Soy leyenda

Título Soy leyenda

Título original  I Am Legend

Direccción Francis Lawrence

Intérpretes Will Smith - Salli Richardson - Alice Braga - Thomas J. Pilutik

Año 2007
GuiónMark Protosevich, Akiva Goldsman

Robert Neville es un científico que es extrañamente inmune al virus que ha convertido al resto de la humanidad en unas bestias sedientas de sangre. Precisamente su sangre podría ser la clave para salvar a las personas infectadas así que intentará a toda costa protegerla para crear una vacuna. No será fácil seguir con vida. Neville lleva tres largos años deambulando por las calles vacías de Nueva York. Busca comida de día y se refugia de noche, siempre solo y aterrado, huyendo a duras penas de los vampiros que salen cuando cae el sol en busca de sangre.

Comentario

Will Smith ya es leyenda. Es el actor más poderoso de Hollywood según la revista Newsweek, muy por delante de Tom Cruise o Tom Hanks, ganadores de otros años y seguido de Johnny Depp y Ben Stiller. Su última apuesta es Soy leyenda, una revisión y actualización de The Last Man on Earth de 1967 que a su vez se basaba en un clásico de la ciencia ficción escrito por Richard Matheson. El proyecto ha recaído en manos del director Francis Lawrence (Constantine) y junto a Smith podremos ver a Alice Braga, una incipiente estrella brasileña, y Salli Richardson, actriz sobre todo de televisión, como la esposa de Neville. Los derechos de la novela de Richard Matheson están en poder de Warner Bros. desde hace más de 30 años pero ha estado dando tumbos hasta estos momentos; de hecho en principio era Arnold Schwarzenegger quien iba a protagonizarla allá por los 90 de la mano de Ridley Scott (Gladiador), pero problemas con el presupuesto (que se disparaba) dieron al traste con el proyecto. Finalmente Francis Lawrence se ha llevado el gato al agua y a la mayor estrella masculina del momento.

Curiosidades

Will Smith propuso el nombre del mexicano Guillermo del Toro como director de la película, sin embargo el realizador declinó amablemente la oferta.

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Irina Palm

 

Título Irina Palm
Título original Irina Palm

Direccción Sam Garbarski

Intérpretes -Marianne Faithfull - Miki Manojlovic - Kevin Bishop
Siobhan Hewlett

Año2007
Guión Philippe Blasband, Sam Garbarski

A través del agujero

Por Carlos Leal

La historia de Irina Palm gira en torno a un agujero: un gloryhole situado en un sex shop londinense en el que los clientes introducen sus miembros para recibir servicios sexuales en el más absoluto anonimato. Los clientes pagan, la meten, se corren y se van; el director Sam Garbarski no. Sam Garbarski introduce su cámara a través del agujero para narrar la improbable historia de Maggie, una viuda inglesa entrada en los cincuenta que se ve obligada a recurrir a la prostitución para costear los gastos médicos de su nieto, que debe ser sometido a una costosa operación en Australia.

Cuando se parte de una premisa tan extrema, uno se arriesga a descarrilar a cada paso: el sensacionalismo, los excesos melodramáticos, los tópicos sociales de izquierda biempensante y el más absoluto ridículo bordean en todo momento el desarrollo del filme. La soltura con la que casi siempre consigue esquivar cada uno de estos peligros es lo que demuestra que Irina Palm es una película inteligente y merecedora de un análisis reposado.

En realidad, lo que hace que el filme funcione es su tremenda capacidad de reinventarse a cada rato. La presentación nos remite al cine social europeo más rancio: los padres de un niño que sufre una extraña dolencia cardíaca deben resignarse a dejarlo morir porque no tienen dinero para viajar con él a Australia, donde se aplica una técnica médica experimental que podría salvarle la vida. De ahí pasamos a un drama moral a la Von Trier: la abuela del chico, Maggie, puesta en una situación extrema debe ignorar sus principios y colocarse de "azafata" en un club de alterme cerca de Oxford Street, al otro lado de un gloryhole. Esta parte del filme se agota pronto, y deja paso –y este es el giro más hábil de toda la película– a una subtrama clásica de superación: la viuda que estaba ya de vuelta de todo encuentra en la masturbación una habilidad oculta; bajo el seudónimo de Irina Palm, sus habilidades manuales se hacen famosas en todo Londres, los clientes hacen cola frente a su cabina e incluso recibe sustanciosas ofertas de otros clubs de la zona. El tono grave y sombrío del comienzo ha quedado atrás: casi sin darnos cuenta hemos pasado del drama a la comedia, del cine de autor al cine de género.

Aún le quedan dos vueltas a esta historia: un melodrama familiar algo torpe, en el que su hijo debe enfrentarse a sus prejuicios cuando descubre la manera en que Maggie ha podido pagar la operación del chico, y un último y previsible giro hacia la comedia romántica. No importa, Sam Garbarski maneja los tonos con tanta habilidad que las transiciones entre las distintas fases de la película se vuelven casi imperceptibles.

Por último, no conviene olvidar la contribución al éxito de la empresa de su pareja protagonista, Marianne Faithfull y Miki Manojlovic, que recibieron sendas nominaciones a los Premios del Cine Europeo por sus papeles. La Faithfull hace una meritoria composición de su papel de ingenua viuda inglesa, mientras que Manojlovic –un, habitual del cine de Kusturica– logra llenar de vida un papel difícil y no del todo bien trazado.

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El arca de Noé

Sinopsis

No todo marcha bien en el descomunal barco construido por el anciano Noé a petición de Dios para salvar a las especies de la tierra. El pasaje de tan peculiar crucero esta formado por miles de animales invitados por Noé para cumplir con el mandato divino. La convivencia a bordo, algo problemática, convertirá la travesía en una loca aventura llena de humor e ironía.

Comentario

Aprovechando que los escolares se encuentran de vacaciones, desembarcan (nunca mejor dicho en este caso) un sinfín de producciones destinadas en exclusiva a los más pequeños de la casa. Una de ellas es El arca de Noé, una coproducción argentino-italiana de animación que espera llevarse al menos parte del pastel infantil navideño.

La cinta está dirigida por Juan Pablo Buscarini, responsable de títulos como Pérez, el ratoncito de tus sueños o la ambiciosa Condor Crux. La película ha sido doblada por actores españoles, destacando la presencia del recién retirado Alfredo Landa (Luz de domingo), que da voz al mismísimo Dios, y del humoristo Florentino Fernández (Isi/Dis: Alto voltaje). Completan el reparto Natalia Rodríguez (Pudor) y Mabel Escaño (Un momento estelar)

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La brujula dorada

TITULO ORIGINAL
The Golden Compass

AÑO 2007

DURACIÓN 110 min.

PAÍS EEUU

DIRECTOR Chris Weitz

GUIÓN Chris Weitz, Tom Stoppard (Novela: Phillip Pullman)

MÚSICA Alexandre Desplat

FOTOGRAFÍA Henry Braham

REPARTO Dakota Blue Richards, Nicole Kidman, Daniel Craig, Sam Elliott, Eva Green, Tom Courtenay, Simon McBurney, Jim Carter, Ben Walker, Charlie Rowe, Clare Higgins

PRODUCTORA
New Line Cinema / Ingenious Film Partners

WEB OFICIAL
http://www.goldencompassmovie.com/

 

EFECTOS COLATERALES EN UNA NOTABLE FANTASÍA ÉPICA
Así es, este primer libro de la trilogía del inglés Philip Pullman (le siguen La Daga y El Catalejo Dorado) titulado “La brújula dorada” tiene efectos colaterales dado que hay un revisionismo polémico, para algunos, sobre la actuación de la Iglesia Católica en lo que lleva de historia. En principio, organismos católicos norteamericanos han reaccionado con virulencia desde antes del inicio de la filmación. Antes que nada, queremos decir que Philip Pullman, de 61 años, escribió parte de lo que llama “La república del cielo”, en franca oposición a los postulados dogmáticos de todas las religiones. Y tomó el término de “la materia oscura” (ésa que no podemos desentrañar fácilmente) de un verso de John Milton, autor de El Paraíso Perdido, libro amado por nuestro Jorge Luis Borges.

La arquitectura literaria de Pullman no es simple: tiene varios aspectos como el de la narración en sí (la vida de la jovencita Lyra y su amigo Wills), la ética (la disyuntiva entre el bien y el mal), el simbolismo (ese Magisterio que lo rige todo al estilo de Gran Hermano o la novela 1984, en todo caso, que puede ser desde la Inquisición hasta un partido político como el Comunista) y el lado apocalíptico o sea la lucha feroz entre el bien y el mal.

Para transformar la aventura de Lyra, el eje de la historia, niña de 12 años que se deja seducir por mundos nuevos propuestos por la señora Coulter (una sofisticada serpiente femenina a cargo de Nicole Kidman), Pullman apeló a toda la fantasía sajona que disponía a su alcance, y, en especial, transformó a los dulces osos de Disney en feroces guardianes. Hay tres locaciones donde se desarrollan las historias: la Londres de los 30, el Polo Norte, y ese territorio paralelo que bien puede ser el del “cielo” propuesto por la Iglesia Católica.
Cada persona tiene su alma corporizada en un animal (ángel de la guarda o demonio???), esa “vocecita” del alma que llamamos o intuición o bien le damos un matiz religioso. Aquí Pullman la puso en la picota.

El argumento gira, entonces, en torno a Lyra (una suerte de “Eva” para la mitología creada por Pullman) y la desaparición de niños de una renombrada escuela londinense. Al parecer, la encantadora señora Coulter se las ingenia para llevárselos a ese extraño lugar del Polo Norte donde se les “lava” la cabeza. En el film, este aspecto tiene otras denominaciones, como así también en el primer libro de Pullman. Demasiado dramático para los chicos muy pequeños. Allí Lyra deberá luchar entre sus deseos de conocer libremente el mundo (por supuesto, es huérfana y ha estado al cuidado de un tío poco generoso, compuesto por Daniel Craig que rápidamente desaparece de escena) y es donde también se plantea un tema ético, ninguna novedad de Pullman porque ya lo trató el eminente filósofo alemán Kant: ser buenos o malos por propia decisión y no por temor a un Dios o a un aparato político religioso. Otro tema polémico si los hay!!!! No carente de verdad (y no soy atea).
La “brújula dorada” ayudará a Lyra a guiarse. Esa brújula es “algo más” y, sin duda, contiene un elemento “oscuro”, desconocido, porque es capaz de leer lo que puede suceder. El nombre de este aparatito es “aletiómetro”.

Hasta aquí, un intento de sustraer el hilo narrativo del film, complejo, que ha tomado casi todo del primer libro de Philip Pullman, con excepción de los tres últimos capítulos a fin de que puedan insertarse en la siguiente producción.
Nuestra opinión es que se trata de una película con formato infantil pero que no tiene nada de infantil. En realidad, es un film para adultos, o jóvenes con buena formación intelectual. Ciertamente, los niños no van a aprehender la simbología de Pullman, pero es subliminal. Ojo con esto. Los adultos deberán hacer el esfuerzo de ver un cuento seudoinfantil donde se les ofrecerá una filosofía personal, cuestionable o aceptable. Sin duda, estará al tope de la taquilla semanal porque tiene efectos especiales notables, de gran factura. Este tipo de películas, en lo personal, ya casi no nos atrae. La “deificación” de extraños seres nos resulta cansadora. Está muy lejos de convertirse en “El señor de los anillos”-la saga y lejos también de la muy infantil “Harry Potter” y todas sus secuelas. Pero está y es un título atractivo para los chicos, esto lo decimos con reservas. Es un film para pensar, algo así como conocer el pensamiento filosófico de Kant (mucho, no?) a través de dibujitos animados.

(via actoresonline.com)

 

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"El custodio"

Rubén trabaja como guardaespaldas de un Ministro argentino.

· Año: 2006

· Director: Rodrigo Moreno

· Guión: Rodrigo Moreno

· País: Argentina

· Género: Drama

El director argentino Rodrigo Moreno plantea en su película ´El custodio´ una reflexión sobre la "labor ciega de servicio" del guardaespaldas, según dijo el realizador.

 

El director argentino Rodrigo Moreno plantea en su película ´El custodio´ una reflexión sobre la "labor ciega de servicio" del guardaespaldas, según dijo el realizador.

El largometraje está protagonizado por Julio Chávez y ha obtenido premios en los festivales de Berlín, Sundance, Ceará y Guadalajara, entre otros.

Moreno no pretende que el filme "guste ni convenza". "Cuando hago una película no pienso en valor comercial, sino en expresar algo que yo quiero, mi trabajo es radical y yo también lo soy", afirmó. La trama habla de un trabajo que consiste en reemplazar la vida de uno por la de otro, de la presión que esto implica y de cómo esta tensión finalmente estalla.

La figura del guardaespaldas "siempre es vista como la sombra de alguien", por lo que el director se planteó "invertir ese punto de vista". El origen de la historia es una situación real que Moreno contempló en la calle. Al realizador le llamó la atención "los movimientos protocolarios entre un ministro y su guardaespaldas", similares a los de "una puesta en escena".

La paradoja centra el argumento a través de los protagonistas: "Se trata de un ministro al que nadie quiere matar y de su custodio, el mejor soldado posible de un ejército que no pelea". Moreno confía "plenamente" en el relato para "inquietar al espectador", ya que presenta un tipo de historia en la que "el peligro siempre está presente".

El director cree que su película "sería muy diferente si transcurriera en el País Vasco, Israel o Colombia", lugares en los que el fenómeno de los guardaespaldas "si tiene sentido". Respecto al cine argentino, Moreno considera que "en los últimos diez años ha vivido una regeneración" que permite la presencia de "mucho cine de autor".

El actor Julio Chávez interpreta a Rubén, el custodio del ministro. "Alguien que nadie va a mirar se convierte de repente en protagonista de este cuento, lo que es esta película en realidad", comentó sobre su personaje. La "personalidad psicótica" del guardaespaldas le lleva a "confundir su rol con su propia persona". ´El custodio´ se estrena en los cines españoles el próximo 14 de diciembre.

(vía hoyCinema)

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MR. BROOKS

Dirección: Bruce A. Evans.

País: USA.

Año: 2007.

Duración: 120 min.

Género: Thriller.

Interpretación: Kevin Costner (Mr. Brooks), Demi Moore (Tracy Atwood), William Hurt (Marshall), Dane Cook (Smith), Marg Helgenberger (Emma Brooks), Ruben Santiago-Hudson (Hawkins), Danielle Panabaker (Jane Brooks), Aisha Hinds (Nancy Hart), Lindsay Crouse (Lister), Jason Lewis (Jesse Vialo), Matt Schulze (Thorton Meeks).

Guión: Bruce A. Evans y Raynold Gideon.

Producción: Kevin Costner, Jim Wilson y Raynold Gideon.

Música: Ramin Djawadi.

Fotografía: John Lindley.

Montaje: Miklos Wright.

Diseño de producción: Jeffrey Beecroft.

Vestuario: Judianna Makovsky.

Estreno en USA: 1 Junio 2007.

Estreno en España: 5 Diciembre 2007.

 

Mr. Brooks es un hombre torturado incapaz de controlar sus emociones. Tiene una mitad diabólica, un álter ego amante del asesinato y el caos. La detective Atwood es una experimentada investigadora cuya devoción por su trabajo capta la atención y la admiración del asesino que esconde Mr. Brooks.

 

CRÍTICA por José Arce

Kevin Costner lleva ya bastante tiempo vagando en un limbo profesional del que no parece que vaya a salir, al menos a corto plazo. De trabajar con un puñado de grandes directores y protagonizar no pocas producciones estimables ha pasado a ser una estrella oscilante, que de vez en cuando despunta con alguna participación estimable pero que no acaba de convencer a nadie. "Open range" (2003) fue su última gran aportación al séptimo arte, mientras que la olvidable "The guardian" (2006) supuso un postrero paso más en su dudosa trayectoria de los últimos años. Ahora regresa enfrascado también en las labores de producción de este mediocre thriller bipolar, acompañado de Demi Moore, decadente astro que vive del recuerdo de tiempos mejores.

Earl Brooks (Costner) tiene todo lo que un hombre de mediana edad puede desear. Ha triunfado en el mundo de los negocios, tiene una hermosa mujer que le quiere (Marg Helgenberger), y una hija un tanto díscola (Danielle Panabaker) que le adora. Pero también tiene una adicción: matar. Sus impulsos sicóticos vienen dictados por su lado oscuro, a quien percibe como un ente físico y real, hasta el punto de que tiene su propio nombre, Marshall (William Hurt), y de cuya mano sacia sus necesidades homicidas, que le alivian sobremanera. No asesina por placer —de hecho es frío y mecánico en sus ejecuciones, y goza más contemplando las fotografías de sus crímenes que del propio hecho en sí—, sino porque está enfermo, lo necesita. Lleva dos años limpio, acudiendo a reuniones de adictos anónimos para desahogarse. Pero Marshall le convence de que satisfaga su hambre una última vez… “Mr. Brooks” tiene un arranque ejemplar, una presentación del personaje central que le viene a las mil maravillas a un Costner ya entrado en la madurez, a quien su atractivo natural le ayuda a meterse en la piel del triunfador que da título al film. Acompañarle durante el primer asesinato es escalofriante por la naturalidad con la que el actor se hace con su rol, anticipando una trama emocionante y tensa, pero, por desgracia, la narración empieza a tambalearse cuando Thorton Meeks (Matt Schulze) entra en escena. Y lo hace a los diez minutos de proyección.

  La película da la impresión de querer contarnos un montón de cosas en un metraje de dos horas. Los acontecimientos se suceden sin parar, y el trabajo realizado para presentarnos al protagonista se diluye ante el aluvión de secundarios que surgen por doquier, cada uno de ellos con una historia propia aún más esquizofrénica que la del torturado eje de la trama. Así, Demi Moore (la obstinada Tracy Atwood) tiene su propio asesino en serie que la atormenta sin cesar, a lo que hay que unir su duro pasado, su divorcio presente y sus roces con el resto de compañeros del cuerpo de policía; la hija de Brooks está en plena crisis adolescente, abandona los estudios y quiere la empresa, por no hablar de que es posible que esté heredando la “enfermedad” de su padre —¿a quién se le ocurrió esa idea?—; Marg Helgenberger es una esposa querida pero ninguneada, paseando sin demasiada determinación por un torbellino argumental que parece quedarle grande; y Meeks está tan loco o más que el objetivo de su chantaje, un cobarde vicioso que convierte la herramienta de la probabilidad en propia víctima casual de lo que acontece… En definitiva, demasiadas circunstancias, situaciones y relaciones para asimilarlas en un visionado corriente, transformando en pulpa la veracidad de lo que sucede ante nosotros.

Lo mejor de todo es la relación entre Brooks y su reverso tenebroso, un divertido y solvente William Hurt que ayuda a Costner a sacar lo mejor de sí mismo, crecido ante un actor de talla gigantesca. Además, el protagonista no tiene ningún problema a la hora de integrar la faceta oscura en su actuación, logrando, con natural facilidad, pasar de una presencia a otra ante una platea capaz de creerse lo que el intérprete le ofrece. Pero ante lo apabullante del guión, preñado de narraciones paralelas que se acaban superponiendo entre sí, el conjunto se viene abajo en buena medida, máxime en la parte final en la que tratan de vendernos todo como una treta guiñolesca, que convierte al psicópata en una figura omnipresente que cierra la función con un homenaje —involuntario, a buen seguro— a los mágicos momentos que en la distancia comparten Hannibal Lecter y Clarice Starling. Otra vez será, Kevin.

 

(via labutaca.net)

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Persépolis (Animación)

Direccción: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud

Intérpretes: Animación  Año: 2007

Cine animado y con conciencia

Por Penélope Coronado

Precedida por el éxito obtenido por el cómic del mismo título, la película Persépolis –Premio del Jurado del Festival de Cannes y filme seleccionado por la Francia para los Oscar– adapta al celuloide la obra gráfica y autobiográfica de Marjane Satrapi.

Siguiendo la senda contestataria y crítica de Mafalda –el personaje de Satrapi también habla con Dios, en ocasiones con un singular parecido a Karl Marx–, la protagonista del filme narra su punto de vista respecto de la historia reciente de Irán, desde que en 1979 se acaba con más de cincuenta años de reinado del Sha de Persia y se da paso al régimen de los Ayatolahs.

La realidad histórica de este país se convierte en trasfondo en el que transcurren los acontecimientos en la vida de Marjane, una niña educada a la manera occidental para la cual las atrocidades sociales, la desigualdad de las mujeres, las purgas y la censura llevada al absurdo (quizás lo más hilarante del filme sea ese mercado negro con discos de ABBA y Iron Maiden) son intolerables; de ahí el tono de constante perplejidad que tiene la película, el asombro de una niña que mira y transmite lo visto desde su punto de vista infantil. El blanco y negro, los contornos de la imagen gráfica que parece como serigrafiada, contribuyen también a crear este tono naíf.

La insostenibilidad de esta situación –constante falta de libertad, imposibilidad de disentir– obligará a la Marjane ya adolescente a marcharse de su país natal. Se inicia entonces su aventura austriaca, su contacto desigual con la sociedad europea –el filme condensa así varios de los volúmenes del cómic–; desde entonces la protagonista no podrá remediar sentirse exiliada, incluso cuando regrese a su país.

(cinestrenos.com)