudad de ser un puente entre culturas muy diversas, y particularmente un punto de encuentro de Oriente y Occidente, Tesalónica también propone este año un foco sobre Yasmin Ahmad, considerada la “madrina” del nuevo cine malayo, el último grito de la moda en el voluble mundo de los festivales internacionales. Habrá que acercarse a ver de qué se trata.

Mientras tanto, dos viejos neoyorquinos hacen de las suyas en Tesalónica. Por un lado, el fotógrafo de modas y documentalista William Klein presenta una retrospectiva con sus films y una sustancial exposición fotográfica, en el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad. Y por otro, Amos Poe, legendario animador cultural y figura histórica de la vanguardia cinematográfica neoyorquina, trajo Empire II, un poema cinematográfico dedicado a Manhattan, filmado íntegramente desde la ventana de su departamento y con un protagonista excluyente: el Empire State Building, el mismo que consagraron King Kong y Andy Warhol y que ahora vuelve a ser la estrella. De tres horas de duración, inspirado tanto en el clásico film de Warhol (1965) como en la Sinfonía de una ciudad (1927), del alemán Walter Ruttmann, y rociado por poemas escritos especialmente para el film por Patti Smith, Empire II no está concebido para una sala de cine convencional sino para un espacio donde el espectador pueda entrar y salir sin culpa en cualquier momento de la proyección. En ese sentido, Tesalónica no pudo encontrar un lugar mejor para esta instalación: las ruinas de uno de sus tesoros más preciados, un impresionante Hamam (baño turco) sobreviviente del esplendor Imperio Otomano. Lo que se dice, todo un viaje, de un imperio a otro.

Via: Pagina12

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ELIZABETH: LA EDAD DE ORO (Elizabeth: The Golden Age)

2007-11-18T09:45:00.001-08:00

Dirección: Shekhar Kapur.
Países: Reino Unido y Francia.
Año: 2007.
Duración: 114 min.
Género: Drama.
Interpretación: Cate Blanchett (Elizabeth I de Inglaterra), Geoffrey Rush (sir Francis Walsingham), Clive Owen (sir Walter Raleigh), Abbie Cornish (Bess Throckmorton), Samantha Morton (María Estuardo), Jordi Mollà (Felipe II), Rhys Ifans (Robert Reston).
Guión: William Nicholson y Michael Hirst.
Producción: Tim Bevan, Eric Fellner y Jonathan Cavendish.
Música: Craig Armstrong y A.R. Rahman.
Fotografía: Remi Adefarasin.
Montaje: Jill Bilcock.
Diseño de producción: Guy Hendrix Dyas.
Vestuario: Alexandra Byrne.
Estreno en Reino Unido: 2 Nov. 2007.
Estreno en España: 9 Noviembre 2007.

La reina Elizabeth I de Inglaterra (Cate Blanchett) debe enfrentarse a la traición en el seno de su familia y a sangrientas tentativas de apoderarse de su trono. Elizabeth es consciente del cambio religioso iniciado en el siglo XVI en Europa, y el poderoso rey español Felipe II (Jordi Mollà) está decidido a restaurar el catolicismo en Inglaterra con la ayuda de su ejército y su invicta armada. Mientras la reina estudia cuál es su mejor opción en el extranjero, su consejero de confianza, sir Francis Walsingham (Geoffrey Rush), sigue manipulando a la Corte con maestría y trabajando para consolidar la monarquía absoluta. Gracias a su complicada red de espías, Walsingham descubre un complot de asesinato para hacerse con el trono. Al desenmascarar a los traidores, entre los que parece estar la prima de Elizabeth, María Estuardo (Samantha Morton), el fiel consejero no sabe que acaba de dar comienzo al declive de Inglaterra.

CRÍTICA por Miguel A. Delgado

Hablar de rigor histórico en el cine suele tratarse más bien de una cuestión de relajación de las exigencias que de verdaderamente ceñirse a lo que los expertos afirman que sucedió en un momento concreto. Ni siquiera un creador como Stanley Kubrick, famoso por su obsesión por el detalle real, pudo librarse (por ejemplo, en “Espartaco”) de la necesidad de dotar a sus películas con una estructura dramática para que funcionasen como tales, añadiendo invenciones y forzando situaciones que, seguramente, nunca sucedieron como se nos relatan. O, por citar un ejemplo más reciente, las protestas de diversos colectivos por lo que consideran falseamiento de la realidad de lo que fue la cultura maya en "Apocalypto" no impiden que, como cinta, como unidad dramática, funcione con la eficacia de un reloj.

Aunque no puedo afirmarlo por carecer de conocimientos en ese sentido, estoy totalmente seguro de que la primera “Elizabeth” de Shekhar Kapur debía de estar repleta de errores históricos al relatar la forma en la que la joven reina accedió al trono. Eso no fue óbice para que la crítica no la alabara con entusiasmo, algo que no parece haberse repetido con su tardía secuela, pues ha recibido los principales aguijonazos por el lado histórico, tanto en el Reino Unido —entre otras cosas, por la excesiva juventud de Cate Blanchett frente a la verdadera edad que la reina Isabel tenía en la época de la Armada Invencible— como en España —en este caso, por el retrato caricaturesco de Felipe II—.

Sin embargo, lo que habría que plantearse es: ¿funciona esta caracterización en el conjunto de la obra? Lo cierto es que, desde esta perspectiva, no, porque el presentarnos al español como poco menos que un lunático, gran parte de su potencia como enemigo se diluye: si a una Elizabeth digna, flemática y poderosa se le enfrenta un rival ridículo, con voz aflautada y desgarbado, la potencia dramática del enfrentamiento se desactiva (algo que aprendieron muy bien Frank Miller primero, y Zack Snyder después, a la hora de enfrentarse a la batalla de las Termópilas: nada mejor que convertir a Jerjes y los persas en poco menos que seres desmesurados y demoníacos para así otorgar grandeza a la victoria de los espartanos de Leónidas). De hecho, esa parte es la más floja de la película, pero no por fiel al relato histórico o no, sino por su falta de encaje en el sentido último de la cinta.

Lo que sucede es que, en realidad y como sucedía en la primera, no es ésa la pretensión del relato. En donde la película se eleva es en su núcleo central, en el enfrentamiento entre las contradicciones internas de una soberana condenada a la soledad por las obligaciones de su cargo, y que muy en el fondo de la parafernalia de la corte y sus intrigas sigue siendo una mujer de carne y hueso. Es en ese contexto en el que la cinta brilla en todo su esplendor, algo que se relaciona, una vez más, con la extraordinaria interpretación de una Cate Blanchett que vuelve a demostrar por qué es una de las mejores actrices de su generación, y que sabe dotar a su personaje de una madurez que le insufla una vida que le aleja del estereotipo o el mero disfraz.

Secundada de nuevo por un magnífico Geoffrey Rush y una espléndida Samantha Morton en el papel de María Estuardo (que aprovecha al máximo la única escena verdaderamente fuerte que le reserva el guión), y con un Clive Owen que cumple como el pirata Walter Raleigh (en lo que quizá sea la mayor licencia histórica de toda la cinta), “Elizabeth: La Edad de Oro” puede que no sea un título adecuado para proyectarlo en una clase de Historia; pero es, desde luego, un eficaz artefacto narrativo en el que se nos relata la lucha interior de una mujer a la que en ocasiones la corona pesa de manera insoportable. Queda en manos del espectador decidir a qué carta prefiere quedarse, y cuáles son sus principales intereses.

Via LA BUTACA - Estrenos de Cine

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Michael Clayton

2007-11-17T11:28:00.001-08:00

Michael Clayton trabaja para un famoso bufete de Nueva York, aunque no ejerce de abogado. Su especialidad es arreglar las cosas de la manera más limpia y rápida posible. No es ni policía ni abogado, sino la perfecta mezcla entre ambos: el perro guardián, el conserje, el mayordomo fiel que siempre obedece y nunca pregunta. Todo cambiará cuando su mejor amigo dentro del bufete, Arthur Edens, que durante seis años ha sido el encargado de defender los intereses de Agtek, una importante multinacional de productos argo-químicos, se pasa al bando contrario al descubrir un documento que demuestra que esta multinacional ha sido la responsable de la intoxicación de cientos de granjeros que utilizaron uno de sus productos.

Intérpretes

George Clooney
Tom Wilkinson
Tilda Swinton
Sydney Pollack

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El Hombre De Arena

2007-11-08T07:14:00.001-08:00

Titulo Original: El Hombre De Arena
Género: Drama
Nacionalidad: España
Año: 2006

Director: José Manuel González

Guion: José Manuel González

Reparto: Hugo Silva, María Valverde, Irene Visedo, Samuel Le Bihan, Alberto Jiménez, Héctor Noas, Miguel De Lira, Juan Llaneras, Ana Ruiz, Esteban G. Ballesteros, Pedro Cebrino, Fernando Ramos, Mercedes Sampietro, Ana Torrent, Gabrielle Lazure, Silvia Marty

Sinopsis: Finales de los 60. El Hospital Psiquiátrico de Extremadura, que alberga a enfermos, borrachos y vagabundos sin distinción, sucumbe a los métodos y la desidia de su director. Burgos (Alberto Jiménez) presta mas atención a satisfacer a las autoridades que a las necesidades de sus enfermos. Sin embargo, el ingreso de Mateo (Hugo Silva), un idealista trotamundos más cercano a la genialidad que a la locura, supone un cambio completo en la rutina del centro. Su rebeldía y su instinto protector hacen que Lola (María Valverde), una joven y guapísima reclusa maltratada desde niña, se sienta atraída por él. Además se gana el respeto de Carmen (Irene Visedo), una doctora que verá en él un apoyo a sus intenciones reformistas. Desgraciadamente, el propio Mateo y su relación con Lola también despiertan recelos en otros trabajadores, enfermos y sobre todo la ira del propio director, que ve el él una amenaza para el status quo que mantiene en el Hospital...

Fecha de Estreno: Viernes, 09 de Noviembre de 2007

Via : estrenosdecine.net

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RESIDENT EVIL: EXTINCIÓN

2007-11-07T00:52:00.001-08:00

Título original: Resident Evil: Extinction
Año: 2007
Nacionalidad: EE.UU., Alemania
Género: AcciónTerror
COLOR

Sinópsis

Es el fin del mundo... El virus experimental T, inventado por la Corporación Umbrella, ha sido liberado por el mundo, transformando a la población en un azote de zombis desgarbados con gusto por la carne.

Sin seguridad en las calles, Carlos Olive ra y L.J., junto con los nuevos supervivientes Claire , K-Mart y la enfermera Betty, han reunido un grupo de supervivientes y se han echado a la carretera... atravesando las asoladas carreteras del desierto en un convoy armado. Buscan otros como ellos - vivos... no infectados. Lo que encuentran es la otra presencia constante en el desierto: los No Muertos -y necesitarán docenas de armas, miles de balas y un par de lanzallamas para protegerse.

Escondidas bajo una torre de radio abandonada de Nevada están las elegantes oficinas y las instalaciones de investigación de la Corporación Umbrella. Con acceso al satélite de vigilancia constante en tiempo real, el Dr. Isaacs puede mantener una vigilancia constante sobre el convoy... pero está buscando a una persona que no sólo sea la clave para una cura, sino lo que han estado buscando los experimentos de Umbrella: a Alice.

Cuando fue capturada por la Corporación Umbrella, Alice fue sometida a experimentos biogenéticos que la alteraron genéticamente, otorgándole una fuerza, unos sentidos y una destreza sobrehumanos. Mutando minuto a minuto, y bajo una amenaza constante de traición por parte de su propio ADN creado por la ingeniería de Umbrella, Alice ha estado ocultando el convoy, alerta para protegerlos, esperando de algún modo conducirlo a un lugar seguro.

El convoy decide dirigirse hacia Alaska -su última y mejor esperanza de encontrar un refugio frente a los No Muertos -pero antes tendrán que hacer una parada para repostar en Las Vegas... y permanecer fuera de la vista de Umbrella si quieren tener alguna esperanza de conseguirlo.

Sobre la producción

Resident Evil: Extinción es la tercera y última entrega de la trilogía de 100 millones de dólares, Resident Evil. De nuevo está basada en la popular serie de videojuegos. La primera película estableció el mundo de la franquicia cinematográfica Resident Evil; la segunda película, Resident Evil: Apocalypse, muestra a Alice (Milla Jovovich), L.J. (Mike Epps) y el oficial renegado de Umbrella llamado Carlos Olivera (Oded Fehr) escapando de Raccoon City y de la trama de Umbrella para acabar con ellos. Resident Evil: Extinción los muestra en el desierto de Las Vegas, trasladándose de sitio en sitio en un convoy armado, dejando atrás y derrotando a las hordas de No Muertos que merodean por los espacios amplios y abiertos que ya no pueden llamarse civilización.

"Creo que la fuerza de las películas de Resident Evil es que no son sólo películas de zombis", dice el escritor y productor Paul W. S. Anderson, la fuerza creativa tras la trilogía de Resident Evil. "Hay más criaturas en estas películas que simplemente los No Muertos. También hay muchos conceptos de ciencia ficción en las películas por lo que son más grandes que simplemente una película de zombis.

Bernd Eichinger, Robert Kulzer y Martin Moszkowicz de Constantin, que antes visionaron la franquicia cinematográfica de Resident Evil, se reúnen de nuevo con Samuel y Victor Hadida de David Films y Jeremy Bolt y Paul W. S. Anderson de Impact Pictures. "Paul ha hecho algo que es muy raro para una película de género", dice el productor Robert Kulzer. "Se parece mucho a una película épica, con arcos de historia que pasan por varias películas y se combinaban de nuevo y se volvían a separar. Todos estos personajes tienen sus propias vidas. Está muy conectado con esta franquicia, estos personajes y el mundo del juego. Creo que este mundo realmente inspira su imaginación".

Reparto:

Milla Jovovich - Alice

Oded Fehr - Carlos Olivera

Ali Larter - Claire

Iain Glen - Dr. Isaacs/Tyrant

Ashanti - Betty

Chris Egan - Mikey

Spencer Locke - K-Mart

Jason O'Mara - Albert Wesker

Mike Epps - L.J.

Gary Hudson -

Matthew Marsden - Alexander

Vía: todocine.com

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El asesinato de Jesse James

2007-11-06T02:07:00.001-08:00

Sinopsis

Robert Ford forma junto a su hermano Charlie, Wood Hite y Jesse James la banda de forajidos más temida y admirada de todo el salvaje Oeste. Sin embargo, conforme la fama de sus aventuras comienza a crecer, Jesse se convierte en una figura pública y los celos comienzan a surgir entre ellos. Finalmente Robert firma un pacto con el gobernador de Missouri, Thomas T. Crittenden, que le promete la libertad a cambio de asesinar por la espalda al jefe de su banda.

Comentario

El forajido Jesse James se convirtió en un mito en Estados Unidos en los años que siguieron a la Guerra Civil gracias a sus audaces robos y sus aún más audaces fugas, que le valieron el apelativo del "Robin Hood Americano" del presidente Theodore Roosevelt. La leyenda de sus atracos y de su muerte a manos de un traidor infiltrado en su banda regresa por enésima vez a la gran pantalla en El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, un western de interminable título que supone el segundo largometraje como director del neozelandés Andrew Dominik (Chopper). Protagonizan El asesinato de Jesse James... Brad Pitt en el papel del mítico cowboy y Cassey Affleck como el cobarde Robert Ford. Completan el reparto Sam Shepard (Llamando a las puertas del cielo), Sam Rockwell (Confesiones de una mente peligrosa), Zooey Deschanel (Casi famosos) y Mary-Louise Parker (El dragón rojo).

Curiosidades

Tras un duro proceso de casting, dos de los actores con más futuro de Hollywood, Casey Affleck y Shia LaBeouf, acabaron por disputarse el papel de Robert Ford. Finalmente, el personaje fue a parar a las manos de Affleck con la excusa de que LaBeouf era aún muy joven.

Enlaces

IMDb

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SAW IV

2007-10-29T01:19:00.001-07:00

Dirección: Darren Lynn Bousman.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 95 min.
Género: Terror.
Interpretación: Tobin Bell (Jigsaw/John), Scott Patterson (agente Strahm), Betsy Russell (Jill), Costas Mandylor (Hoffman), Lyriq Bent (Rigg), Athena Karkanis (agente Pérez), Justin Louis (Art), Simon Reynolds (Lamanna), Mike Realba (Fisk), Marty Adams (Ivan).
Guión: Patrick Melton y Marcus Dunstan; basado en un argumento de Patrick Melton, Marcus Dunstan y Thomas Fenton.
Producción: Gregg Hoffman, Mark Burg y Oren Koules.
Música: Charlie Clouser.
Fotografía: David A. Armstrong.
Montaje: Brett Sullivan y Kevin Greutert.
Diseño de producción: David Hackl.
Vestuario: Alex Kavanagh.
Estreno en USA: 26 Octubre 2007.
Estreno en España: 26 Octubre 2007.

SINOPSIS

Jigsaw (Tobin Bell) y su aprendiz están muertos. Tras conocer la muerte del detective Kerry, dos avezados criminólogos del FBI, el agente Strahm (Scott Patterson) y la agente Pérez (Athena Karkanis), llegan a la destartalada comisaría de policía para ayudar al veterano detective Hoffman (Costas Mandylor) a investigar el último y sanguinario juego de Jigsaw. El objetivo es dar sentido a las piezas del malévolo puzzle. Pero de repente, el comandante Rigg del SWAT (Lyriq Bent), el único oficial al que Jigsaw aún no había tocado, es secuestrado y obligado a formar parte del terrorífico juego de este psicópata. El oficial sólo tiene noventa minutos para superar una serie de trampas conectadas entre sí... o de lo contrario su vida estará en peligro. La búsqueda de Rigg por toda la ciudad deja tras de sí una macabra estela de cadáveres, lo que permite al detective Hoffman y al FBI descubrir pistas que han estado ocultas durante mucho tiempo y que les llevan hasta Jill (Betsy Russell), la ex esposa de Jigsaw.

ENLACES

Ficha en IMDb
Web oficial (España): www.saw4.terra.es
Web oficial (USA): www.saw4.com

Imágenes y sinopsis de "Saw IV" - Copyright © 2007 Lionsgate, Twisted Pictures y Burg/Koules/Hoffman Production. Fotos por Steve Wilkie. Distribuida en España por Walt Disney Studios Motion Pictures Spain. Todos los derechos reservados.

Via: La Butaca

Scorsese y DiCaprio, juntos de nuevo en Shutter Island

2007-10-28T13:16:00.001-07:00

El filme, que marcará la cuarta colaboración consecutiva entre ambos, está basado en una novela de Dennis Lehane (Mystic River)

Carlos Leal

Tras el éxito de Infiltrados el año pasado, que ganó los Oscar a la mejor película y al mejor director, Martin Scorsese y su nuevo actor fetiche Leonardo DiCaprio van a afrontar su cuarta colaboración. En esta ocasión, según "Variety", planean adaptar la novela Shutter Island, publicada por Dennis Lehane en el año 2003.

Lehane se ha convertido en uno de los escritores más deseados de Hollywood en los últimos años, tras la exitosa versión de Mystic River rodada por Clint Eastwood en 2003 y la reciente Adiós, pequeña, adiós, que supone el debut en la dirección de Ben Affleck.

Ambientada en 1954, la historia de Shutter Island gira en torno a un militar estadounidense que investiga la desaparición de una mujer condenada por asesinato, que estaba recluida en un hospital para criminales con problemas mentales en la remota isla Shutter. Al tiempo que comienza a desentrañar los misterios del caso, un inesperado huracán deja incomunicada la isla.

Leonardo DiCaprio y Martin Scorsese trabajaron por primera vez juntos en el año 2002 con Gangs of New York. Desde entonces, el protagonista de Titanic y el director de Uno de los nuestros han vuelto a coincidir en El aviador e Infiltrados.

via: cinestrenos.com

Tom Hanks se mete en política en Charlie Wilson's War

2007-10-26T03:46:00.001-07:00

Philip Seymour Hoffman y Julia Roberts completan el reparto del filme, que suena con insistencia como posible candidato a los Oscar

Carlos Leal

Aunque poco conocida, la historia de Charlie Wilson contribuyó en gran medida a construir el mundo tal y como lo conocemos. A través de su incansable labor en la década de los 80, este joven congresista logró desviar miles de millones de dólares del contribuyente para comprar armas y entrenar a la insurgencia en Afganistán contra la ocupación soviética. Cuando los rusos se retiraron en 1989, el ejército estaba completamente derrotado y la URSS casi en quiebra. Sin embargo, esos mismos insurgentes que estaban armados y entrenados a través de los programas de Wilson formarían años después la espina dorsal de Al-Qaeda.

Charlie Wilson's War se basa en el libro de no ficción del mismo nombre publicado en 2003 por el periodista de 60 minutos George Crile. Más allá de la reconstrucción de los hechos, que hacen cierta la frase de que la realidad supera siempre a la ficción, el libro de Crile plantea un retrato poco halagüeño del político estadounidense, al que retrata como un mujeriego incorregible y alcohólico. Precisamente este retrato inclemnete fue el que llamó la atención de Tom Hanks, que interpreta a Charlie Wilson en la cinta: "Cuesta pensar que este tipo alto, guapo y bebedor de whisky que se rodeaba de mujeres espectaculares y llevaba a su propia bailarina del vientre a sus viajes sea el responsable de la mayor yihad de la historia moderna".

Redondean el elenco los oscarizados Philip Seymour Hoffman, que interpreta al agente de la CIA Avrakotos, y Julia Roberts. Por su parte, la dirección corre a cargo del veterano Mike Nichols, que ya ganó un Oscar al mejor director por El graduado. Con ese director y ese reparto, es normal que Charlie Wilson's War suene con fuerza entre las favoritas a hacer algo grande en la ceremonia de los Oscar, el próximo 24 de febrero. En España la podremos ver sólo unos días antes, a partir del 15 de febrero.

Via: cinestrenos.com

Noah Baumbach dirige a Nicole Kidman en Margot y la boda

2007-10-23T23:58:00.001-07:00

El director de Una historia de Brooklyn regresa con una nueva tragicomedia de familias disfuncionales que se estrenará en marzo

Carlos Leal

Una historia de Brooklyn nos descubrió en Noah Baumbauch a un director y guionista incisivo, capaz de combinar con soltura el drama más crudo con inesperados estallidos de comedia. Dos años después de la película que le lanzó a la fama, Baumbach regresa con una nueva tragicomedia sobre familias disfuncionales, titulada Margot y la boda.

La película narra la historia de Margot Zeller, una mordaz escritora de relatos cortos que emprende un viaje por sorpresa junto a su hijo Claude para asistir a la boda de su hermana Pauline. Pronto surgiran los problemas entre las dos hermanas, sobre todo cuando Margot conoce al prometido de Pauline, un artista sin mucho futuro llamado Malcolm.

Rodada con un presupuesto de apenas diez millones de dólares, Margot y la boda ha conseguido reunir sin embargo un reparto envidiable, que encabezan Nicole Kidman, que interpreta a la Margot del título, Jennifer Jason Leigh y Jack Black. Por cierto que los tres intérpretes dicen haberse divertido mucho durante el rodaje, en el que compartieron una casa en los Hamptons (Nueva York) para meterse en la piel de una familia mal avenida.

Margot y la boda tuvo su estreno mundial en el último Festival de Toronto, donde cosechó críticas desiguales. Su estreno en España está previsto para marzo de 2008.

Via cinestrenos.com

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Coppola presenta Youth Without Youth en la Festa di Roma

2007-10-23T01:33:00.001-07:00

El certamen italiano entregó el premio Campidoglio a una emocionada Sofia Loren

Carlos Leal

Diez años después de su última incursión en la dirección, el thriller judicial Legítima defensa, Francis Ford Coppola ha vuelto a ponerse tras las cámaras con Youth Without Youth (juventud sin juventud), un drama basado en una novela del rumano Mircea Eliade que ayer se presentó en la Sección Oficial de la Festa di Roma.

Rodada con una absoluta precariedad de medios ("como una película de estudiantes", aclara el director), Youth Without Youth construye una gran metáfora en torno a un anciano que, tras ser alcanzado por un rayo, recupera mágicamente su juventud en la Rumanía de antes de la Segunda Guerra Mundial. Para Coppola, esta forma de rodar es una reacción ante el tremendo reconocimiento que tuvo en su juventud: "se me ocurrió que si tuve la vida de un director viejo cuando era joven, tal vez pueda tener la vida de un director joven ahora que soy viejo, y eso me llevó al contenido del libro de Mircea Eliade".

En el lado mediático del festival, la protagonista en estos primeros días ha sido Sofia Loren, que recibió un cálido homenaje en la ceremonia de entrega del premio Campidoglio a toda su carrera cinematográfica. "Es la primera vez que me dan un premio por mi carrera en Italia, espero merecerlo", confesó emocionada la actriz, que presentó la proyección de la mítica Matrimonio a la italiana.

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Invasión

2007-10-22T10:33:00.001-07:00

Titulo: Invasión
Titulo Original: The Invasion
Género: Thriller Ciencia Ficción
Nacionalidad: USA
Año: 2006

Director: Oliver Hirschbiegel

Guion: David Kajganich

Reparto: Nicole Kidman, Daniel Craig, Jeremy Northam, Jeffrey Wright, Jackson Bond, Alexis Raben

Sinopsis: Basado en la novela “The Body Snatchers” de Jack Finney. Una misteriosa epidemia altera el comportamiento de los seres humanos. La psiquiatra de Washington D.C. Carol Bennell (Nicole Kidman) descubre que las propias personas encargadas de vacunar a los afectados están propagando algo mucho peor: una espora de origen desconocido que ataca el ADN humano mientras el huésped duerme, convirtiéndolo en la imagen de un ser que se parece a nosotros y habla como nosotros, pero desprovisto de emociones humanas. De la noche a la mañana, aparentemente, las personas que rodean a Carol se transforman en seres que forman parte de una especie de colmena con una única misión: infectar a otros y tomar el control. Haciendo todo lo posible por mantenerse despierta, Carol se embarca en un viaje desesperado a través de un mundo transformado con el objetivo de seguir viva el tiempo suficiente para encontrar a su hijo. Para ocultarse entre ellos, tendrá que permanecer serena, no revelar emoción alguna y, sobre todo, no dormirse.

Fecha de Estreno: Viernes, 26 de Octubre de 2007

Web Oficial

Web Oficial en Español

via: estrenos de cine

Festival Internacional de Cine El Ojo Cojo

2007-10-21T03:33:00.001-07:00

(iberarte.com) Amparo Gea, directora del Festival Internacional El Ojo Cojo, que se celebra en Madrid hasta el próximo 27 de octubre, destacó en la presentación del Espacio Iberoamericano en la Casa de América, que “el arte es una buena manera de transmitir un mensaje”, ya que, señaló, resulta “más fácil” que el espectador se identifique con un personaje para conseguir acercarle “a una realidad social concreta”.

Con el respaldo de los directores e fama internacional Sergio Cabrera (Colombia), Sebastián Cordero (Ecuador) y Susana García Iglesias de la Embajada Argentina, la responsable apuntó que en esta tercera edición el festival exhiben en nueve salas de Madrid –Casa de América, Centro Madrileño de Imágenes, Gaudeamus, Lola bar, Café Galdós, Las Horas, Nuevas Tendencias, La Puerta Estrecha, Centro Hispano-Marroquí- un total de 150 películas procedentes de 23 países.

El diálogo intercultural y la integración de grupos socialmente excluidos representan uno de los objetivos de este festival. Por eso, según la Programadora de Casa de América, Teresa Toledo, la programación de El Ojo Cojo se exhibe en salas alternativas de Madrid, alejadas de los circuitos comerciales.

Entr amos ya en la segunda semana del festival y quedan títulos por destacar. Todas las películas del festival tienen el sello de calidad de El ojo cojo tanto en la parte artística como de la temática abordada. Por mencionar algunas están “Los perdedores” 22/ 10 a las 19:15/ Centro Hispano Marroquí” Una historia nunca contada; “La habitación de Elias” el 26 de octubre a las 19:15 horas en “Centro Hispano- Marroquí”. El documental de Emma Tussell vacila entre la ficción y el retrato antropológico de un pequeño pueblo marroquí.

Tendremos Cine para niños, este sábado y domingo en el barrio de Lavapiés habrá espacios exclusivos para niños en “La puerta estrecha” y “Plaza de cabestreros”. O Viajar por calles y pueblos. Viajes presuponen abandonar el entorno habitual. A cada más lejano de su tierra la persona cambia su personaje. Nuevos entornos implican fricciones con nuevas personas, culturas y tradiciones. Y Cine contemporáneo de América Latina, donde se presentan las tendencias más representativas del cine América Latina con estrenos inéditos. El intento de una clasificación geográfica o generacional ya no es posible porque escapa de encajes como el cine social o político.

El Festival Cinematográfico El ojo cojo se encuentra programado dentro del Encuentro de la Cooperación Española para el Desarrollo.
www.elojocojo.org

Cine argentino

2007-10-21T03:31:00.001-07:00

Rodajes. Inés Efrón y Fabián Vena encabezan Amorosa Soledad , comedia romántica que filmarán, a partir de noviembre, junto a Lydia Lamaison, Nicolás Pauls, Mónica Gonzaga y Santiago Giralt, codirigidos por Victoria Galardi y Martín Carranza. Por su parte, Dolores Fonzi, Joaquín Aguila, Daniel Fanego y el músico galés John Cale (formó parte de la banda The Velvet Underground) actúan en Salamandra , ópera prima de Pablo Agüero que ruedan en la Patagonia. Cale además intervendrá en la banda sonora de este film, sobre una madre y su hijo de seis años que viajan a un mítico valle patagónico (producen la compañía local Rizoma, la francesa JBA Production y la alemana Rohfilm, con apoyo del Incaa). Y luego de ocho semanas, concluyó el rodaje de Los Angeles , con Nazareno Casero, Miguel Di Lemme, Juan Palomino, Victoria Maurette, Oscar Núñez y Carlos Boccardo, dirección de Juan Baldana, y producción de Cruz del Sur Cine y Torneos y Competencias.

En festivales. Continúa su recorrida internacional Upa!, una película argentina : luego de presentarse en los festivales de Ghent -cuyo jurado presidió la actriz Kathleen Turner- y de Mannheim-Heidelberg, la comedia del Manifiesto Grupo Acción, que se estrena en nuestro país el 15 de noviembre, concursará en La Habana, en diciembre. A su vez, en la 23» edición del certamen de Varsovia exhibieron El asaltante , de Pablo Fendrik, y la coproducción con Bolivia Cocalero , de Alejandro Landes. Por su parte, Marcelo Schapces llega el martes a Ucrania para presentar su film La velocidad funda el olvido , en la competencia del festival de Molodist. Por estos días, transcurre en Madrid el Festival Internacional de Cine El Ojo Cojo, donde dedican una retrospectiva a Gustavo Postiglione, con la proyección de El asadito , El cumple , La peli , Tremendo amanecer y Stanley , entre otros títulos del realizador. Y el viernes inauguran la 52» edición de Valladolid. Concursarán XXY , de Lucía Puenzo, y Tres de corazones , de Sergio Renán.

Fallece Deborah Kerr

2007-10-20T03:41:00.001-07:00

Querida Deborah

Pepe Gutiérrez-Álvarez (Para Kaos en la Red)

El día que supe que Deborah Kerr (1921, Escocia - 2007), padecía del mal de Parkinson lo sentí tan de verdad, que no lo pude olvidar mientras recordaba y revisaba aquellas películas en las que ella siempre fue simultáneamente, alguien próximo pero también un sueño. Deborah podía interpretar papeles idóneos para Catherine Hepburn o Elizabeth Taylor, y si cabe, mejor.

Aunque es incuestionable que Deborah Kerr fue lamentablemente desaprovechada en alguna que otra película, y me viene a la memoria una estúpida llamada Divorcio a la americana (1965), junto con Sinatra y Martin, y en la que los mexicanos eran comparsas tontos, estas fueron excepción, y de hecho ya no recuerdo más, aunque las debe de haber entre las que no nos han llegado. Pero fueron excepciones, y por supuesto a pesar de ella, y sé de lo que hablo porque la Kerr siempre fue para mí un motivo añadido para ver una película, de ahí que su filmografía me resulte familiar comenzando por Major Barbara (1941), su debut a los 20 años en una adaptación de G. B. Shaw llevada a cabo por su "fan" nº 1 en el cine británico: Gabriel Pascal.

Su consagración llegó dos años más tarde La vida y la muerte del coronel Blimp (1943), que aquí se estrenó como Coronel Blimp y que posiblemente sea la película menos militarista que se haya hecho jamás en tiempos de guerra, tanto fue así que cuando la vio Wiston Churchill montó en cólera. Trata de la larga amistad entre un oficial británico (Roger Livesey), y otro germano (Anton Walbrook que habría pasado a la historia del cine solamente por su papel en La Ronde, de Max Ophuls). Está narrada a través de una sucesión de flashback que parten de 1942, y a sus directores y guionistas, Michael Powell y Emeric Presburger, lo habrían fusilado en otros países. Deborah Kerr encarna a todas las mujeres de las que Blimp se enamora, y dudo que no le pasara lo mismo a cada uno de los espectadores.

Con el mismo equipo hizo ya como primera protagonista, Black Narcissus (1947), en la que encarna a la hermana Clodagh en la película religiosa más extraña que recuerdo. De entrada porque el convento está situado en un nido de águilas situado en el Himalaya, justamente a la misma altura que el Everest, y su mantención es un desafío a la autoridad de Mister Derar (David Farrar), el residente británico que no está de acuerdo, una tarea ardua considerando además que, aparte de lo extraordinario del lugar, también tienen graves problemas con algunos de sus alumnos. Nadie diría que está rodada íntegramente en decorados, y es que la fotografía de Jack Cardiff era lo que faltaba para que la película fuese una obra maestra.

Su debut en Hollywood lo hace como esposa de Clark Gable (20 años mayor) en Tha Huckster (que aquí se estrenó por TV como Los vencedores), otra película extraña que estuvo dirigida por el veterano Jack Comway No recuerdo quienes fueron sus guionistas, pero servidor la recuerda casi como n panfleto anticapitalista. Hay un momento en que Gable se dirige a unos empresarios y les habla casi como Don Carlos, supongo que una de las cosas propias de una época en la que la libre empresa estaba muy desprestigiada. Dos años más tarde la diferencia de edad del matrimonio se repetiría con Spencer Tracy (igualmente 20 años mayor) en Edward mi hijo (1949), un melodrama dirigido por George Cukor que los había y los hizo mejores. Deborah se encontrará en la misma situación en tantas películas, con Gary Cooper por ejemplo, con el que trabajó en la penúltima película de éste, Sombras de sospechas (Tha Nake Edge, 1960), un filme que tenía que haber hecho Alfred Hitchcock y que acabó haciendo el anodino Michael Anderson. Deborah fue también pareja de Gary Grant, quince años mayor, pero claro en el cine esto no es nada ya que, por citar un ejemplo, Joyce Royce Landis, la actriz que hacia de su impertinente madre en Con la muerte en los talones, era más joven en realidad que Grant.

Se ganó el mote de "Primera Dama de Hollywood" por su clase, que demostró en toda clase películas incluyendo las de aventuras, así fue una delicada y etérea amazona en Las minas del rey Salomón (1950), seguramente el título que le dio mayor popularidad; una no menos bella y etérea esclava cristiana llamada Lygia que no se despeinaba ni con los leones en Qvo Vadis (1951), pero sobre todo, fue una reina más delicada y hermosa que Sissi en la una singular exaltación monárquica, el prisionero de Zenda (1952), la obra maestra de Richard Thorpe, nuevamente con Stewart Granger en su mayor gloria. Digo singular porque resulta que en el reino de Ruritania, la aristocracia conspira y está liderada por malvados del peso de James Mason y Robert Douglas, y el rey bueno, el que enamora a la princesa, es en realidad el gemelo plebeyo, mientras que el legitimo más bien parece un Borbón.

En los años siguientes, Deborah se paseó por varias obras de primera magnitud, y si lo fueron, fue en buena medida por su presencia. Fue el caso de De aquí a la eternidad (1953), donde demostró que además de delicada e inteligente sabía hacer de mujer deseada y deseosa al lado de un pletórico Burt Lancaster ambos dirigido por Fred Zinnemann que también la dirigió en otra película notable, y en la que Deborah muestra un registro muy diferente. Me refiero a Tres vidas errantes (1960), la historia de una familia trashumante en la Australia ovejera, con personajes muy elaborados como el formado por el matrimonio entre la Kerr y Robert Mitchum que ya habían coincidido en una de las películas más modesta pero más intensas de John Huston: Sólo Dios lo sabe (1957). Se trataba de una historia de amor de las más delicadas que se han visto en el cine, y es que Deborah reinaba en las películas románticas aunque marcadas por el dolor y los desencuentros.

Pasará el tiempo, y películas como Tú y yo (1957), de Leo McCarey, con Gary Grant, seguirá viéndose como una de las más hermosas historias de amor que ha dado el cine, y no es en vano que haya dado lugar a diversos "remakes" que en el mejor de los casos, no molestaron demasiado en la comparación con el original. Deborah era de una belleza tranquila detrás de la cual se encontraba una mujer llena de inquietudes y contradicciones, alguien muy especial como la mujer casada que trata de comprender al muchacho homosexual en Té y simpatía (1956), una de las obras más delicadas de Vincente Minnelli, y uno de los primeros grandes títulos del cine que aborda abiertamente esta categoría sexual, lo que la convierte en una película "revolucionaria" para su época. También mostró sus dotes para la comedia, especialmente en Página en blanco (1960), una película de mucha más materia de la que puede parecer a primera vista, amén de una composición casi genial de sus cuatro protagonistas: Gary Grant, Deborah Kerr, Jean Simons y Robert Mitchum.

También supo mostrar su parte oscura con esa manera tan suya de evitar los subrayados, de desarrollar el personaje a través de los gestos y de las miradas. En este punto es de justicia revindicar la obra maestra de Jack Clayton aquí titulada burdamente Suspense (1961), aunque originalmente se llamaba The Inocents, y se trataba de una impresionante adaptación de la novela de Henry James, Otra vuelta a la tuerca, cuya lectura recomiendo, y que pro cierto, ha sido llevada varias veces en el cine (dos en España, una por Eloy de la Iglesia), y ha inspirado muchas películas (como Los otros, de Amenazar), pero en ningún caso alcanza la fuerza oscura del original. Se me quedó grabada cuando la pude ver en su estreno barcelonés, y luego la ha podido ver otras dos veces, curiosamente cada vez con una compañera distinta, y me consta que pasó a engrosar entre las favoritas de ellas.

En 1969 hizo sus dos últimas grandes interpretaciones, fue la amante desnuda de Burt Lancaster en Los temerarios del aire en lo que fue un homenaje al recuerdo de De aquí a la eternidad, amén de una de las obras mayores aunque menos reconocidas de John Frankenheimer. Aunque aparentemente puede parecer una película sobre las aventuras de los especialistas en acrobacias aéreas, en realidad se trata de una historia de amore tardíos, el retrato de un hombre que lamentara no haber amado establemente a una mujer como ella, y ella una mujer que lamentará haberse encontrado con otro que la subestima. Luego sería la paciente pero también crispada esposa de El compromiso, la penúltima película de Elia Kazan, el drama de un ejecutivo en crisis (Kirk Douglas) con sus raíces (es como el nieto del armenio que llegó América, América), con su repulsivo trabajo de publicista, y como hombre que sueña a destiempo con una nueva vida.

Deborah hizo un pequeño papel en 1985, y se retiró a su vida privada. Nunca había ejercido de estrella, tampoco trabajo en ninguna película infame. A pesar de que hasta seis veces candidata al Oscar a la mejor actriz, solo consiguió finalmente en 1994 uno honorífico de la Academia de Hollywood, aunque la verdad es que si hubo algún honor, ese fue para la Academia.
Se definió a sí misma una vez como "un clown por dentro", también dijo en otra ocasión: "Soy muy limpia y ordenada. Odio que todo esté patas arriba. Puede decirse que estoy limpia por dentro y por fuera".

Descanse en paz, que nosotros seguiremos disfrutando con mucha de sus grandes interpretaciones.

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Via: Kaos en la red

Festival de Cine de Roma honra a Loren con premio a su carrera

2007-10-20T03:31:00.001-07:00

ROMA (Reuters) - Cuando el Festival de Cine de Roma se olvidó de invitar a Sophia Loren para su primera edición el año pasado, se dijo que se puso furiosa por el desaire.

Este año, Roma se reivindicó dando a Loren un premio por su trayectoria y organizando una serie de eventos para honrar la carrera de medio siglo de una actriz que fue llamada la mejor exportación italiana después de la pasta.

"Es la primera vez que me dan un premio por mi carrera en Italia, espero merecerlo," dijo el jueves la estrella ganadora del Oscar, vestida con un vestido de chiffon negro de Armani, en la ceremonia de la alfombra roja.

El viernes fue el "Día Loren" en el festival, en el cual la actriz respondió preguntas de 700 fanáticos y se presentó "Marriage Italian Style," una de sus películas más famosas, dando inicio a una retrospectiva de sus trabajos.

Aún glamorosa a los 73 años, Loren sigue siendo votada como una de las mujeres más sexies del mundo y el año pasado apareció en el calendario Pirelli, que generalmente prefiere modelos top que tienen un cuarto de su edad.

A Loren, una beba ilegítima que creció en un barrio pobre afuera de Nápoles, la descubrió el productor de cine Carlo Ponti -quien luego se casó con ella- en un concurso de belleza cuando era adolescente.

Ganó un Oscar en 1962 por el clásico neorrealista "La Ciociara," el trágico retrato de una madre en tiempos de guerra del director Vittorio De Sica, que las audiencias británicas y estadounidenses conocieron como "Two Women."

En los sesenta y setenta su relación con De Sica y el actor Marcello Mastroiani los convirtió en un trío característico, con comedias sociales clásicas como "Yesterday, Today and Tomorrow" (1963) y "Marriage Italian Style" (1964).

Más de 10 años después, volvió a cautivar a la audiencia con su actuación en "A Special Day," dirigida por Ettore Scola. Se reunió con Mastroianni en la sátira sobre la moda de Robert Altman, "Pret-a-Porter," de 1994.

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Via: Reuters

La Guerra de las Galaxias a la televisión

2007-10-18T04:37:00.001-07:00

La Guerra de las Galaxias a la televisión

La famosa saga ‘STAR WARS’ (’La Guerra de las Galaxias’), creada por George Lucas, dará el salto a la televisión en una serie que centrará su argumento en los robots y androides de dicho universo de ciencia ficción y aventuras.

George Lucas continúa con lo que parece un eterno idilio con la saga STAR WARS. Ya finalizada con el ‘Episodio III’, que cerraba la mítica serie de seis películas, ahora parece querer trasladar el rico universo de ciencia ficción a la pequeña pantalla. La noticia fue publicada en una entrevista concedida por George Lucas al diario californiano Los Ángeles Times.

Por el momento no hay fechas para la cristalización del proyecto. Sin embargo, George Lucas ya cuenta con un proyecto avanzado sobre la futura serie de televisión. Su argumento principal, según afirmó el propio Lucas, será acerca de las vivencias de los robots. El proyecto se une a otra serie de animación ya anunciada hace algún tiempo, y cuyos efectos especiales y de animación prometen ser de los más punteros del momento.

Sympathy for Mr. Vengeance

2007-10-16T02:36:00.001-07:00

País: Corea del Sur
Año: 2002
Título internacional: Boksuneun naui geot
Guión: Jae-sun Lee, Mu-yeong Lee
Director: Chan-wook Park
Actores: Kang-ho Song, Ha-kyun Shin, Du-na Bae, Ji-Eun Lim, Bo-bae Han, Se-dong Kim, Dae-yeon Lee, Jae-yeong Jeong, Kan-hie Lee, Kwang-rok Oh, Seung-wan Ryoo, Seung-beom Ryu.

¡Que Sr. tan Simpático!
Por Master of Hate de http://southkoreateam.blogspot.com

Mi Simpatía por el Señor Venganza es cada vez mayor, otra obra maestra del señor Park Chan Wook, que fue la predecesora de la famosa Oldboy, aunque, claro esta, poco o nada tiene que envidiarle a esta última. Simpatía por Mr. Venganza maneja una historia muy original, que nuevamente toma como protagonista al antihéroe, y esta llena de giros importantes, poco previsibles.
La conclusión que uno podría sacar con respecto a la película es que quizás no pretende en ningún momento desvelar un culpable, pero por instinto tendemos a buscar uno, y es esto lo genial de la película, al parecer el asunto no seria nada flexible, todos son culpables o inocentes, tú eliges.

Ahora nuevamente esta la decisión de cobrar venganza o no, haciendo cualquier razonamiento insuficiente o incapaz de justificar las decisiones tomadas por los protagonistas. Podemos apelar a la compasión por un pobre diablo, al dolor de un padre de familia, el sufrimiento a la perdida del amor, sin lugar a duda la justicia no siempre es clara o evidente, incluso puede que el aplicarla resulte un infamia, pero así es como se manejan las cosas en Simpatía por Mr Venganza, y por esto es imprescindible ver y caer en este juego moral que nos pondrá contra la espada y la pared, ese es el cine de Park Chan Woo.
Nuevamente una película que indaga mucho en la naturaleza humana, en donde se aprecia como el hombre siempre estará sujeto a sus instintos, impulsos y emociones, que muchas veces se antepondrán a la razón o al sentido común. Complementan esta interesente trama una notable actuación, fotografía y ciertos toques de humor negro, agregando al resultado los elementos necesarios para no pasar desapercibida. Ciertamente tu simpatía por Park Chan Wook crecerá después de esto.

http://en.wikipedia.org/wiki/Sympathy_for_Mr._Vengeance

http://www.klownsasesinos.com/criticas/s/sympathymr.htm

SYMPATHY FOR LADY VENGEANCE (Chinjeolhan geumjassi)

2007-10-16T02:21:00.001-07:00

Dirección: Park Chan-wook.
País: Corea del Sur.
Año: 2005.
Duración: 112 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Lee Yeong-ae (Lee Geum-ja), Choi Min-sik (Sr. Baek), Tony Barry (padrastro), Oh Dal-soo (Sr. Chang), Anne Cordiner (madrastra), Go Su-hee (Ma-nyeo), Kim Hye-jeong (Woo So-young), Kim Byeong-ok (sacerdote), Kim Shi-hoo (Geun-shik), Kwon Yea-young (Jenny).
Guión: Jeong Seo-gyeong y Park Chan-wook.
Producción: Lee Chun-yeong, Lee Tae-hun y Cho Young-wuk.
Música: Cho Young-wuk.
Fotografía: Jeong Jeong-hun.
Montaje: Kim Jae-beom y Kim Sang-beom.
Diseño de producción: Jo Hwa-seong.
Vestuario: Jo Sang-gyeong.
Estreno en Corea del Sur: 29 Julio 2005.
Estreno en España: 10 Agosto 2007

CRÍTICA por Javier Quevedo Puchal

Se cierra la trilogía

Al ritmo que lleva, Park Chan-wook podría haber acabado convirtiéndose en el gran cronista de la venganza como eje temático del cine moderno. Desde la seminal e irregular "Sympathy for Mr. Vengeance" hasta la excepcional "Old boy", pasando incluso por "Cut", su aportación para aquel en general bastante estimulante experimento titulado "Three... extremes", lo cierto es que sus últimas obras hasta esta "Sympathy for Lady Vengeance" (la cual, por cierto, nos llega con dos años de retraso, evidenciando una vez más la estrechez de miras de nuestros distribuidores) han ahondado en los recovecos a veces laberínticos de ese elemento tan rico desde el punto de vista dramático como es la venganza. Sin embargo, la inédita "I'm a cyborg, but that's OK" parece confirmar un decidido cambio de rumbo, no demasiado aplaudido por algunos, en la filmografía del cineasta. Aun con todo, nos sigue quedando esa “trilogía de la venganza” que ahora por fin podemos completar con el estreno en nuestro país de "Sympathy for Lady Vengeance", una obra que se erige un poco en compendio de las dos anteriores, recogiendo lo mejor de ambas y llevándolo a un nuevo nivel, posiblemente más profundo e incisivo de lo que parece a simple vista.

Aunque el título pueda llevar a engaño, hay que aclarar que la cinta no es ninguna continuación argumental a aquel "Sympathy for Mr. Vengeance" con el que se inauguró la trilogía, si bien hay algunos elementos básicos en común, como el secuestro de un niño y, por descontado, la venganza como elemento a diseccionar. Sin embargo, esta tercera entrega se centra en la historia de Lee Geum-ja (Lee Yeong-ae), una hermosa joven de apariencia ingenua que es encarcelada por el secuestro y asesinato de un niño. Trece años después, convertida en una mujer renovada y ya cumplida su condena de forma aparentemente ejemplar, Geum-ja es puesta en libertad, momento desde el cual comenzará a poner en práctica el plan que ha estado diseñando durante su estancia en prisión para vengarse del señor Baek (Choi Min-sik), auténtico responsable del crimen por el que ella tuvo que pagar.

Quizás a estas alturas quepa preguntarse qué puede aportar el último Chan-wook a lo que no se hubiera contado ya con anterioridad en, por ejemplo, "Old boy", sin duda su gran obra maestra, si bien seguida muy de cerca por esta espléndida "Sympathy for Lady Vengeance". Y la respuesta estaría, sin duda, en el tratamiento temático, que aunque ciertamente en la primera no era para nada superficial, independientemente de sus tintes casi operísticos, justo es reconocer que alcanza en la película que nos ocupa unas cotas de incisión e ironía verdaderamente dolorosas, cargando las tintas en las escenas previas al “ajusticiamiento” con algunos planos y líneas de diálogo que, si bien resultan mucho menos sorpresivos, no desmerecen en nada al demoledor desenlace de "Old boy". Es sin duda alguna en esos momentos, en esa exposición sombría y casi insoportablemente verosímil del “ojo por ojo, diente por diente”, aun a pesar del off visual, y sobre todo en los inequívocos apuntes hacia el escepticismo en cuanto al hipotético efecto balsámico de la venganza, donde reside la auténtica riqueza de "Sympathy for Lady Vengeance". Pues, si bien el film rescata una vez más la proverbial pirotecnia visual de Chan-wook (algo que, en el presente caso, no siempre funciona, volviéndose demasiado juguetón por momentos), redondeada aquí por el magnífico trabajo fotográfico y una memorable banda sonora con predominio del clavicordio, casi podríamos afirmar que el espectacular envoltorio palidece frente al calado emocional de una historia cuajada de aristas (algunas de ellas no del todo necesarias, ciertamente), la densidad dramática y moral de los hechos y, naturalmente, el plantel de intérpretes, con especial mención a la actriz Lee Yeong-ae. Un broche de oro para una gran trilogía.

"Oldboy"

2007-10-16T02:14:00.001-07:00

Old Boy', compasión por la bestia

Chico Viejo

Redactar la crítica de una de esas películas que calificas como favoritas es siempre difícil. Y cuando digo favoritas, me refiero a las que componen una lista cerrada que abarca unos diez títulos, poco más. Por un lado, te expones bastante, hablas de una obra que es importante para ti, pero que para mucha gente puede resultar una completa pérdida de tiempo (o peor); por otro, corres el riesgo de dejarte aspectos importantes en el tintero, cuando no debería (no debería porque has visto la película tantas veces y has leído tanto sobre ella…). Sin embargo, como dicen algunos refranes de una u otra forma, me parece estúpido no hacerlo porque el resultado no vaya a ser (el que considero) perfecto. Así que me decido a publicar aquí mi crítica de una de las películas que más veces he visto, una de mis indiscutibles favoritas, una maravilla que, como es obvio, es el origen de mi nick. Hablo, evidentemente, de ‘Old Boy’, la segunda parte de la conocida como Trilogía de la Venganza, de Park Chan-Wook, junto a ‘Sympathy for Mr. Vengeance’ y ‘Sympathy for Lady Vengeance’.

‘Old Boy’ comienza de forma impactante: un hombre está a punto de caer al vacío desde lo alto de un edificio, pero otro le tiene sujeto por la corbata. Éste dice que se llama Oh Daesu y entonces vemos lo que le ha ocurrido. Daesu es secuestrado una noche y al despertar se encuentra en una pequeña habitación. Gracias a un televisor se entera de que es sospechoso de haber asesinado a su mujer. Desconcertado, cada día va enloqueciendo un poco más y sufre alucinaciones debido a la soledad. Van pasando los años y la rabia y la falta de respuestas hacen que jure vengarse de quien le ha destrozado la vida. Un día, Daesu se duerme con el gas con el que todas las noches lo drogan, pero esta vez no despierta en la habitación donde ha permanecido 15 años, sino en una azotea, frente al sitio donde fue secuestrado. Es la hora de una salvaje venganza.

Desde ese vibrante comienzo donde el protagonista sostiene a un personaje de la corbata para impedir que se suicide (y poder contarle su historia), ‘Old Boy’ te atrapa. Personalmente, valoro mucho los comienzos de las películas, quizá por eso un cineasta como Johnnie To me tiene ganado desde hace tiempo. Un buen principio te da muchas pistas de lo que verás a continuación, te predispone totalmente como espectador. Y no tiene que ser nada rompedor, pero si te has sentado para ver un thriller de acción y el comienzo es lento, dedicándose a mostrar pacientemente a los personajes, etc., es normal que la mente se dedique a revisar lo que tienes que hacer al día siguiente. La sutileza para narrar mucho en pocas imágenes o abrir de negro con un plano que dispone los elementos de forma original para contar algo, son también muy atractivos y el espectador (al menos yo) lo agradece. Park Chan-Wook muestra, de inicio, algo que rompe los esquemas en esta ‘Oldboy’, dejando al espectador aturdido y con deseos de saber más; te muestra los títulos de crédito para que te acomodes en la butaca durante unos segundos, acariciando tus sentidos auditivos con una suave melodía… para luego cegarte y mostrarte una imagen cuanto menos intrigante, ¿¿por qué un tío está a punto de caerse al vacío de no ser porque otro le está sujetando por la corbata?? Esta pregunta se verá contestada pronto, cuando el personaje principal le cuente la historia al tipo que está sosteniendo y, de paso, a nosotros, los espectadores. Finalizada la intensa presentación, Daesu, el “héroe” de la historia, se encaminará a cumplir su propósito, ése que ha nacido dentro de él durante 15 largos años, una terrible y sangrienta venganza.

‘Old Boy’ es, precisamente, el segundo de los tres títulos que componen la ‘Trilogía de la Venganza’ de Park Chan-Wook, junto a las mencionadas en el primer párrafo, ‘Sympathy for Mr. Vengeance’ y ‘Sympathy for Lady Vengeance’. De la venganza y del secuestro, podríamos añadir, aunque lo segundo es más bien el necesario macguffin. El título de esta crítica guarda relación con los de las otras de la trilogía, ya que ‘Old Boy’ no lleva el ‘Sympathy’, compasión, traducido al gusto de Chan-Wook. Una trilogía compuesta por tres cintas que no guardan relación argumental entre sí, pero donde sus protagonistas (¡y los que no lo son!) se mueven por ese deseo tan humano como trágico que el séptimo arte ha visto siempre con buenos ojos. La venganza en el cine es un recurso muy utilizado y que ha dado pie a grandes películas, porque permite una gran variedad de consecuencias dramáticas y un acercamiento casi automático del espectador hacia el personaje, al que comprende con un par de destellos (comprende, que no justifica). Con mostrar a un personaje cuya esposa ha sido asesinada y cuya meta es buscar al criminal y ajustarle cuentas, ya tienes al espectador identificado con el “vengador” y un punto de partida para una ración de celuloide. Chan-Wook muestra en ‘Mr. Vengeance’ a un hombre que pierde a su hija, accidentalmente (no era la intención de los torpes secuestradores), por lo que busca castigar a los culpables; en ‘Lady Vengeance’ le toca el turno a una mujer que decide asesinar al hombre que se aprovechó de ella y le destrozó la vida; y en ‘Oldboy’, el realizador nos pone en la piel de un hombre que se comporta, en más de una ocasión, como un animal, un ser irracional que funciona a través de estímulos y que no piensa lo que hace, su venganza, su objetivo, está en su mente porque es la respuesta que su organismo le obliga a cumplir. De hecho, el mismo Daesu se llega a proclamar como una bestia en un momento de la película; algo a lo que el espectador ya ha llegado mucho antes, desde un sentimiento de comprensión e, incluso, de identificación. La violencia se muestra así, en la película, como algo inherente al ser humano, que si no controlas, te puede llevar a la más absoluta destrucción, tanto externa como interna. Todos podemos ser esa bestia en la que se transforma Daesu.

Volviendo a la obra del director coreano, considero ‘Old Boy’ (también escrito junto, ‘Oldboy’) su película más lograda, más perfecta, habiendo visto casi toda su filmografía, salvo los dos primeros títulos, ‘Moon is the Sun´s dream’ (1992) y ‘Saminjo’ (1997), que, según tengo entendido, no guardan demasiada relación con el trabajo posterior de Park Chan-Wook (lo cual no es excusa para no verlos, desde luego). Por tanto, mi valoración está condicionada por el visionado de ‘Judgement’ (1999), estupendo cortometraje con un desenlace brillante, ‘JSA: Joint Security Area’ (2000), notable thriller militar (nuevamente, con un final fantástico, de esos que te hacen volver a ver la película), ‘Sympathy for Mr. Vengeance’ (2000), brutal tragicomedia que inicia el gusto del director por la tan recurrida venganza, su experimental (y soso) segmento ‘If you were me’ (2003), su (floja) aportación para ‘Three… Extremes’ (2004), titulada ‘Cut’, y ‘Sympathy for Lady Vengeance’. Chan-Wook alcanza con ‘Old Boy’ lo que, hasta el momento, es su plenitud como realizador, su techo; hecho que se constata al ver su siguiente largometraje, ‘Lady Vengeance’ (y a falta, por supuesto, de paladear su nueva obra, ‘I´m a cyborg but that´s ok’). En ella disfrutamos nuevamente de un estilo preciosista, perfeccionista, donde cada plano tiene sentido por sí mismo, en comunión con la escena a la que pertenece, con la secuencia en que se engloba ésta y con la película en su conjunto. El cineasta coreano consigue sumergirnos en un mundo fascinante donde él ejerce de un Dios caprichoso que maneja, entre divertida y sádicamente, el destino de sus personajes, almas atormentadas en busca de redención o de paz interior. Sin embargo, lo que en ‘Old Boy’ tiene sentido, en ‘Lady Vengeance’ es juego, lo que en la primera es riesgo y valentía, en la segunda es acomodo y repetición. Dicho esto, soy el primero en ver grandes momentos en ‘Lady Vengeance’, como la violenta puesta en común del sangiento deseo por ajusticiar al criminal o la secuencia en la que vemos cómo la protagonista repite (supuestamente) ante las cámaras lo que hizo con la niña; pero son islotes (extraordinarios) dentro de un film, en general, decepcionante. Decepcionante para los que lo esperábamos todo de Chan-Wook, por supuesto. Como digo, creo que su cima la alcanzó en 2003. Pero es una distancia al alcance de unos poquitos elegidos, más aún viendo el panorama actual, negrísimo.

Como decía antes, si algo destaca de ‘Old Boy’ es su estética, su inmejorable estética. La película goza de una apabullante fuerza visual que consigue arrastrar al espectador al mismo infierno/cielo que vive Daesu en todo momento, disfrutando de unas imágenes bellísimas (por mucho que la mayoría impliquen tragedia). Estamos ante una de esas cintas en las que independientemente de cuándo pulses “pausa”, te queda un fotograma digno de enmarcar. Y es que Chan-Wook exprime al máximo cada fotograma, resultando absolutamente delicioso para el espectador y, al menos en esta ocasión (a diferencia de lo que ocurre en ‘Cut’ y en ‘Lady Vengeance’), nada recargado, nada (llamativamente) artificial, al contrario, queda la sensación de estar presenciando algo perfecto (imposiblemente perfecto). A todo esto hay que añadir algo fundamental, y es una banda sonora increíble, de adquisición totalmente recomendable. No sólo forma parte inseparable de la historia, parte de ella, sino que acompaña y guía en todo momento, con sutileza, las sensaciones del espectador. El montaje también resulta clave en la película, siendo la película una especie de puzzle donde hasta que no pongas piezas importantes en su sitio, no vas a comprender el conjunto; igualmente, resultan llamativas secuencias donde se juega partiendo la pantalla, mostrando dos caras de la misma realidad. Recuerdo que una vez tuve que explicar en pocas palabras a una persona porqué tenía que ver, a mi juicio, ‘Oldboy’, y mi respuesta fue: es como si mezclas a David Fincher con Jean Pierre Jeunet, o, ‘El Club de la Lucha’ con ‘Amelie’. Guardando las debidas distancias, claro. ¿En tres palabras? Violenta tragicomedia preciosista.

Otro de los elementos de atracción irresistible de la película es que, a priori, tienes una historia simple, que daría para un montón de películas con múltiples tiros y patadas como base central, pero que, en este caso, va haciéndose cada vez más compleja, convirtiéndose en una estimulante telaraña de emociones que se llevan al límite, llegando a un final de infarto, uno de los mejores desenlaces de la Historia del Cine, sin ninguna duda. Si bien la película está basada en el manga de Nobuaki Minegishi, al parecer éste ni siquiera había terminado cuando el film ya estaba filmado, lo cual nos permite vislumbrar la poca fidelidad de la adaptación. Aparte del final, no son menos impactantes algunas escenas que ya forman parte de la memoria cinéfila/cinéfaga de todo aquel que ha dejado pasar ‘Old Boy’ por sus retinas, como cuando Daesu pide comida viva y se come un pulpo (o calamar, no soy experto en estos simpáticos bichejos), dejando que los tentáculos se retuerzan por su rostro; no menos espectacular resulta la secuencia de “la pelea en el pasillo” (como se la conoce habitualmente), un enfrentamiento brutal entre el protagonista y un grupo de (un tanto torpes) maleantes resuelto con un esplendoroso travelling que se mueve con soltura siguiendo a Daesu en su intento por tumbar a todo el que se ponga por delante.

No es justo terminar esta (extensa) crítica sin hacer mención a los actores principales, parte fundamental del éxito de la película. En primer lugar, tenemos a Choi Min-sik, que interpreta a Oh Daesu, el protagonista de la historia; su labor es impecable, se le ve totalmente entregado. Si tenéis la oportunidad de ver algún reportaje del rodaje, veréis el duro entrenamiento que acompañó el trabajo previo del actor para ponerse en la piel de Daesu, un personaje que necesitaba de una transformación física creíble para el desarrollo de la trama, algo que logra a la perfección el carismático Min-sik. Voy a soltar una obviedad, porque en este caso la veo muy necesaria: ¡ved la película en versión original subtitulada! Si la véis doblada al español, os encontraréis no sólo con que os perdéis matices valiosísimos que el actor coreano (él y los demás, por supuesto) aporta a su personaje, es que, para colmo, aquí se ha tenido la “excelente” idea de que el actor que le dobla al castellano sea el mismo que pone la voz a Homer Simpson, con lo cual… en fin, ahí queda el aviso. Frente a Min-sik, tenemos a Yoo Ji-tae, el rival, el cerebro detrás del secuestro del protagonista y de toda la genial operación con final insospechado (para Daesu y para el espectador). El actor está espléndido interpretando a Woo-jin, aportando una presencia difícil de calibrar, perfecta para un personaje diabólico. Woo-jin es malvado, divertido, brillante y esconde mucho más de lo que parece a primera vista; me cautivó desde su primera aparición (primero disimula, luego se descubre ante Daesu), y aún es la imagen que encabeza mi (abandonado) blog “personal”. Por último, destacar también a la preciosa Gang Hye-jung, en el papel de Mido, el objeto de deseo de Daesu tras su liberación, que, al igual que Woo-jin, guarda más de un inesperado secreto que se van desvelando conforme avanza el metraje. La actriz también borda su personaje y derrocha encanto en todo momento, haciendo creíble su estrecha y particular relación con el protagonista.

En definitiva, ‘Old Boy’ es una fascinante mezcla de violentas reacciones humanas y preciosa factura técnica, un thriller magistral que bebe de la tragedia griega para componer una retorcida historia de venganza y redención, abundante en momentos y secuencias inolvidables. Dirigida de forma impecable por un cineasta situado, desde este film, en el mapa de los realizadores más interesantes del panorama internacional actual. Una obra imprescindible que es posible que os provoque tanta admiración como odio (en este último caso, lo lamento y recomiendo la revisión). Sólo tiene un grave defecto: se acaba a los 120 minutos.

Escrito por Cinematic

Park Chan-Wook

2007-10-16T02:05:00.001-07:00

Chan-Wook Park director de cine coreano, nacido el 23 de agosto de 1963. Graduado del departamento de Filosofía de la Universidad de Sogang [1], inició su carrera cinematográfica como ayudante del director Jae-young Gwak en la película A Sketch of a Rainy Day (1988). En 1992 escribió y dirigió su primera película Moon is the Sun's Dream, seguida de Saminjo (Trío) en 1997 y Simpan (Judgment) en 1999. Ninguna de estas películas tuvieron mucho éxito comercial o de crítica, hasta que estrenó Gongdong gyeongbi guyeok JSA (Joint Security Area) en 2000. JSA es una de la películas más taquilleras de la historia de Corea del Sur y su éxito catapultó a Park rápidamente al estrellato. Luego inició la "trilogía de la venganza", con Boksuneun naui geot (Sympathy for Mr. Vengueance) en 2002, seguido con la maravillosa Oldboy de 2003, ganadora del gran premio del jurado del Festival de Cannes de 2004. La trilogía termina con Chinjeolhan geumjassi (Sympathy for Lady Vengueance) de 2005.

Bakjwi (2007) (pre-production)
... aka Evil Live (International: English title)

Saibogujiman kwenchana (2006)
... aka I'm a Cyborg, But That's OK (International: English title) (USA)

Chinjeolhan geumjassi (2005)
... aka Kind-Hearted Ms. Geum-Ja (literal English title)
... aka Lady Vengeance (USA)
... aka My Lady Vengeance (Hong Kong: English title: DVD box title)
... aka Shed Tears for Lady Vengeance (Philippines: English title: DVD title)
... aka Sympathy for Lady Vengeance (UK: DVD box title)

Saam gaang yi (2004) (segment "Cut")
... aka Three, Monster (South Korea)
... aka Three... Extremes (International: English title)

Oldboy (2003)

Yeoseot gae ui siseon (2003)
... aka If You Were Me (International: English title)

Boksuneun naui geot (2002)
... aka Sympathy for Mr. Vengeance (International: English title)

Gongdong gyeongbi guyeok JSA (2000)
... aka J.S.A.: Joint Security Area (USA)
... aka JSA: Joint Security Area (UK)
... aka Joint Security Area (International: English title)

Simpan (1999)
... aka Judgement (International: English title)

Saminjo (1997)

Moon Is the Sun's Dream (1992)

El orfanato

2007-10-15T01:59:00.000-07:00

carátula: www.elseptimoarte.net

Sinopsis

Laura regresa con su familia al orfanato donde creció con la intención de abrir una residencia para niños discapacitados. El pequeño Simón, hijo de Laura, comienza a dejarse llevar por unos extraños juegos que generan en su madre gran inquietud, ya que dejarán de ser una mera diversión para convertirse en una amenaza. Una serie de inesperados acontecimientos obligarán a Laura a bucear en el dramático pasado de la casa que de niña fue su hogar.

Comentario

Seleccionada por la Academia de Cine en España para representar al país en los Oscar, El orfanato se ha convertido en un fenómeno del boca-oreja antes incluso de estrenarse, gracias también a su acogida en festivales internacionales como Cannes o Toronto. El proyecto surgió del guionista Sergio G. Sánchez y evolucionó en forma de cortometraje (Sé que estás ahí). La adaptación a largo estuve en el limbo un tiempo hasta ser seleccionado por el Sundance Institute, lo cual permitió el contacto entre Sánchez y J.A. Bayona, director final de la película, quien apostó por una renovación total de la historia original. Con Belén Rueda de protagonista y Guillermo del Toro en la producción, la cita se erige como cine de terror con toques de melodrama donde se parte de la cotidianeidad y el entorno de una familia ideal para devenir en locura. “Sin querer me ha salido una película de terror como las que a mí me entusiasmaba ver de pequeño. Películas como Poltergeist, La Profecía o La Semilla del diablo con las que destrocé los cabezales del primer VHS que entró en casa”, apunta el guionista.

Curiosidades

Antes de estrenado en salas, la película ya se ha asegurado un estreno en Estados Unidos para diciembre e incluso un remake de la mano de New Line Cinema.

Enlaces

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