CHE: EL ARGENTINO (The Argentine)

(labutaca.net)
Dirección: Steven Soderbergh.
Países: USA, Francia y España.
Año: 2008.
Duración: 131 min.
Género: Drama.
Interpretación: Benicio del Toro (Che), Demián Bichir (Fidel Castro), Santiago Cabrera (Camilo Cienfuegos), Elvira Mínguez (Celia Sánchez), Julia Ormond, Jorge Perugorría (Joaquín), Edgar Ramírez (Ciro Redondo), Victor Rasuk (Rogelio Acevedo), Armando Riesco (Benigno), Catalina Sandino Moreno (Aleida Guevara), Rodrigo Santoro (Raúl Castro), Unax Ugalde (Pequeño Cowboy), Yul Vázquez (Alejandro Ramírez).
Guión: Peter Buchman; inspirado en "Pasajes de la guerra revolucionaria" de Ernesto "Che" Guevara.
Producción: Laura Bickford y Benicio del Toro.
Música: Alberto Iglesias.
Fotografía: Peter Andrews.
Montaje: Pablo Zumárraga.
Diseño de producción: Antxón Gómez.
Vestuario: Bina Daigeler.
Estreno en España: 5 Septiembre 2008.

En 1952, el general Fulgencio Batista orquestó un golpe de estado en Cuba, tomó el control del gobierno del país y suspendió las elecciones. Su corrupta dictadura estaba respaldada por un ejército de 40.000 hombres, pero un joven abogado llamado Fidel Castro intentó incitar a la rebelión popular asaltando el cuartel Moncada el 26 de julio de 1953. El ataque no tuvo éxito y Castro pasó dos años en la cárcel antes de ir al exilio en México. Entre tanto, un joven idealista argentino llamado Ernesto Guevara se había involucrado en la actividad política de Guatemala. En 1954, cuando el gobierno legítimo de Jacobo Álvarez fue depuesto por una operación militar organizada por la CIA, Guevara escapó a México. Un conocido de Guatemala le puso en contacto con un grupo de revolucionarios cubanos en el exilio. El 13 de julio de 1955 tuvo lugar un evento silencioso pero con grandes repercusiones en la historia de la Revolución Cubana. En un humilde apartamento de la ciudad de México, se conocieron Ernesto Guevara y Fidel Castro, presentados por Raúl Castro, el hermano pequeño de Fidel. Guevara se alistó inmediatamente en una misión de guerrilla destinada a derrocar al dictador cubano. Los cubanos apodaron al joven rebelde "Che", una conocida expresión argentina. El 26 de noviembre de 1956, Fidel Castro navegó a Cuba con ochenta rebeldes, de los que sólo sobrevivieron doce. Uno de ellos era el Che, que se había unido al grupo como médico acompañante. El Che se familiarizó rápidamente con el arte de la guerra de guerrillas y demostró ser un combatiente indispensable. Se lanzó de lleno al conflicto y recibió el apoyo de sus camaradas y del pueblo cubano. La película termina en los albores del Año Nuevo de 1959, con el Che celebrando la victoria revolucionaria en Santa Clara. Los rebeldes habían derrocado a Batista.



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La conjura de El Escorial

(Via estrenos.es) La Conjura de El Escorial es un trepidante thriller histórico con intrigas políticas y policíacas, encuadrado en las luchas y disputas entre la Casa de Alba y sus fieles por un lado y la Casa de los Mendoza con Antonio Pérez y la Princesa de Éboli por otro.

• Titulo La conjura de El Escorial
• Género Drama
• Año 2008
• País Alemania-España-Portugal
• Guión Manuel Mir, Juan Antonio Porto, Antonio Del Real, Marta Rivera De La Cruz
• Director Antonio Del Real
• Intérpretes
  Julia Ormond, Jordi Mollà, Joaquim De Almeida, Jason Isaacs, Juanjo Puigcorbé, Rosana Pastor, Concha Cuetos, José Conde

La Conjura de El Escorial es un trepidante thriller histórico con intrigas políticas y policíacas, encuadrado en las luchas y disputas entre la Casa de Alba y sus fieles por un lado y la Casa de los Mendoza con Antonio Pérez y la Princesa de Éboli por otro.La noche del lunes de Pascua de 1578, unos asesinos a sueldo emboscan a Juan de Escobedo, dándole muerte. La Conjura de El Escorial es una película histórica basada en hechos reales, donde el poder y la muerte conspiran en la Corte de Felipe II.

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Ben Stiller, un actor en guerra en Tropic Thunder

Jack Black, Robert Downey Jr. y Nick Nolte completan el reparto de esta comedia sobre un grupo de actores obligados a convertirse en soldados

Carlos Leal

Tras debutar en la dirección con el drama generacional Bocados de realidad, la carrera tras la cámara de Ben Stiller ha sido errática. Siete años después de la disparatada Zoolander, Stiller regresa a la dirección con una alocada parodia del cine bélico, titulada Tropic Thunder.

El argumento del filme es cuanto menos pintoresco: cinco actores viajan a Vietnam para preparar sus papeles en una superproducción bélica que va a rodarse próximamente. Aislados en medio de la selva, las estrellas deben recurrir a lo que aprendieron cuando eran boy-scouts para sobrevivir. Para colmo de males, pensando que forma parte de su entrenamiento se ven envueltos en un conflicto bélico real con una guerrilla local.

Cada uno de los protagonistas interpreta a un estereotipo de Hollywood, desde la estrella del cine de acción tipo Sylvester Stallone al rapero reconvertido en actor, pasando por un secundario cómico con una afición desmedida por los disfraces. Además de Ben Stiller, destacan en el reparto actores popuulares como Jack Black, Robert Downey Jr., Matthew McConaughey, Tobey Maguire y Nick Nolte.

Con todo, las mayores expectativas hasta el momento las ha levantado Tom Cruise con un pequeño cameo, en el que aparece gordo y completamente calvo. Las imágenes de Cruise en el rodaje se han filtrado a Internet para enfado del director Ben Stiller, que confiaba en mantener el cameo oculto para sorprender a los espectadores.

El estreno de Tropic Thunder está previsto para el 26 de septiembre en España.

refiere : cinestrenos.com

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Regreso A Normandía Retour en Normandie (2007) / Nicolas Philibert

Regreso A Normandía - Retour en Normandie
(2007) / Nicolas Philibert
Nacionalidad: Francia
[documental] documental, color / 113 minutos / Documental
Anne Borel, Claude Hébert, Nicole Picard
Produce: Les Films d'Ici, Maïa Films

En 1975, Nicolas Philibert, un joven ayudante de dirección, participó en la excepcional aventura que supuso la película de René Allio Yo, Pierre Rivière, habiendo matado a mi madre, mi hermana y mi hermano…, inspirada en un crimen que tuvo lugar en Normandía hace 140 años.

Esta película debía su singularidad y belleza al hecho de que los miembros del equipo artístico eran los propios granjeros de la región. Treinta años después de rodar aquella película, Nicolas Philibert decide reencontrarse con los actores.

Algunos ya no viven y otros han emigrado pero en un absoluto proceso de investigación, Nicolas Philibert intenta recuperarlos para que nos hablen sobre su vida y nos cuenten cómo les ha afectado su participación en aquella película.

Via www.cinefilo.es

 

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Cerrando el círculo

El ataque japonés a Pearl Harbor hace que los chicos de Branagan sean llamados a filas, pero antes, los dos enamorados se casan en secreto. Teddy parte a la guerra con el anillo de Ethel, la promesa de amor eterno de ésta y un pacto con Chuck para que se haga cargo de su mujer si no regresa.

Basada en hechos reales, "Cerrando el círculo" es una historia de un romance a lo largo del tiempo que habla del amor, la pérdida, el encierro y la reconciliación. Su director es el mítico Richard Attenborough, responsable de títulos tan conocidos como "Gandhi" (por la que recibió el Oscar), "Chaplin" y la más reciente "En el amor y en la guerra", donde ya anticipaba algunos de los temas de esta película. "Cerrando el círculo" se podría definir como un drama esperanzador, donde existe un camino para encontrar la felicidad cuando todo parece perdido.

El reparto cuenta con estrellas cinematográficas de la talla de Shirley MacLaine. La oscarizada actriz de "La fuerza del cariño", sigue en la actualidad cinematográfica con papeles que le vienen al pelo, como el de "En sus zapatos". Le acompañan Christopher Plummer (Una mente maravillosa, La casa del lago) y la televisiva Mischa Barton, a la que conocemos de la serie "The O.C.". Como secundarios de lujo, Pete Postlethwaite (El jardinero fiel), Brenda Fricker (El prado) y Neve Campbell, a la que hace poco vimos en "Una familia casi perfecta".

Intérpretes
Shirley MacLaine, Christopher Plummer, Mischa Barton, Pete Postlethwaite, Brenda Fricker, Neve Campbell, Gregory Smith, David Alpay

Astérix en los Juegos Olímpicos

AÑO 2008
DURACIÓN 116 min.
PAÍS Francia
DIRECTOR Thomas Langmann, Frédéric Forestier
GUIÓN Alexandre Charlot, Olivier Dazat, Thomas Langmann, Franck Magnier (Cómic: René Goscinny, Albert Uderzo)
MÚSICA Frédéric Talgorn
FOTOGRAFÍA Thierry Arbogast
REPARTO Gérard Depardieu, Clovis Cornillac, Alain Delon, Claudia Cardinale, Jean-Pierre Cassel, Elric Thomas, Santiago Segura, Benoît Poolveorde, José Garcia, Zinédine Zidane, Tony Parker, Michael Schumacher
PRODUCTORA Coproducción Francia-España-Alemania
WEB OFICIAL http://www.asterixauxjeuxolympiques.com

En el pequeño pueblo de los irreductibles galos no sólo se persigue a los romanos y los jabalíes.

Comedia. Aventuras. Romanos. Cómic

Sinopsis

El amor ha llegado a la Galia. El intrépido guerrero Alafólix se ha enamorado de la princesa griega Irina y ha osado a desafiar a Brutus, hijo adoptivo del César y pretendiente de la bella dama. Para ganarse el favor de Irina, ambos se citan en los Juegos Olímpicos, Brutus con la ambición de ser el próximo César y Alafólix con la ayuda de Astérix, Obélix y la poción mágica. Sin embargo, el reglamento prohíbe las pociones y los galos tendrán que sacar toda su fuerza e ingenio para la competición.

Después del éxito de "Astérix y Obélix contra César" (1999) y "Astérix y Obélix: Misión Cleopatra" (2002), llega "Astérix en los Juegos Olímpicos", la tercera aventura que los héroes galos protagonizan en acción real. El cómic originario de René Goscinny y Albert Uderzo vuelve a la gran pantalla en una de sus aventuras más cinematográficas, la que tiene lugar en los Juegos Olímpicos. En la dirección, Frédéric Forestier (El embolao) y Thomas Langmann, el principal responsable de convertir a Astérix y Obélix en actores de carne y hueso. La película, que combina la comedia y la aventura para toda la familia, cuenta con muchas sorpresas: más efectos especiales, colaboraciones de estrellas del deporte como Zidane, Beckham, Michael Schumacher o Tony Parker, y unos decorados impresionantes que se han construido en la alicantina Ciudad de la Luz.

En el reparto, tenemos un nuevo Astérix, ya que Clovis Cornillac (Héroes del cielo) sustituye a Christian Clavier. Gérard Depardieu vuelve a ponerse en la piel del orondo Obélix después de "Chanson d'amour" y "La vida en rosa". También encontramos a Benoît Poelvoorde (Narco), Stéphane Rousseau (Las invasiones bárbaras) y el veterano Alain Delon (Los actores). La presencia española corre a cargo de Santiago Segura y Elsa Pataky.

Crítica

Nadie se sorprenderá, después del sufrido visionado de las dos primeras entregas, si alguien sugiere que "Astérix y Obélix en los Juegos Olímpicos" es el equivalente hiperbólico de un show de animadores en un parque temático. La estética de la franquicia no es un derivado del cómic, sino un sucedáneo de cartón-piedra, a modo de spot ultralargo del Parque Astérix de París. Es decir, que todo sigue igual, o peor, y que la indecente inversión que han supuesto los tres proyectos no lucen más que en el soberbio acabado de las maquetas que, insisto, no remiten a las viñetas sino al parque temático parisino. La primera entrega jugaba con el favor del efecto sorpresa, con el aliciente de la novedad para atrapar a fieles y curiosos, creyentes y profanos deseosos de ver cómo diantres era posible corporeizar los míticos perfiles de Goscinny y Uderzo sin incitar sarpullidos. Pues bien no era posible. Si algo demostraba el primer Astérix es que no había forma humana de hacer justicia, siquiera diminuta, a la fuente, y que, a lo sumo, quien tuviera a bien habría de conformarse con algo así como una fiesta de disfraces, pelucas y postizos con un atrezo-homenaje al hábitat de los volúmenes de la serie.

Si ése era el punto de partida, nada halagüeño, miedo daba pensar en qué desastre podían acabar las sucesivas reincidencias en el error. "Astérix y Obélix en los Juegos Olímpicos" es el tercer error, mayor que el primero y poco más o menos igual de grueso que el segundo. Nueva fiesta de disfraces con lista de invitados de lujo, desde Alain Delon, a Michael Schumacher, pasando por Jean Todt, Adriana Karembeu o Tony Parker. Como casi siempre la gracia en esta suerte de inventos pseudocinematográficos consiste en localizar los cameos y, si hay suerte, con la buena disposición de un puñado de buenos actores galos (el consuelo corre aquí a cargo de un Alain Delon autoparódico y de un Benoit Poelvoorde que se divierte). Lo demás es humor de saldo, irritante poca fidelidad al libro ilustrado original (uno de los mejores de la serie) y un lamento por la sosería congénita del nuevo Astérix Corvis Cornillac.

Conviene estar atento (ya que se ha pagado la entrada) al chascarrillo de Delon a costa de "Rocco y sus hermanos" y "El clan de los irlandeses", a la intervención estelar del dúo Schumacher-Todt en la mjeor secuencia, la de la competición de cuádrigas, (o por mejor decir, la más disfrutable) de la cinta, y a tres o cuatro chistes más aquí y allá que harán cosquillas a los incondicionales del Astérix de papel. Ahora bien, por establecer ponderaciones afines, este Astérix es una piedra semipreciosa al lado del segundo y terrorífico Mortadelo. Puestos a pasar una sola vez por caja en la duda entre una u otra, la cinta de Forestier y Langman es alta comedia al lado de las inclemencias cómicas del filme de Bardem. Ya se sabe que en el país de los ciegos el tuerto es el rey.

Vía 20minutos.es

Cineforum : Ocho lecciones transversales sobre el estado del cine

Cine, estética y pensamiento

Lugar: CaixaForum Madrid
Dirección: Paseo del Prado, 36
Localidad: MADRID
Tipo de público: Público General
Tipo de actividad: Cineforum

El seminario propone un amplio recorrido por el cine de las últimas décadas, sus geografías estéticas y políticas, sus mutaciones y estados de crisis. El mapa del cine posmoderno es extraordinariamente rico y heterogéneo, sus horizontes inciertos, y queremos ofrecer pautas para navegar por este mar inestable.

Sin pretensión alguna de totalidad, antes bien, afirmando la naturaleza fragmentaria de su travesía.
Es éste un curso abierto y plural que huye de la erudición académica, pero que reivindica el pensamiento y la reflexión transversal para seguir las arborescencias y los cambios de escala del cine contemporáneo y cartografiar el estado de la ficción.

Un programa de ocho sesiones, que combina la lección subjetiva, impartida por prestigiosos críticos nacionales e internacionales, con la proyección de una serie de películas recientes para tomar la temperatura del cine actual y entender sus campos magnéticos.
Dirección y coordinación del programa: Domènec Font

Cineforum
El pensamiento se mueve en los márgenes. Fronteras y estrategias del ensayo
Del 07/04/2008 al 07/04/2008
MADRID

Cineforum
Senderos que se bifurcan: espacio virtual, tiempo de fantasmas
Del 19/02/2008 al 19/02/2008
MADRID

Cineforum
El paisaje-tapiz y las formas del mundo. Elogio del minimalismo
Del 26/02/2008 al 26/02/2008
MADRID

Cineforum
Secreto detrás de la puerta. Últimas noticias sobre el estado de los cuerpos, el erotismo y la sexualidad
Del 04/03/2008 al 04/03/2008
MADRID

Cineforum
El principio de la incertidumbre: Europa cinemas
Del 11/03/2008 al 11/03/2008
MADRID

Vía http://obrasocial.lacaixa.es

Rumores sobre el rostro del nuevo Terminator

Ya se sabe quien será el compañero del hombre máquina. En “Terminator Salvation: The future begins”, Crhistian Bale será John Connor , pero todavía se ignora quién dará vida a uno de los personajes más míticos del cine de los 90.

Se oyen rumores, propiciados por el propio director McG. Josh Brolin , quien ahora triunfa, con su papel en ” No es país para viejos “, podría ser el nuevo Terminator. El director también ha declarado su admiración por Russel Crowe o Eric Bana , actores con una gran potencia física. Pero nada está confirmado todavía.

“Estamos preparando la película. El guión está muy avanzado, pero tenemos que seguir trabajando en él. Estamos esperando a que termine la huelga de guionistas.Cruzo los dedos para que en una o dos semanas esté terminado, ha confesado el realizador.

La cuarta entrega, según sus responsables, no se trata de una continuación, pues no está ambientada en el pasado, sino en el futuro, en el año 2019. La guerra entre Skynet y la humanidad continúa.

Vía novedadescine.com

Indiana Jones 4, el Reino de la Calavera de Cristal

Indiana Jones 4 lleva por título el Reino de la Calavera de Cristal. Esta cuarta película de la Saga de Indiana Jones será dirigida nuevamente por Steven Spielberg y tendrá al legendario actor Harrison Ford protagonizando al arqueólogo con látigo y sombrero de cuero, Indiana Jones. La producción viene de parte de George Lucas. Como nuevos personajes principales se encuentran el hijo de Indiana Jones interpretado por Shia LaBeouf (Transformers, Constantine) y la pareja, pero no esposa de Indy, Marion Ravenwood quien actuó antes como pareja de Indy en el primer Film, Cazadores del Arca Perdida, interpretada por la misma actriz Karen Allen (Una Tormenta Perfecta, Law & Order) respectivamente. Cate Blanchett (Babel, El Aviador) también esta en el elenco pero su papel aún no ha sido revelado.

Fecha del Estreno

El estreno de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal será la misma fecha a nivel mundial, en Argentina, México, Egipto, Australia, España y Estados Unidos.

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal se estrenará el 22 de Mayo del 2008

Esta película es muy probable que sea la última que tenga a Harrison Ford (65 años) en el papel de Indiana Jones, por lo que recomiendo ir al cine apenas se estrene. Es sabido también que George Lucas y Steven Spielberg estuvieron planificando este film por varios años y ahora no hacen otra cosa que filmarlo desde que Shia LaBeouf terminó Transformers.

Es una lástima pero Sean Connery se reusó a actuar nuevamente como el Padre de Indiana Jones, el profesor Henry jones , ya que asevera que por más efectos especiales y dobles se usen en las escenas de acción, su edad de 77 años ya no le permite embarcarse en películas de acción y adrenalina.

Según Steven Spielberg, Shia LaBeouf es el nuevo Tom Hanks, será un super actor dentro de poco y actualmente ya va participando de varias películas Blockbusters gracias a que Spielberg confía ciegamente en su talento.

Una larga planificación para Indiana Jones 4

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal se lleva planificando desde el Indiana Jones y la última Cruzada, osea desde 1989. Han pasado casi 19 años, pero algo me dice que la espera valdrá completamente la pena. Steven Spielberg, George Lucas y Harrison Ford querían realizar el mejor guión posible, se obsesionaron con la idea y rechazaron varios guiones ya elaborados. Los escritores Jeb Stuart (Duro de Matar), Jeffrey Boam (Indiana Jones y la última Cruzada), M. Night Shyamalan, Frank Darabont y Jeff Nathanson crearon varios guiones rechazados, pero fue el guión de David Koepp (Spiderman, Jurassic Park) el que encantó a los 3 señores en el 2006.

La filmación finalmente dió inicio en Junio del 2007 y se realizó en localidades como Nuevo México, New Haven, Connecticut, Hawaii y en Los Angeles.

Para poder mantener una misma estética con las anteriores películas de Indiana Jones, el Reino de la Calavera de Cristal tendrá un mínimo uso de efectos CGI por computadora. Al igual que antes habrán excelentes escenas de acción, pero serán realizadas con efectos manuales y los dobles más intrépidos de Hollywood.

La historia de Indy 4

La historia se ubicará en el año de 1957, con una misteriosa Calavera de Cristal y con Indiana Jones enfrentando a agentes de la Unión Soviética.

Tyler Nelson, un actor de reparto contó este Spoiler a los medios:

Spoiler de una escena completa

Aparentemente las Fuerzas Armadas de la Unión Soviética están buscando la Calavera de Cristal en medio de las selvas de Sud América, Indiana Jones se encuentra en la misma travesía. Los rusos atrapan a Indy y lo toman prisionero.

Los rusos tratan de chantajear a Indiana Jones diciéndole que mataran a su actual pareja y madre de su hijo, Marion Ravenwood. Cate Blanchett será su cruel interrogadora.

Luego que los rusos capturan a Jones y encuentran la Calvera de Cristal, celebran en las afueras de su campamento danzando música folclórica rusa, Balalaicas.

No fue fácil encontrar el título adecuado

George Lucas buscó mantener en secreto cualquier detalle por más mínimo que fuera acerca de Indiana Jones 4 por largo tiempo. Varios rumores apuntaban a que el título sería uno de las mayores incógnitas de la nueva película; considerando su previsible nombre como Indiana Jones y la Ciudad de los Dioses.

Una estrategia que usó el productor fue la de registrar la aún no estrenada película bajo 5 títulos diferentes:

* Indiana Jones y el Destructor de Mundos
* Indiana Jones y la Cuarta Esquina de la Tierra
* Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal
* Indiana Jones y la Ciudad Pérdida de Oro
* Indiana Jones y la Búsqueda de la Alianza

Sin embargo, el anuncio imprevisto del título oficial corrió a cargo del actor Shia Labeouf durante la entrega de premios de los MTV Video Music Awards 2007, quien dijo:

Steven Spielberg y George Lucas me dieron una misión especial, decirles el título de la nueva película de Indiana Jones, en exclusiva para el mundo el título es: Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal.

Rumores de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal

Cabe aclarar que son muy pocos los datos reales acerca de esta película, he aquí las revelaciones más interesantes (pero de veracidad dudosa) captados por páginas webs, blogs y foros de fans y de medios informativos acerca de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal:

• Se dice que en Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal aparecerán extraterrestres, se captará el Area 51 y habrá una relación del aventurero con 13 cráneos de cristal, pirámides, templos precolombinos, el regreso de Karen Allen como Marion Ravenwood y la nueva aparición de su hijo personificado por Shia LaBeouf.
• De acuerdo al anuncio dado a conocer por el propio Spielberg y como ya mencioné antes, “Esta nueva película NO tendrá ningún efecto especial generado por CGI, pues se planea preservar el estilo artístico de toda la serie, con las típicas desventuras de Jones o sus enfrentamientos cara-a-cara con los villanos”. Habrá que esperar al lanzamiento de la película para conocer si el rumor fue cierto.
• Se conoce por numerosas publicaciones, que la trama estará relacionada estrechamente con la primera parte, pues 19 años después del final de Indiana Jones 3, los miembros del Consejo de Relaciones Exteriores y la Comisión Trilateral (quienes poseen y protegen el Arca de la Alianza) solicitan la ayuda de Indy para buscar un elemento que no está dentro del arca: el Efod, una pechera que consta de 12 joyas y que revela el regreso de Melquisedeq, un mítico personaje bíblico.
• A través de declaraciones a la cadena MTV, George Lucas reveló que Indiana Jones 4 será la mejor de la saga completa, argumentando esto en base a que “esta vez, la trama se centra en el cráneo de cristal, una reliquia existente en la vida real y que forma parte de la mitología verdadera y esoterismo actual”.
• Cate Blanchett ha sido confirmada como la villana de Indiana Jones y el Reino del Cráneo de Cristal, la cual a su vez formará parte de un grupo de villanos rusos (¡hola Xkalibur!) que se enfrentarán a Indy.
• Sean Connery, (quién dió vida en la pasada entrega al padre de Indiana Jones) ha confirmado de manera personal que no aparecerá en ésta cuarta parte, excusando abiertamente que “Al final, la jubilación es sencillamente divertida”. Sin embargo, fuentes confiables aseguran que Connery se borró del film porque le ofrecían menos que en Robin Hood, donde cobró 2 millones de dólares (  insertar cara de Dr. Evil aquí) por decir “I speak” en el papel de Ricardo Corazón de León.
• John Williams será estará gracias a Dios y el FSM el encargado del sonido y partituras musicales de esta nueva entrega del aventurero, tal y como lo ha hecho en la mayoría de las películas de Steven Spielberg y George Lucas, y en toda la saga de aventuras de Indiana Jones.
• Inicialmente se había planeado anunciar el título de la nueva parte de las aventuras de Jones hasta mediados de noviembre de 2007. El esperado anuncio vendría acompañado del exclusivo estreno del primer trailer oficial de la película; sin embargo, Shia LaBeouf reveló antes de lo previsto el título oficial: Indiana Jones and the Kingdom of Cristal Skull.
• En octubre de 2007, un individuo llamado Roderick Davis robó parte del material exclusivo de la producción de la película, entre ellos computadoras y exclusivas imágenes alternas al filme, los cuales además fueron ofrecidos a la venta pública por correo electrónico a diversos sitios sin el previo consentimiento de algún miembro del staff de la película. Sin embargo, al instante Davis fue detenido por el Departamento del Sheriff de Los Ángeles bajo el delito de “encubrir propiedad robada”.

Vía aeromental.com

AHORA O NUNCA (The bucket list)

Dirección: Rob Reiner.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 97 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Jack Nicholson (Edward Cole), Morgan Freeman (Carter Chambers), Sean Hayes (Thomas), Rob Morrow (Dr. Hollins), Beverly Todd (Virginia), Alfonso Freeman (Roger Chambers), Rowena King (Angelica).



Guión: Justin Zackham.
Producción: Craig Zadan, Neil Meron, Alan Greisman y Rob Reiner.
Música: Marc Shaiman.
Fotografía: John Schwartzman.
Montaje: Robert Leighton.
Diseño de producción: Bill Brzeski.
Vestuario: Molly Maginnis.
Estreno en USA: 11 Enero 2008.
Estreno en España: 1 Febrero 2008.

Hace mucho tiempo, el profesor de filosofía de Carter Chambers (Morgan Freeman), en su primer año de carrera, les sugirió a sus estudiantes que elaborasen una "lista de deseos", un recuento de todas las cosas que querían hacer, ver y experimentar en la vida antes de morir. Pero, mientras Carter estaba aún tratando de aclarar sus sueños y planes privados, la realidad se entrometió.

Matrimonio, hijos, una multitud de responsabilidades y, finalmente, un trabajo de mecánico de automóviles durante 46 años, gradualmente cambiaron su idea de lo que era una lista de deseos en poco más que un recuerdo agridulce de oportunidades perdidas y en un ejercicio mental en el que pensaba de vez en cuando para pasar el tiempo mientras trabajaba bajo la capota de un coche. Entretanto, el multimillonario empresario Edward Cole (Jack Nicholson) nunca vio una lista sin pensar en los beneficios.

Siempre estaba demasiado atareado haciendo dinero y construyendo un imperio para pensar en cuáles podrían ser sus necesidades más profundas, más allá de la siguiente adquisición o una taza de café para gourmets. Entonces, la vida les dio a ambos un toque de atención urgente e inesperado.

Carter y Edward se encontraron compartiendo una habitación de hospital con mucho tiempo para pensar en lo que sucedería a continuación, y en cuánto de ello estaba en sus manos. A pesar de sus diferencias, pronto descubrieron que tenían dos cosas muy importantes en común: una necesidad no satisfecha de aceptarse a sí mismos y las elecciones que habían hecho, y un deseo urgente de pasar el tiempo que habían perdido haciendo todo lo que siempre quisieron hacer. Así que, en contra de las órdenes del médico y del sentido común, estos dos auténticos desconocidos abandonan el hospital y se lanzan a la carretera juntos para vivir la aventura de su vida.

 

CÓMO SE HIZO "AHORA O NUNCA"
Notas de producción © 2008 Warner Bros. Pictures

El director y productor Rob Reiner sólo llevaba leídas 10 páginas del guión de “The Bucket List” cuando le dijo a su socio en la producción Alan Greisman que había encontrado su siguiente proyecto. Como Greisman recuerda, “Le dije que leyera el resto, sólo para estar seguro, pero no había ninguna duda al respecto. Se trataba de un tema que le llegaba al corazón y, sin tener que leer más, lo tenía claro. ‘Me encanta esta historia; conozco a estos personajes’, dijo. ‘Eso es todo”‘.

A continuación, ambos se pusieron en contacto con los productores Craig Zadan y Neil Meron de Storyline Entertainment, que les habían enviado el guión, y comenzaron a hacer planes que harían que la producción de “The Bucket List” se iniciase ese mismo año. Reiner reaccionó ante la historia de un modo inmediato y profundamente personal, y creía que trataba temas con los que mucha gente se podía identificar.

“La generación del baby boom, en concreto, está empezando a examinar y evaluar sus vidas de un modo más profundo, y los temas que trata ‘The Bucket List’ le resultan familiares. Los que tenemos padres o abuelos entrados en años podemos apreciar lo que significa recordar el tiempo perdido y también mirar hacia adelante y pensar en lo que estamos haciendo con el tiempo que se nos ha concedido. Sabía que éste era un tema que, sin ninguna duda, quería tratar ahora.

“Había algo en ella”, añade, mencionando las posibilidades de la historia para el humor natural y para las situaciones humanas íntimamente personales, por no mencionar “la gran aventura que lleva a estos dos hombres por el mundo para averiguar lo que ha estado ardiendo dentro de ellos toda su vida”. A Zadan y Meron no les sorprendió, porque ellos mismos se habían enamorado de la historia después de que “The Bucket List” hubiese despertado el interés de su jefe de desarrollo de películas, Travis Knox, uno de los productores ejecutivos de la película.

“Fue como cualquier otra noche cuando llevé a casa un montón de guiones para leer, pero éste fue el primero en mucho tiempo que no pude dejar de leer. Era especial, una combinación única de humor y sentimiento. Tenía que participar en la película”, dice Knox, recordando cómo a continuación llevó el guión a Zadan y Meron y sugirió a Reiner, con el que los productores habían hablado recientemente sobre un tema totalmente distinto y habían establecido una innegable relación creativa.

Reconociendo la impresionante obra de Reiner, Zadan recuerda, “Lo que nos gustó de Rob fue su capacidad para encontrar el humor en temas emocionales. Es esa profundidad lo que hace que tenga tanto impacto como director y exactamente lo que todos queríamos para ‘The Bucket List”.

  Greisman comenta, “Se trata de una historia sobre la amistad y el amor y sobre descubrir lo que es realmente importante en la vida. Despierta muchas emociones, pero al mismo tiempo te hace reír, y al final creo que dice algo importante sobre la condición humana”. Además, nos recuerda, como afirma Jack Nicholson, “Son las cosas que no haces en la vida, las que más lamentas, no las que haces”.

  La creciente—y a menudo intensa—compenetración que se establece entre estos dos improbables compañeros de viaje es lo que da impulso a la historia. Aunque son polos opuestos en lo que se refiere a procedencia, temperamento, experiencia y en otros muchos aspectos, lo que comparten compensa con creces estas diferencias superficiales.

  Morgan Freeman, que interpreta a Carter, comenta, “Te atrae la gente con la que tienes algo en común, y estos dos tienen algo muy importante en común. Tienen el resto de su vida en sus manos y ambos lo saben. Cuando Carter conoce a Edward, se le ofrece la oportunidad de hacer las cosas de manera diferente por primera vez, de vivir a su modo. Para un hombre que tiene la sensación de que ha pasado su vida haciendo lo que es mejor para todos los demás, eso es muy fuerte”.

  La propia lista, de una de las clases de la facultad a las que Carter asistió antes de abandonar sus estudios para mantener a su familia, “fue un ejercicio premonitorio. Su finalidad era que los jóvenes se centraran, haciéndoles pensar en lo que era realmente importante para ellos y en lo que querían conseguir en la vida”, explica Reiner. Es una idea a la que Carter, introspectivo por naturaleza, ha vuelto a menudo y ha ido puliendo, despreocupadamente, y vuelve a jugar con ella mientras yace en el hospital contemplando sus opciones. Incluso si Carter hubiera contemplado alguna vez la posibilidad de alcanzar las cosas de su lista de deseos, sin duda no espera hacerlo ahora, y así lo dice cuando Edward ve la lista por casualidad y le pregunta sobre ella.

  Pero Edward, que no está familiarizado con los conceptos de “no” y “demasiado tarde”, le propone que hagan exactamente eso. De inmediato. Incluso añade sus propios puntos, con su peculiar estilo.

  Freeman comenta lo mucho que difieren los dos, incluso en esto. “Edward lo plantea como una lista de cosas prácticas por hacer. Mientras que los deseos de Carter tienen una vertiente más espiritual, como ‘contemplar algo majestuoso’ y ‘ayudar a un extraño porque sí”, Edward busca la adrenalina, como saltar de un avión y besar a la chica más guapa del mundo”.

  Al final, en contra del consejo del médico de Edward y en contra de las categóricas y sinceras protestas de la cariñosa esposa de Carter, Virginia, estos dos tozudos sesentones se lanzan juntos a compartir la aventura de dos vidas, en un viaje sin límites y sin parangón—para hacer todo lo que siempre quisieron hacer y, en el proceso, comprender mejor quiénes son y lo que significan sus vidas.

  “Pensé que era algo muy audaz, y a mí me gusta ser audaz”, dice Nicholson, añadiendo que, “Tiene muchas cosas en las que la gente piensa pero que no las expresa”.

  “En el camino, la amistad entre ellos cambia profundamente”, dice Meron. “Puede que, para Edward, todo haya comenzado como una diversión, pero el modo de pensar de Carter comienza a influir en él. Poco a poco, Edward empieza a examinar su vida de un modo que nunca lo había hecho antes y pasa a convertirse en un individuo más centrado emocionalmente. Aunque, sin duda, todavía tiene un largo camino que recorrer.

   “La cuestión es que nunca es demasiado tarde”, añade. “Decidir qué es lo que importa y luego tratar de conseguirlo lo mejor que puedes es algo que se puede aplicar a todo el mundo, no importa la edad ni las circunstancias”.

  El guionista Justin Zackham, también productor ejecutivo de la película, fue en todo momento flexible sobre la edad ideal que imaginaba para sus aventureros protagonistas, pero dice, “Mi opinión era que se necesitaban personajes que ya hubieran vivido bastante. Deberían tener cosas que lamentar. Para alguien más joven, eso sería más bien una conjetura”. Curiosamente, confiesa, incluso en el estadio inicial, “Escribí el guión con la voz de Morgan Freeman en mi cabeza”.

  No pasó mucho tiempo antes de que la voz de Jack Nicholson también se convirtiera en un factor decisivo. En las semanas previas a la producción, el actor se reunió regularmente con Rob Reiner para trabajar el diálogo, escena a escena. Dice Reiner, “Permítame decirle algo sobre Jack Nicholson que la mayoría de la gente no sabe. Sin duda es un magnífico actor, todo el mundo sabe eso, pero también es un muy buen escritor, un auténtico artesano de la palabra. Sabe cómo hacer que las frases sean más interesantes, expresivas e intencionadas. Su punto de vista, como el mío, era que no íbamos a hacer muchas películas como ésta—de hecho, sólo vamos a hacer ésta—así que queríamos explorar todos los matices y hacerlo bien. Lo estudiamos todo a fondo antes de la producción y más tarde incluso durante el rodaje intercambiábamos ideas en su trailer”.

   El reto, afirma Reiner, era “equilibrar el humor y la emoción de la historia, para hacer que resultase entretenida pero sin vulgarizarla. Se trata de un tema serio y queríamos tratarlo con el respeto que se merece, pero, al mismo tiempo, hay muchas posibilidades para la comedia, y ver la energía de estos dos magníficos actores superándose mutuamente es un placer”.

  Como sucede muy a menudo, “No son tanto las circunstancias sino el modo en que la gente las afronta lo que constituye la diferencia. Eso es lo que le da a ‘The Bucket List’ su brillantez”, dice Zadan. “Es una historia llena de emoción, calidez y optimismo. Está llena de vida”.

  “Todo el mundo puede tener una lista e deseos”, comenta Zackham. “Igual que no hay un ser humano en la tierra que no quiera ser querido, no hay nadie que no tenga en el fondo de su mente pensamientos sobre lo que quiere conseguir. Pero a veces nos vemos atrapados en la rutina diaria y a veces fluctuamos en direcciones a las que no pretendíamos ir. ‘The Bucket List’ trata de dos personas que se arman de valor, que tienen la fuerza de perseguir sus sueños, lo cual es—triste y sorprendentemente—una rareza en la vida”.

  Tras haber decidido hacer esta película, la siguiente idea de Rob Reiner era que necesitaba por encima de todo a Morgan Freeman para el papel de Carter Chambers. “No podía imaginarme a nadie más que a Morgan para este papel. Su participación era esencial”.

  Afortunadamente, a Freeman le atrajo realmente el guión… y propuso una sugerencia para el reparto que Reiner ya tenía en mente: Jack Nicholson como Edward Cole. Reiner y Nicholson habían trabajado anteriormente en la popular película policíaca de 1992 “Algunos hombres buenos”, por la que ambos fueron nominados a los Oscar.

  “Si hablamos de listas de deseos personales”, declara Freeman, “trabajar junto a Jack Nicholson estaría sin duda en la mía”. La química entre Edward Cole y Carter Chambers depende en gran medida de la interacción de Jack Nicholson y Morgan Freeman como actores y amigos. Como comenta Freeman, “El modo en que nos damos la réplica el uno al otro es algo que no puedo describir. Simplemente lo hacemos. Lo que Jack aporta al papel es su particular energía, experiencia y carisma. Sea lo que sea, es lo que hace que todos vayamos a ver cualquier película en la que él interviene. Llamémosle atracción”.

  “Jack puede ser muy explosivo en pantalla, y Morgan es como el maestro zen que no deja que nada le altere”, apostilla Reiner. “Se complementan de una manera muy especial. Sabía que la química entre ellos sería sorprendente y daría un impulso a los diálogos y a la acción de una manera que no podíamos imaginar sólo leyéndolos”.

  “Es un placer”, dice Zadan, “ver a los dos desarrollar estos personajes. Había frases en el guión que pensaba que estaban muy bien escritas, pero no sabía lo divertidas que eran hasta que oí decirlas a Jack y todos nos echamos a reír. Tiene una manera única de encontrar al personaje en cada palabra y en cada frase. Y Morgan es simplemente incapaz de dar una nota falsa. Nunca. Con él, nunca existe una mala toma”.

  Cada personaje soporta su dosis de desencanto a su manera. “Edward es un multimillonario, siempre consigue lo que quiere y no se priva de ningún lujo”, explica Reiner. “Vive para hacer dinero y ha puesto toda su energía en los negocios, sacrificando cualquier cosa que se parezca a una vida personal. Se ha convertido en la personificación del dicho de que todo el mundo lamenta, en su lecho de muerte, haber pasado tanto tiempo en la oficina, sólo que no se da cuenta”.

  “Esa lucha le ha dejado bastante solo, rodeado de dinero, por decirlo así”, reconoce Nicholson. Aún así, es ese espíritu competitivo lo que le sirve a Edward en esta situación, permitiéndole enfrentarse a cualquier obstáculo que se interponga en el camino del viaje que tiene intención de hacer con Carter. “Sea lo que sea, está dispuesto a pelear por ello porque básicamente es un luchador”.

  Aún así, comenta Greisman, “Sin sacrificar un ápice el impulso que llevó a Edward a la cima del mundo de los negocios, Jack también aporta a este personaje una conmovedora vulnerabilidad”.

  Entretanto, Carter alimenta sus propios remordimientos. “Está decepcionado… bueno, al menos él cree que está decepcionado”, dice Freeman. “Había cosas que quería hacer en su vida, pero las circunstancias le superaron y su sentido del deber le hizo cambiar de dirección. Trabajó, crió una familia, dio educación a sus hijos y ahora, aunque su familia signifique todo para él, no puede evitar la sensación de que ha perdido su oportunidad.

  “Mucha gente acaba en la situación de Carter”, continúa diciendo Freeman. “Si tienen suerte, puede que se den cuenta de que, después de todo, tienen lo que querían. No creo que, si nos ofrecieran otra oportunidad en la vida, hiciéramos necesariamente elecciones diferentes, porque la mayoría de esas elecciones se hacen basadas en lo que deseamos o necesitamos en ese momento, no en lo que podría suceder en el futuro”.

  Como ayudante y cómplice de estos dos en su improvisada aventura está Thomas, el ayudante personal de Edward Cole, experto en café y su hombre para todo, interpretado por Sean Hayes, galardonado con el Emmy. No importa cuál haya sido su trabajo original, Thomas obviamente lo ha superado, no sólo sorteando todos los exigentes detalles de la agenda personal y empresarial de Edward con inteligencia y aplomo sino también sabiendo manejar los estados de ánimo y la irritante personalidad de su jefe como un profesional.

  “Es el ayudante que devuelve tanta basura como recibe de Edward y es probablemente una de las pocas personas que no le tiene miedo”, afirma Hayes. “Thomas está siempre disponible y nunca va mal vestido, lo cual se convirtió en una broma recurrente. No importa la hora del día o de la noche o en qué remoto lugar perdido se encuentre, Thomas siempre aparece con traje y corbata”.

  Hayes, al que le encanta hacer listas y establecerse metas, piensa, “Es una historia con mucha motivación, un tributo al hecho de mirar hacia adelante. Soy un gran fan de las películas que contienen sutiles lecciones vitales o que te hacen pensar en las cosas de manera distinta cuando sales del cine”.

  Los productores Zadan y Meron trabajaron con el actor en la película de televisión de 2002 elogiada por la crítica “Martin and Lewis”, en la que Hayes interpretaba a Jerry Lewis. Según Meron, “Thomas está claramente ahí para ejecutar las órdenes de Edward, pero, a su manera, sabe perfectamente quién es Edward y lo que necesita incluso mejor que el propio Edward. A veces gestiona situaciones que llevarán a Edward a su propio camino de auto-descubrimiento, lo cual es algo hermoso de ver”.

  “Sean es también el perfecto complemento para Jack, y los dos tienen algunas conversaciones muy cáusticas que se basan en gran medida en la impecable y sobria interpretación de Sean. Además, a menudo introducía sus propios chistes gratuitamente”, añade Reiner.

  Al igual que Thomas, el médico de Edward, el Dr. Hollins, sabe con quién está tratando pero, a diferencia de Thomas, carece de la más mínima habilidad para predecirlo o controlarlo. Rob Morrow, nominado varias veces a los Emmy y a los Globos de Oro, es Hollins.

  Renunciar al tratamiento en favor de esta aventura espontánea a no se sabe dónde no es exactamente lo que el médico aconseja. De hecho, el médico le dice directamente que no lo haga, pero, como alguien que haya tratado alguna vez con Edward, desde sus accionistas y abogados hasta sus dos ex esposas, Hollins sabe que no tiene ningún sentido discutir con él.

  Greisman dice, “Tuvimos la suerte y estamos encantados de que Rob pudiese compaginar este papel con su trabajo en la serie, y ha estado estupendo. Como médico de Edward, su papel es representar la voz de la razón, pero se puede ver en su rostro y en su actitud que es muy consciente de que nada de lo que diga persuadirá a este hombre de hacer exactamente lo que quiera”.

  De parte del Dr. Hollins está la esposa de Carter, Virginia, interpretada por Beverly Todd, que trabaja aquí por tercera vez con Morgan Freeman. Actuaron por primera vez juntos en un drama de dos personajes en el Public Theater de Joe Papp en Nueva York a principios de los años 70 y posteriormente en la película de 1989 “Lean On Me”.

  Virginia no sólo quiere que Carter se quede en el hospital por lo que ella cree que es su propio bien, sino que también, sencillamente, quiere que se quede por lo que a ella le concierne. Enfadada, herida y con sensación de abandono, “No puede hacerse a la idea del hecho de que este esposo al que conoce, quiere y ha cuidado durante todos estos años, se embarque en una alocada aventura con un hombre al que acaba de conocer, cuando ni tan siquiera sabe cuánto tiempo les queda juntos”, explica Todd. Además, en este estadio crucial de su vida, “Teme que él pueda culparla de su fracaso para conseguir sus metas, porque eso es lo que a veces hace la gente, y eso le parte el corazón”.

  Freeman reconoce a Todd el mérito de transmitir la profundidad de un matrimonio que ha durado décadas y sus profundas y a menudo conflictivas emociones, diciendo, “Lo que Beverly aporta al personaje es una absoluta credibilidad y una gama de sentimientos que hace que los espectadores comprendan por lo que está pasando. Me di cuenta de eso la primera vez que estuvimos juntos en escena, interpretando a una pareja con problemas. Había mujeres entre el público que decían ‘mm-hmmm’, porque cuando ella hablaba se sentían identificadas. El texto sirve como guía, pero la emoción es algo que un actor tiene que aportar por sí mismo”.

  El papel del hijo de Carter y Virginia, Roger, está interpretado por el hijo de Morgan Freeman en la vida real, Alfonso Freeman. A diferencia de Virginia, Roger es más ambivalente respecto al impulsivo viaje de Carter. Como abogado con una joven familia propia, echa de menos a su padre y simpatiza con la ansiedad de su madre, pero también comprende el anhelo que ha hecho a Carter dar este paso, y es consciente de la libertad y la paz que le puede aportar.

  “Lo que importa no son los lugares que visitan ni las cosas que hacen, sino lo que sucede entre ellos en el transcurso de este viaje. Un día podrían estar conduciendo un jeep en el Serengeti y sentados delante de una pirámide al siguiente, pero donde realmente se producen los cambios excitantes es en el constante hilo de sus conversaciones y reflexiones”, reconoce Reiner. “Cada destino les lleva a examinar otra faceta de sus vidas”.

  Admirando la grandiosidad del Taj Mahal, el exquisito monumento del Shah Jahan a su amada esposa, sus pensamientos se vuelven hacia el amor que han experimentado en sus propias vidas y lo que eso significa para ellos. Más tarde, relajándose junto a la Gran Pirámide de Keops, Carter reflexiona sobre la antigua creencia egipcia de que a todos se nos pedirá que demos cuenta de la calidad y la finalidad de nuestras vidas. Al igual que Edward y Carter, a los espectadores puede que les atraiga momentáneamente cada nuevo sitio del cambiante paisaje en el que transcurre “The Bucket List”, pero también es probable que se centren de manera similar en el aspecto introspectivo.

  “He viajado bastante y aún hay muchos sitios que me gustaría ver. Estoy seguro de que no voy a conseguir verlos todos, pero no creo que eso sea tan importante como la gente con la que paso el tiempo”, dice Reiner, volviendo al tema central de la historia. “Recorrer el mundo, ver el Everest o saltar en paracaídas desde un avión es estupendo, pero no es algo que tengamos que hacer necesariamente para sentirnos realizados, y ése es el mensaje de esta película. Lo más importante en la vida son tus relaciones con la familia y los amigos. Eso es lo que importa. Si puedes conseguir eso, creo que tu vida tendrá sentido”.

 

Vía labutaca.net - Fotoblog

ASTERIX EN LOS JUEGOS OLíMPICOS

Titulo: Asterix En Los Juegos Olímpicos
Género: Aventuras
Nacionalidad: Francia, España
Director: Frédéric Forestier, Thomas Langmann
Fecha de Estreno:   Viernes, 08 de Febrero de 2008

 

Reparto: Gérard Depardieu, Clovis Cornillac, Benoît Poelvoorde, Alain Delon, Stéphane Rousseau, Vanessa Hessler, Michael Herbig, Bouli Lanners, Jérome Le Banner, José García, Santiago Segura, Jean-Claude Van Damme, Jean-Pierre Cassel, Mónica Cruz, Adriana Karembeu, Michael Schumacher, Tony Parker, Elsa Pataky, Zinédine Zidane

Sinopsis:  En el pequeño pueblo de los irreductibles galos no sólo se persigue a los romanos y los jabalíes. También se persigue al amor... Alafólix, joven guerrero intrépido y romántico está enamorado de la sublime princesa griega Irina. No retrocediendo ante ninguna locura, Alafólix ha osado desafiar a Brutus, el cruelísimo hijo de César quien también compite por el favor de la Princesa Irina. De esta forma los dos competirán en los Juegos Olímpicos por la mano de la bella Irina.

Una formalidad para los galos: Astérix, Obélix, y Alafólix, cargados de la famosa poción mágica de Panorámix compiten y vuelven a competir e irán pasando todas las pruebas para dar una buena lección a César! Nuestros héroes se encaminan a Grecia con la moral muy alta para participar y sobre todo ganar. Pero una vez llegan al estadio todo se complica: el reglamento olímpico prohíbe todo tipo de poción! Nuestros amigos tendrán que medirse a atletas extremadamente preparados sin la magia de Panoramix.

Pero sobre todos ellos tendrán que enfrentarse a Brutus tenedor de todas las posibilidades para ganar los Juegos Olímpicos, la mano de la princesa Irina y el mismísimo trono de su padre. La inteligencia de Astérix, la fuerza de Obélix, y la intuición de Idéfix no serán suficientes para subir al fogoso Alafólix a los más alto del podium...

Vía estrenosdecine.net

THE UNGODLY (INHUMANO)

Dirección: Thomas C. Dunn.
Países: España y USA.
Año: 2007.
Duración: 95 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Wes Bentley (Mickey Gravatski), Mark Borkowski (Lemac), Joanne Baron (Megan), Albert López Murtra (Gino), Marina Gatell (Jennifer), Beth Grant (Emma Lemac), Kenny Johnson (oficial Murphy), Marcia Haufrecht (Klara).
Guión: Thomas C. Dunn y Mark Borkowski.
Producción: Norbert Llaràs, Jordi Rediu y Yan Fisher-Romanowski.
Música: Carles Cases.
Fotografía: Paco Femenía.
Montaje: Alberto de Toro y Andrea Zondler.
Diseño de producción: Clarissa Shanahan.
Vestuario: Sasha Bliss y Maron Reese.
Estreno en España: 25 Enero 2008.

El próximo 23 de noviembre llegará a nuestras pantallas The Ungodly, un sobrecogedor thriller dirigido por el norteamericano Thomas C. Dunn en su debut cinematográfico, que narra el escalofriante encuentro entre Mickey, un joven y ambicioso cineasta obsesionado con grabar un documental que le haga famoso, y Lemac, un asesino en serie que se convertirá en objeto de su obra y en su peor pesadilla.

La productora catalana ZIP Films, liderada por Jordi Rediu y Norbert Llaras, en su línea de apertura e integración con el mercado independiente extranjero, se embarca con The Ungodly en un nuevo y prometedor proyecto internacional que cuenta como protagonistas con los no menos sugestivos: el joven Wes Bentley, que ya despuntó como actor en la que fuera ganadora de un Oscar, American Beauty (1999), y el dramaturgo Mark Borkowski que además de ser co-guionista de la cinta, pasará con The Ungodly a engrosar la lista de los más famosos 'Serial Killers' de ficción.

SINOPSIS

Intentar comprender la mente de un asesino es una tarea demasiado peligrosa que no amedrenta a Mickey (Wes Bentley), un joven cineasta que busca realizar la obra de su vida a muy temprana edad. Tras grabar en directo uno de los asesinatos de Lemac (Mark Borkowski), un asesino en serie buscado por la policía, Mickey chantajeará al psicópata para que acceda a ser el protagonista de un docudrama sobre su propia vida.

 

Via Labutaca y cifi)

John Rambo

 
Titulo: John Rambo
Titulo Original: Rambo
Género: Acción, Drama, Thriller
Nacionalidad: USA
Año: 2007
Director: Sylvester Stallone
Guion: Sylvester Stallone
Reparto: Sylvester Stallone, Julie Benz, Paul Schulze, Matthew Marsden, Graham McTavish, Ken Howard, Rey Gallegos, Tim Kang, Jake La Botz

Sinopsis:  Cuarta entrega de Rambo. Veinte años después de la última entrega, John Rambo (Sylvester Stallone) se ha retirado al norte de Tailandia donde trabaja en una lancha por el Río Salween. En la cercana frontera entre Tailandia y Birmania, en Myanmar, el conflicto entre birmanos y karennis, la guerra civil más larga en toda la historia del mundo, lleva durando ya 60 años. Sin embargo, Rambo, quien lleva una vida solitaria en la jungla que cubre las montañas, pescando y cazando serpientes venenosas que luego vende, hace tiempo que ha abandonado el combate, aunque por su lado pasan médicos, rebeldes y refugiados camino de las tierras asoladas por la guerra.

Todo eso cambia cuando un grupo de misioneros está buscando al “guía americano del río”. Cuando Sarah (Julie Benz) y Michael Bennett (Paul Schulze) se acercan a Rambo, le explican que desde la expedición del año pasado a los campos de refugiados, los militares birmanos han diseminado minas de tierra a lo largo de los senderos, haciéndolos extremadamente peligrosos para los desplazamientos terrestres. Le piden que les guíe Río Salween arriba y les deje donde puedan entregar suministros médicos, alimentos y biblias a la gente karenni perseguida. Pese a negarse inicialmente a penetrar en Birmania, Rambo acaba aceptando llevarles y dejarles, a Sarah, Michael y otros colegas de la misión de auxilio, en un lugar determinado. 

Apenas dos semanas después, el pastor Arthur Marsh (Ken Howard) se cruza con Rambo y le informa de que los misioneros no han regresado. Ha hipotecado su casa y recogido dinero de los feligreses de su iglesia para contratar a un grupo de mercenarios (Graham Mctavish, Matthew Marsden, Tim Kang, Rey Gallegos, Jake La Botz) y así procurar el retorno. Rambo le pregunta si los misioneros están aún vivos, a lo que Marsh responde que se les ha visto cautivos en un campo del ejército birmano. Aunque el rechazo a la violencia y el conflicto se hacen evidentes en la actitud de Rambo, éste también sabe que debe ayudar, y accede a llevar a los mercenarios río arriba adentrándose en la zona de guerra desvastada. Lo que sigue va a ser un descenso a los infiernos.

Via estrenosdecine.net

Hacia rutas salvajes - Into the Wild

Título: Hacia rutas salvajes
Título original: Into the Wild
País: USA
Estreno en USA: 21/09/2007
Estreno en España: 25/01/2008
Productora: Paramount Vantage
Director: Sean Penn
Guión: Sean Penn
Reparto: Emile Hirsch, Vince Vaughn, Marcia Gay Harden, William Hurt

Sinopsis
Basada en el bestseller de Jon Krakauer, basado en hechos reales. Narra los últimos dos años de vida de Christopher McCandles, un joven de 24 años que tras graduarse en la Universidad Emory de Atlanta y donar a Oxfam los 24000 dólares que tenía para estudiar derecho, decidió renunciar a todas las comodidades de la vida moderna y emprender un viaje que lo llevaría al monte McKinley, en Alaska.

Hacia rutas salvajes

Desde el momento en que leyó el libro de Jon Krakauer, "Hacia rutas salvajes", Sean Penn tuvo clara su intención de llevarlo al cine, "La historia me pareció imborrable, muy cinematográfica gracias a los personajes y al paisaje", ha declarado el actor y director, que cayó fascinado por la epopeya de Christopher McCandless (interpretado por Emile Hirsch), un joven que con 22 años decidió romper con su cómoda vida burguesa y un futuro brillante para emprender un viaje físico y personal que le llevaron a perder la vida, dos años después, en un autobús en Alaska. Sin embargo, Penn tuvo que aplazar su proyecto durante una década, el tiempo necesario para que la familia de McCandless estuviera preparada para vender los derechos.

Penn, responsable también del guión, explica cómo fue el proceso: "Me senté y empecé a escribir sin volver a leer el libro, y habían pasado diez años desde la primera vez. Escribí lo que tenía en la cabeza. Luego volví a leerlo y descubrí que Jon había hecho un buen trabajo porque estaba todo en el libro. Antes de empezar la segunda versión -continúa-, recorrí los lugares donde había ido Chris y conocí a algunas de las personas con las que se había cruzado. Fue otra forma de enriquecer la historia". Una de estas personas fue Wayne Westerberg, a quien Chris conoció en Dakota del Sur, que ha ejercido durante el rodaje como asesor y conductor de Penn, y cuyo personaje ha sido llevado a la pantalla por Vince Vaughn.

Krakauer, que confiesa escribió el libro -convirtiendo la historia de Chris en "un drama desgarrador del anhelo humano", según The New York Times- porque se sintió identificado con él -"era un joven testarudo e impetuoso con un corazón puro que no transigía. Tenía ideales muy elevados y una gran rectitud moral"-, reconoce sus dudas iniciales sobre la adaptación del texto al cine. Dudas que se disiparon cuando vio el filme. "Dejará huella en los espectadores. Nada está mascado. Es una película intensa, impresiona y plantea interrogantes".

Área de Descanso (Raw Feed) (2006)

TÍTULO ORIGINAL
Rest Stop
DIRECTOR
John Shiban
REPARTO
Jaimie Alexander, Joey Mendicino, Deanna Russo, Diane Salinger, Michael Childers
AÑO: 2006   FECHA DE ESTRENO: 20/02/2007 (DVD)
NACIONALIDAD: USA

Jess y Nicole viajan por carretera hacía el glamuroso Hollywood. Pero en realidad van camino al infierno. 

Cuando la pareja para en un área de descanso abandonada, Jess desaparece. Y de pronto, otra persona aparece en su lugar alguien con un demente sentido del humor, un taladro, pistolas de grapas, cuchillas y todos afilados y desgarrantes herramientas necesarias para cortar la madera, metales ... o incluso personas.

El terror reina en "Área de descanso", la primera película de la serie Raw Feed, la nueva marca de películas de terror, ciencia ficción y thriller.

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LA CRIATURA PERFECTA (Perfect creature)

Dirección y guión: Glenn Standring.
Países: Reino Unido y Nueva Zelanda.
Año: 2006.
Duración: 90 min.
Género: Acción, fantástico, terror.
Interpretación: Dougray Scott (Silus), Saffron Burrows (Lilly), Leo Gregory (Edgar), Scott Wills (Jones), Stuart Wilson (Augustus), Craig Hall (Dominic), Robbie Magasiva (Frank), Lauren Jackson (Steph), Peter McCauley (profesor Liepsky), Stephen Ure (Freddy).
Producción: Tim Sanders, Russell Fischer, Haneet Vaswani, Michael Cowan y Jason Piette.
Música: Anne Dudley.
Fotografía: Leon Narbey.
Montaje: Christopher Blunden.
Diseño de producción: Phil Ivey.
Vestuario: Kirsty Cameron.
Estreno en España: 18 Enero 2008.

SINOPSIS

Hace tres siglos, en un mundo similar al nuestro, un alquimista italiano descubrió accidentalmente los secretos de la ciencia genética. Al hacerlo, el alquimista desencadenó una oleada de virulentas enfermedades contra las que la raza humana lucha todavía. Otra consecuencia de estos experimentos fue la creación accidental de una nueva raza de personas: los Hermanos, resultante de una mutación genética provocada por un virus y que sólo se manifiesta en los varones. Los Hermanos son seres superiores, física y mentalmente, que se han convertido en los guardianes de la ciencia genética y se han dedicado a mantener a buen recaudo el peligro potencial que encierra esa ciencia. Los Hermanos también ayudan a la Humanidad a combatir las enfermedades que periódicamente asolan el planeta. Se trata de una relación simbiótica, pues a cambio de su compromiso de preservar la vida humana, los Hermanos sólo piden a la Humanidad una cosa: su sangre. Los Hermanos son vampiros, no de la clase de vampiros que alimenta el mito europeo, sino unas criaturas vivientes de carne y hueso, quizás el próximo eslabón de la cadena de la evolución. Entonces surge un problema que amenaza con destruir esta armonía. Uno de los Hermanos ha hecho algo que ningún otro había hecho jamás: cazar seres humanos.

 

CRÍTICA por Javier Quevedo Puchal

  Con casi dos años de retraso desde su primera exhibición en el Festival de Cine Fantástico de Amsterdam, llega a nuestras carteleras el último trabajo de Glenn Standring, "La criatura perfecta", un título que, inconscientemente, juega de forma temeraria con el autocontrol de la prensa especializada a la hora de redactar titulares. Y es que, sin llegar a ser un dechado de pasos en falso e imperfecciones, lo cierto es que el film que nos ocupa dista mucho de ser siquiera una obra notable (ya no digo redonda).

La idea de base nos emplaza a la década de 1960 de un universo alternativo, en el que humanos y vampiros conviven como dos razas hermanadas, que se necesitan mutuamente por diversas razones. Pero cuando uno de los vampiros comienza a cazar humanos para alimentarse de su sangre “ilícitamente”, de pronto la situación de equilibrio entre ambas razas se pone en peligro. Unidos en estrecha colaboración, Silus (Dougray Scott), uno de los vampiros, y Lilly (Saffron Burrows), una policía humana, tratarán de dar captura al elemento rebelde antes de que la noticia trascienda de forma aún más dramática.

  Podríamos defender que el de Standring es más un film de ideas que de realidades. O, más concretamente, un film de ideas interesantes, pero que nunca acaban de cuajar ni, por consiguiente, de llegar a buen puerto. La primera de ellas es, al menos a simple vista y desde una perspectiva meramente genérica, el interés por rescatar la figura del vampiro en su vertiente más romántica, más decimonónica y posiblemente menos popular a día de hoy, y llevarla a un nuevo nivel de probabilidad que trasciende la pirotecnia de propuestas más o menos afines como "Underworld", sin ir más lejos (ahí tenemos la rudimentariamente civilizada manera de succionar la sangre con tubos de goma, una pequeña ceremonia que en algunos momentos marca paralelismos más que obvios con la liturgia católica). Claro que, como contrapunto, y tal vez por no decepcionar en demasía las expectativas del público, se presenta también un villano vampiro en su vertiente más sangrienta y despiadada.

  Resulta igualmente destacable el esfuerzo por dotar de un cierto relieve adulto y más o menos contemporáneo a la historia, a través de los paralelismos fácilmente trazables entre determinados elementos de la misma y nuestra realidad inmediata (me refiero a temas como la corrupción institucional, las pandemias o la manipulación genética). Aunque, sin duda alguna, el elemento más destacable de la película es su acertado diseño de producción, a medio camino entre el futurismo y lo retro, y que, afortunadamente, se integra en las imágenes con una discreción y sobriedad de la que ya podrían aprender muchas otras producciones coetáneas que acaban apostando todas sus cartas a la baza de la infografía desmedida.

Aun con todo, "La criatura perfecta" se topa con un serio (y decisivo) obstáculo a la hora de jugar con las herramientas escogidas. Y no es otro que la incapacidad de insuflar de vida a una historia que siempre nos parece demasiado obvia, demasiado acartonada, y a unas imágenes que, pese a la tentativa del montaje (a veces más próximo a la confusión pura y dura que al nervio), se quedan en una atonidad fría e impersonal. Poco importa que se pretenda introducir una gran historia de amor imposible cuando la nula química entre sus protagonistas poco hace por dar alguna credibilidad a la misma. Y de igual modo, que el guionista se empeñe en grapar unos cuantos traumas a los personajes no significa necesariamente que les vaya a dar un mayor relieve dramático, como ciertamente no ocurre.

  Así, y quizás muy a su pesar, la cinta se queda en la enésima revisión de la proverbial lucha entre el Bien y el Mal. Un producto correcto, pero más bien tirando a mediocre, rodado con moderado oficio pero sin demasiada pasión, ni siquiera en sus escenas de acción. Un pequeño cómic pulp resuelto de forma bastante torpe, sobre todo en sus veinte minutos finales, pero sin duda interesante como un “pudo haber sido”.

 

Via Labutaca.net

Caramel

Título original:    Caramel
Año:    2007
Duración:    96 min.
Nacionalidad:    Líbano, Francia
Género:    Drama

Sinópsis

En Beirut, cinco mujeres coinciden habitualmente en un salón de belleza, un microcosmos lleno de colorido y sensualidad en el que varias generaciones se encuentran, hablan y se hacen confidencias. Layal ama a Rabih, pero Rabih está casado. Nisrin es musulmana y su próximo matrimonio plantea un problema: ella no es virgen. Rima está atormentada por la atracción que siente por las mujeres y vive al ritmo de las visitas de una bella cliente de largos cabellos. Yamal se niega a envejecer. Rose ha sacrificado su vida para ocuparse de su hermana mayor. En el salón de belleza, los hombres, el sexo y la maternidad se sitúan en el centro de sus conversaciones íntimas y liberadas, entre cortes de pelo y depilación con una pasta caramelizada de azúcar, agua y limón.

Nota de la directora

Libertad escondida

Si tuviera que resumir esta película diría que es la historia de cinco mujeres libanesas, cinco amigas de distintas edades que o bien porque trabajan allí o bien porque acuden a él, se reúnen en un salón de belleza en Beirut. Y podría añadir que, en ese mundo tan típicamente femenino, estas mujeres, que sufren la hipocresía de un sistema oriental ante la modernidad occidental, se ayudan mutuamente con los problemas que encuentran en relación con los hombres, el amor, el matrimonio y el sexo. Hoy en día, en esa parte del mundo, Líbano aparece como ejemplo de una sociedad abierta, libre y emancipada. Pero eso no siempre es cierto, porque detrás de esa fachada seguimos sujetos a muchas coacciones, al miedo permanente a las miradas de los demás y a los juicios que hagan sobre nosotros. En este contexto, las mujeres libanesas se consumen por el remordimiento y la culpa. En la peluquería y salón de belleza, mis heroínas se sienten a salvo, porque es un lugar en el que, aunque se las ve desde un ángulo muy íntimo, nunca se las juzga. La mujer que nos depila nos ve desnudas, en todo el sentido de la palabra, porque es un momento en el que no podemos engañar, y poco a poco le hablamos de nuestra vida, de nuestros miedos, de nuestros planes, de nuestros amores, etcétera.

Caramelo

El título hace referencia al producto que se utiliza en Próximo Oriente para la depilación y que consiste en una mezcla de azúcar, zumo de limón y agua, que hay que hervir hasta que se vuelve caramelo. A continuación se extiende esta mezcla sobre una superficie de mármol para enfriarla un poco, y seguidamente se convierte en una pasta que se utiliza para depilar. Pero también CARAMEL sugiere la idea de lo azucarado y lo salado, de lo amargo y lo dulce, del azúcar delicioso que puede quemar y hacer daño.

Los personajes

Estuve dudando mucho tiempo combinar la dirección y la interpretación en mi primera película, porque, aunque me atraía la idea de actuar, tenía miedo de que pudiera afectar a la película. Afortunadamente, me decidí a asumir el riesgo porque eso me permitió dirigir las escenas desde el interior de las mismas. Como las intérpretes no eran actrices, podía estar cerca de ellas al máximo, sobre todo porque, como quería que cada una de ellas conservara su propia forma de hablar, yo no les había dado diálogos para que se los memorizaran. Yo buscaba mujeres que en la vida real fueran como sus personajes. Tenía una idea muy clara del físico y la personalidad de cada una de ellas, de las palabras que usarían. Tuve que buscarlas por las calles, en las tiendas, en casas de amigas... Eso llevó algún tiempo, pero el resultado es que se ajustan a sus personajes. Layal, el personaje que interpreto, es la propietaria del salón de belleza, una mujer joven, de treinta años, cristiana, que sigue viviendo con sus padres, al igual que casi todas las jóvenes que no están casadas en Líbano. A través de las joyas que lleva, se ve su amor por la Santa Virgen y, por su vocabulario, que se siente muy apegada a su religión. Es un claro ejemplo de contradicción: por un lado, su familia, a la que ella no quiere decepcionar, y su religión, un abrigo protector, y, por otro lado, un hombre del que ella depende totalmente y que representa lo prohibido y la transgresión.

Nisrin es una mujer musulmana de 28 años, amiga de Layal, que trabaja como peluquera en el salón de belleza. Está a punto de casarse con un musulmán que no sabe que ella ya no es virgen, y esto supone un gran problema para Nisrin. Yasmine Al Masri, que la interpreta, no es actriz: nació en Líbano, y es hija de una egipcia y un palestino. Es una buena amiga, a la que conocí en París, donde ella está estudiando Bellas Artes y danza oriental. Todo su trabajo, su misma lucha, se desarrolla en torno al cuerpo femenino. Nadie más que ella podía ser Nisrin.

Rima es una chica de 24 años que lava cabezas en la peluquería. Callada e introvertida, no es tan voluptuosa y coqueta como las demás. Rima se está buscando a sí misma. Poco a poco, descubrimos que siente inclinación por las mujeres. ¿Pero ella es realmente consciente de ello? Joanna Moukarzel, que la interpreta, es directiva en una gran compañía de suministros eléctricos. Me convenció y me conquistó enseguida por su lado espontáneo y vibrante.

Yamal, la cliente, es amiga de todas las chicas que trabajan en el salón de belleza. No sabemos con exactitud ni su edad ni su religión. Le da tanto miedo envejecer que intenta por todos los medios ocultar que está en la menopausia. Yamal sólo vive de apariencias. En mi país, muchas mujeres se encuentran en esta situación porque en la existencia de la mujer libanesa es muy importante la seducción. Yamal quiere ser actriz porque, tras haber consagrado su vida a sus hijos, quiere brillar y existir, sobre todo cuando descubre que su marido la ha dejado por una mujer más joven que ella. Interpreta este papel Gisèle Aouad, que trabaja como secretaria de dirección y que tiene una personalidad generosa y extravertida que se corresponde bien con su papel.

Rose es una cristiana de 65 años que vive junto al salón de belleza y que conoce bien a todas las chicas. Nunca se ha casado porque ha consagrado su vida a cuidar de su hermana. Cuando conoce a Charles, deja pasar el amor, sin duda por sentido de sacrificio, pero también por autocensura. En Líbano, cuando se es viuda, divorciada o "solterona", no se tiene derecho de enamorarse pasada cierta edad. De lo contrario nos volvemos ridículos y avergonzamos a nuestros allegados. En esta sociedad cerrada, la culpabilidad surge de un apego demasiado fuerte a la familia y a la religión, sea ésta la que sea. Sihame Haddad, que encarna a Rosa, es un ama de casa. Me atrajo de inmediato su personalidad, muy conmovedora a pesar de su reserva.

Para el personaje de Lili, la hermana mayor de Rose, me inspiré en una mujer cuya historia me contaron. Cuando era muy joven se enamoró de un oficial francés que, cuando dejó Líbano le escribió todos los días, pero sus cartas fueron interceptadas por la familia de ella. Cuando lo descubrió, era demasiado tarde. Desde entonces, ella ha estado buscando esas cartas por todas partes... Lili es una solterona un poco loca que recoge todo lo que se parece a un papel.

Aziza Semaan, que interpreta este papel debe de tener 85 años. Yo estaba desesperada pensando que no iba a encontrar a nadie, cuando la vi en una calle un Viernes Santo. Inmediatamente me dije que era la Lili que yo estaba buscando. Es una cristiana que sólo habla árabe y, en la vida real, es, al mismo tiempo, muy tranquila y muy divertida. En cuanto a la bella y misteriosa mujer que aparece de cuando en cuando y cuyo nombre no sabemos es el ejemplo perfecto de la mujer perfecta, como surgida de los anuncios de los años sesenta en Estados Unidos, el ama de casa y la mujer que encarna el estereotipo de la mujer ideal. Pero pronto nos damos cuenta de que se siente increíblemente frustrada, como muchas mujeres libanesas que dejan atrás su verdadera personalidad para conformar la imagen que se espera de ellas.

Entre esta mujer y Rima, surge una auténtica atracción. Interpreta este papel Siham Fatmeh Safa, una mujer musulmana chií, casada a los trece años y que ahora vive sola. Ella tiene ese aire de misterio que yo necesitaba dar a ese personaje. En general, las mujeres libanesas están obsesionadas por su apariencia, están buscando su identidad entre la imagen de la mujer occidental y la de la mujer oriental... La mujer libanesa siempre tiene la impresión de tener que robar sus instantes de felicidad, la sensación de que tiene que luchar para vivir como quiere, y cuando lo consigue se siente culpable. Yo misma, que soy independiente y que ejerzo el oficio que me gusta, tal y como me gusta, me siento condicionada en lo más profundo de mi ser por las tradiciones, la educación y la religión. La mujer libanesa, tanto la musulmana como la cristiana, vive en una contradicción entre lo que es, entre lo que desea ser y lo que se le permite ser.

La música

Khaled Mouzanar, el autor de la música me conoce muy bien... ¡va a ser mi marido! Autor y compositor, ha sacado su primer álbum de canciones francesas (en Naïve). Su música siempre me ha evocado imágenes. Khaled tiene un universo muy particular, pero sabe ponerse al servicio de un guión y de una historia. Ha vivido conmigo toda la aventura de hacer la película y yo no tenía que explicarle nada para que entendiera lo que quería. Hice que oyera las canciones que me hacen soñar y él ha logrado esa mezcla difícil entre la música oriental y la occidental que funciona muy bien en CARAMEL. Gracias a él, la música es un auténtico personaje.

La guerra

Cuando acabó la guerra [la guerra civil entre facciones cristianas y musulmanas del país, con intervenciones de Siria e Israel, que se desarrolló entre 1975 y 1990], en 1990, yo tenía 17 años y, al hacer esta película, me planteé contar una historia que mirara hacia el futuro y no hacia atrás. Formo parte de una generación que quiere hablar de otras cosas, de historias de amor, por ejemplo, más en relación con nuestros sentimientos y experiencias que con la guerra. Se había visto, analizado, revisado y desmenuzado tanto los acontecimientos, que yo tenía la necesidad de no hablar de ellos. Por desgracia, ocho días después del final del rodaje, tuvimos que revivir unos acontecimientos dramáticos.

Entonces tuve un sentimiento de culpabilidad muy fuerte: ¿qué pintaba esa película que habla de mujeres, del amor y de la amistad? Para mí, el cine debería tener una misión y ayudar a cambiar las cosas, pero ¿qué podía aportar o cambiar mi película? Estuve tentada de abandonarlo todo, pero al final me dije que CARAMEL es una forma de sobrevivir a la guerra, de superarla, de ganarla. Es mi revuelta personal y mi compromiso, así que, si tuviera que escribir esta película hoy día, la haría igual. En Líbano todo se ha convertido en un acto político, la política ha penetrado hasta en la intimidad de nuestra vida...

Yo creía que me había escapado pero la realidad de la guerra me ha atrapado. En la actualidad, con las tensiones que reinan en Líbano, CARAMEL aporta un mensaje: a pesar de la oposición entre las distintas religiones, reactivadas por esta guerra, lo natural es que cohabiten y coexistan. Al menos es como pienso que habría que vivir.

 

Via todocine.com