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jueves, 31 de enero de 2008

THE UNGODLY (INHUMANO)

the_ungodly_cartel Dirección: Thomas C. Dunn.
Países:
España y USA.
Año: 2007.
Duración: 95 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Wes Bentley (Mickey Gravatski), Mark Borkowski (Lemac), Joanne Baron (Megan), Albert López Murtra (Gino), Marina Gatell (Jennifer), Beth Grant (Emma Lemac), Kenny Johnson (oficial Murphy), Marcia Haufrecht (Klara).
Guión: Thomas C. Dunn y Mark Borkowski.
Producción: Norbert Llaràs, Jordi Rediu y Yan Fisher-Romanowski.
Música: Carles Cases.
Fotografía: Paco Femenía.
Montaje: Alberto de Toro y Andrea Zondler.
Diseño de producción: Clarissa Shanahan.
Vestuario: Sasha Bliss y Maron Reese.
Estreno en España: 25 Enero 2008.

El próximo 23 de noviembre llegará a nuestras pantallas The Ungodly, un sobrecogedor thriller dirigido por el norteamericano Thomas C. Dunn en su debut cinematográfico, que narra el escalofriante encuentro entre Mickey, un joven y ambicioso cineasta obsesionado con grabar un documental que le haga famoso, y Lemac, un asesino en serie que se convertirá en objeto de su obra y en su peor pesadilla.

La productora catalana ZIP Films, liderada por Jordi Rediu y Norbert Llaras, en su línea de apertura e integración con el mercado independiente extranjero, se embarca con The Ungodly en un nuevo y prometedor proyecto internacional que cuenta como protagonistas con los no menos sugestivos: el joven Wes Bentley, que ya despuntó como actor en la que fuera ganadora de un Oscar, American Beauty (1999), y el dramaturgo Mark Borkowski que además de ser co-guionista de la cinta, pasará con The Ungodly a engrosar la lista de los más famosos 'Serial Killers' de ficción.

SINOPSIS

Intentar comprender la mente de un asesino es una tarea demasiado peligrosa que no amedrenta a Mickey (Wes Bentley), un joven cineasta que busca realizar la obra de su vida a muy temprana edad. Tras grabar en directo uno de los asesinatos de Lemac (Mark Borkowski), un asesino en serie buscado por la policía, Mickey chantajeará al psicópata para que acceda a ser el protagonista de un docudrama sobre su propia vida.

 

Via Labutaca y cifi)

martes, 29 de enero de 2008

John Rambo

 john_rambo
Titulo: John Rambo
Titulo Original: Rambo
Género: Acción, Drama, Thriller
Nacionalidad: USA
Año: 2007
Director: Sylvester Stallone
Guion: Sylvester Stallone
Reparto: Sylvester Stallone, Julie Benz, Paul Schulze, Matthew Marsden, Graham McTavish, Ken Howard, Rey Gallegos, Tim Kang, Jake La Botz

Sinopsis:  Cuarta entrega de Rambo. Veinte años después de la última entrega, John Rambo (Sylvester Stallone) se ha retirado al norte de Tailandia donde trabaja en una lancha por el Río Salween. En la cercana frontera entre Tailandia y Birmania, en Myanmar, el conflicto entre birmanos y karennis, la guerra civil más larga en toda la historia del mundo, lleva durando ya 60 años. Sin embargo, Rambo, quien lleva una vida solitaria en la jungla que cubre las montañas, pescando y cazando serpientes venenosas que luego vende, hace tiempo que ha abandonado el combate, aunque por su lado pasan médicos, rebeldes y refugiados camino de las tierras asoladas por la guerra.gal1254_5

Todo eso cambia cuando un grupo de misioneros está buscando al “guía americano del río”. Cuando Sarah (Julie Benz) y Michael Bennett (Paul Schulze) se acercan a Rambo, le explican que desde la expedición del año pasado a los campos de refugiados, los john-rambo-poster militares birmanos han diseminado minas de tierra a lo largo de los senderos, haciéndolos extremadamente peligrosos para los desplazamientos terrestres. Le piden que les guíe Río Salween arriba y les deje donde puedan entregar suministros médicos, alimentos y biblias a la gente karenni perseguida. Pese a negarse inicialmente a penetrar en Birmania, Rambo acaba aceptando llevarles y dejarles, a Sarah, Michael y otros colegas de la misión de auxilio, en un lugar determinado. 

gal1254_7Apenas dos semanas después, el pastor Arthur Marsh (Ken Howard) se cruza con Rambo y le informa de que los misioneros no han regresado. Ha hipotecado su casa y recogido dinero de los feligreses de su iglesia para contratar a un grupo de mercenarios (Graham Mctavish, Matthew Marsden, Tim Kang, Rey Gallegos, Jake La Botz) y así procurar el retorno. Rambo le pregunta si los misioneros están aún vivos, a lo que Marsh responde que se les ha visto cautivos en un campo del ejército birmano. Aunque el rechazo a la violencia y el conflicto se hacen evidentes en la actitud de Rambo, éste también sabe que debe ayudar, y accede a llevar a los mercenarios río arriba adentrándose en la zona de guerra desvastada. Lo que sigue va a ser un descenso a los infiernos.

Via estrenosdecine.net

lunes, 28 de enero de 2008

Hacia rutas salvajes - Into the Wild

3527 Título: Hacia rutas salvajes
Título original: Into the Wild
País: USA
Estreno en USA: 21/09/2007
Estreno en España: 25/01/2008
Productora: Paramount Vantage
Director: Sean Penn
Guión: Sean Penn
Reparto: Emile Hirsch, Vince Vaughn, Marcia Gay Harden, William Hurt

Sinopsis
Basada en el bestseller de Jon Krakauer, basado en hechos reales. Narra los últimos dos años de vida de Christopher McCandles, un joven de 24 años que tras graduarse en la Universidad Emory de Atlanta y donar a Oxfam los 24000 dólares que tenía para estudiar derecho, decidió renunciar a todas las comodidades de la vida moderna y emprender un viaje que lo llevaría al monte McKinley, en Alaska.


1413 Hacia rutas salvajes

Desde el momento en que leyó el libro de Jon Krakauer, "Hacia rutas salvajes", Sean Penn tuvo clara su intención de llevarlo al cine, "La historia me pareció imborrable, muy cinematográfica gracias a los personajes y al paisaje", ha declarado el actor y director, que cayó fascinado por la epopeya de Christopher McCandless (interpretado por Emile Hirsch), un joven que con 22 años decidió romper con su cómoda vida burguesa y un futuro brillante para emprender un viaje físico y personal que le llevaron a perder la vida, dos años después, en un autobús en Alaska. Sin embargo, Penn tuvo que aplazar su proyecto durante una década, el tiempo necesario para que la familia de McCandless estuviera preparada para vender los derechos.th-photo_hi_5751

Penn, responsable también del guión, explica cómo fue el proceso: "Me senté y empecé a escribir sin volver a leer el libro, y habían pasado diez años desde la primera vez. Escribí lo que tenía en la cabeza. Luego volví a leerlo y descubrí que Jon había hecho un buen trabajo porque estaba todo en el libro. Antes de empezar la segunda versión -continúa-, recorrí los lugares donde había ido Chris y conocí a algunas de las personas con las que se había cruzado. Fue otra forma de enriquecer la historia". Una de estas personas fue Wayne Westerberg, a quien Chris conoció en Dakota del Sur, que ha ejercido durante el rodaje como asesor y conductor de Penn, y cuyo personaje ha sido llevado a la pantalla por Vince Vaughn.
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Krakauer, que confiesa escribió el libro -convirtiendo la historia de Chris en "un drama desgarrador del anhelo humano", según The New York Times- porque se sintió identificado con él -"era un joven testarudo e impetuoso con un corazón puro que no transigía. Tenía ideales muy elevados y una gran rectitud moral"-, reconoce sus dudas iniciales sobre la adaptación del texto al cine. Dudas que se disiparon cuando vio el filme. "Dejará huella en los espectadores. Nada está mascado. Es una película intensa, impresiona y plantea interrogantes".

viernes, 25 de enero de 2008

Área de Descanso (Raw Feed) (2006)

reststop TÍTULO ORIGINAL
Rest Stop
DIRECTOR
John Shiban
REPARTO
Jaimie Alexander, Joey Mendicino, Deanna Russo, Diane Salinger, Michael Childers
AÑO: 2006   FECHA DE ESTRENO: 20/02/2007 (DVD)
NACIONALIDAD: USA

Jess y Nicole viajan por carretera hacía el glamuroso Hollywood. Pero en realidad van camino al infierno. 

142224__rest_stop_lCuando la pareja para en un área de descanso abandonada, Jess desaparece. Y de pronto, otra persona aparece en su lugar alguien con un demente sentido del humor, un taladro, pistolas de grapas, cuchillas y todos afilados y desgarrantes herramientas necesarias para cortar la madera, metales ... o incluso personas.

El terror reina en "Área de descanso", la primera película de la serie Raw Feed, la nueva marca de películas de terror, ciencia ficción y thriller.

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jueves, 24 de enero de 2008

LA CRIATURA PERFECTA (Perfect creature)

perfect_creature-1 Dirección y guión: Glenn Standring.
Países: Reino Unido y Nueva Zelanda.
Año: 2006.
Duración: 90 min.
Género: Acción, fantástico, terror.
Interpretación: Dougray Scott (Silus), Saffron Burrows (Lilly), Leo Gregory (Edgar), Scott Wills (Jones), Stuart Wilson (Augustus), Craig Hall (Dominic), Robbie Magasiva (Frank), Lauren Jackson (Steph), Peter McCauley (profesor Liepsky), Stephen Ure (Freddy).
Producción: Tim Sanders, Russell Fischer, Haneet Vaswani, Michael Cowan y Jason Piette.
Música: Anne Dudley.
Fotografía: Leon Narbey.
Montaje: Christopher Blunden.
Diseño de producción: Phil Ivey.
Vestuario: Kirsty Cameron.
Estreno en España: 18 Enero 2008.

SINOPSIS

Hace tres siglos, en un mundo similar al nuestro, un alquimista italiano descubrió accidentalmente los secretos de la ciencia genética. Al hacerlo, el alquimista desencadenó una oleada de virulentas enfermedades contra las que la raza humana lucha todavía. Otra consecuencia de estos experimentos fue la creación accidental de una nueva raza de personas: los Hermanos, resultante de una mutación genética provocada por un virus y que sólo se manifiesta en los varones. Los Hermanos son seres superiores, física y mentalmente, que se han convertido en los guardianes de la ciencia genética y se han dedicado a mantener a buen recaudo el peligro potencial que encierra esa ciencia. Los Hermanos también ayudan a la Humanidad a combatir las enfermedades que periódicamente asolan el planeta. Se trata de una relación simbiótica, pues a cambio de su compromiso de preservar la vida humana, los Hermanos sólo piden a la Humanidad una cosa: su sangre. Los Hermanos son vampiros, no de la clase de vampiros que alimenta el mito europeo, sino unas criaturas vivientes de carne y hueso, quizás el próximo eslabón de la cadena de la evolución. Entonces surge un problema que amenaza con destruir esta armonía. Uno de los Hermanos ha hecho algo que ningún otro había hecho jamás: cazar seres humanos.

 

criatura1-1 CRÍTICA por Javier Quevedo Puchal

  Con casi dos años de retraso desde su primera exhibición en el Festival de Cine Fantástico de Amsterdam, llega a nuestras carteleras el último trabajo de Glenn Standring, "La criatura perfecta", un título que, inconscientemente, juega de forma temeraria con el autocontrol de la prensa especializada a la hora de redactar titulares. Y es que, sin llegar a ser un dechado de pasos en falso e imperfecciones, lo cierto es que el film que nos ocupa dista mucho de ser siquiera una obra notable (ya no digo redonda).

La idea de base nos emplaza a la década de 1960 de un universo alternativo, en el que humanos y vampiros conviven como dos razas hermanadas, que se necesitan mutuamente por diversas razones. Pero cuando uno de los vampiros comienza a cazar humanos para alimentarse de su sangre “ilícitamente”, de pronto la situación de equilibrio entre ambas razas se pone en peligro. Unidos en estrecha colaboración, Silus (Dougray Scott), uno de los vampiros, y Lilly (Saffron Burrows), una policía humana, tratarán de dar captura al elemento rebelde antes de que la noticia trascienda de forma aún más dramática.

  Podríamos defender que el de Standring es más un film de ideas que de realidades. O, más concretamente, un film de ideas interesantes, pero que nunca acaban de cuajar ni, por consiguiente, de llegar a buen puerto. La primera de ellas es, al menos a simple vista y desde una perspectiva meramente genérica, el interés por rescatar la figura del vampiro en su vertiente más romántica, más decimonónica y posiblemente menos popular a día de hoy, y llevarla a un nuevo nivel de probabilidad que trasciende la pirotecnia de propuestas más o menos afines como "Underworld", sin ir más lejos (ahí tenemos la rudimentariamente civilizada manera de succionar la sangre con tubos de goma, una pequeña ceremonia que en algunos momentos marca paralelismos más que obvios con la liturgia católica). Claro que, como contrapunto, y tal vez por no decepcionar en demasía las expectativas del público, se presenta también un villano vampiro en su vertiente más sangrienta y despiadada.

  Resulta igualmente destacable el esfuerzo por dotar de un cierto relieve adulto y más o menos contemporáneo a la historia, a través de los paralelismos fácilmente trazables entre determinados elementos de la misma y nuestra realidad inmediata (me refiero a temas como la corrupción institucional, las pandemias o la manipulación genética). Aunque, sin duda alguna, el elemento más destacable de la película es su acertado diseño de producción, a medio camino entre el futurismo y lo retro, y que, afortunadamente, se integra en las imágenes con una discreción y sobriedad de la que ya podrían aprender muchas otras producciones coetáneas que acaban apostando todas sus cartas a la baza de la infografía desmedida.

Aun con todo, "La criatura perfecta" se topa con un serio (y decisivo) obstáculo a la hora de jugar con las herramientas escogidas. Y no es otro que la incapacidad de insuflar de vida a una historia que siempre nos parece demasiado obvia, demasiado acartonada, y a unas imágenes que, pese a la tentativa del montaje (a veces más próximo a la confusión pura y dura que al nervio), se quedan en una atonidad fría e impersonal. Poco importa que se pretenda introducir una gran historia de amor imposible cuando la nula química entre sus protagonistas poco hace por dar alguna credibilidad a la misma. Y de igual modo, que el guionista se empeñe en grapar unos cuantos traumas a los personajes no significa necesariamente que les vaya a dar un mayor relieve dramático, como ciertamente no ocurre.

  Así, y quizás muy a su pesar, la cinta se queda en la enésima revisión de la proverbial lucha entre el Bien y el Mal. Un producto correcto, pero más bien tirando a mediocre, rodado con moderado oficio pero sin demasiada pasión, ni siquiera en sus escenas de acción. Un pequeño cómic pulp resuelto de forma bastante torpe, sobre todo en sus veinte minutos finales, pero sin duda interesante como un “pudo haber sido”.

 

Via Labutaca.net

miércoles, 23 de enero de 2008

Caramel

caramel_2007,0 Título original:    Caramel
Año:    2007
Duración:    96 min.
Nacionalidad:    Líbano, Francia
Género:    Drama

Sinópsis

En Beirut, cinco mujeres coinciden habitualmente en un salón de belleza, un microcosmos lleno de colorido y sensualidad en el que varias generaciones se encuentran, hablan y se hacen confidencias. Layal ama a Rabih, pero Rabih está casado. Nisrin es musulmana y su próximo matrimonio plantea un problema: ella no es virgen. Rima está atormentada por la atracción que siente por las mujeres y vive al ritmo de las visitas de una bella cliente de largos cabellos. Yamal se niega a envejecer. Rose ha sacrificado su vida para ocuparse de su hermana mayor. En el salón de belleza, los hombres, el sexo y la maternidad se sitúan en el centro de sus conversaciones íntimas y liberadas, entre cortes de pelo y depilación con una pasta caramelizada de azúcar, agua y limón.

Nota de la directora

Libertad escondida

Si tuviera que resumir esta película diría que es la historia de cinco mujeres libanesas, cinco amigas de distintas edades que o bien porque trabajan allí o bien porque acuden a él, se reúnen en un salón de belleza en Beirut. Y podría añadir que, en ese mundo tan típicamente femenino, estas mujeres, que sufren la hipocresía de un sistema oriental ante la modernidad occidental, se ayudan mutuamente con los problemas que encuentran en relación con los hombres, el amor, el matrimonio y el sexo. Hoy en día, en esa parte del mundo, Líbano aparece como ejemplo de una sociedad abierta, libre y emancipada. Pero eso no siempre es cierto, porque detrás de esa fachada seguimos sujetos a muchas coacciones, al miedo permanente a las miradas de los demás y a los juicios que hagan sobre nosotros. En este contexto, las mujeres libanesas se consumen por el remordimiento y la culpa. En la peluquería y salón de belleza, mis heroínas se sienten a salvo, porque es un lugar en el que, aunque se las ve desde un ángulo muy íntimo, nunca se las juzga. La mujer que nos depila nos ve desnudas, en todo el sentido de la palabra, porque es un momento en el que no podemos engañar, y poco a poco le hablamos de nuestra vida, de nuestros miedos, de nuestros planes, de nuestros amores, etcétera.

Caramelo

El título hace referencia al producto que se utiliza en Próximo Oriente para la depilación y que consiste en una mezcla de azúcar, zumo de limón y agua, que hay que hervir hasta que se vuelve caramelo. A continuación se extiende esta mezcla sobre una superficie de mármol para enfriarla un poco, y seguidamente se convierte en una pasta que se utiliza para depilar. Pero también CARAMEL sugiere la idea de lo azucarado y lo salado, de lo amargo y lo dulce, del azúcar delicioso que puede quemar y hacer daño.

Los personajes

Estuve dudando mucho tiempo combinar la dirección y la interpretación en mi primera película, porque, aunque me atraía la idea de actuar, tenía miedo de que pudiera afectar a la película. Afortunadamente, me decidí a asumir el riesgo porque eso me permitió dirigir las escenas desde el interior de las mismas. Como las intérpretes no eran actrices, podía estar cerca de ellas al máximo, sobre todo porque, como quería que cada una de ellas conservara su propia forma de hablar, yo no les había dado diálogos para que se los memorizaran. Yo buscaba mujeres que en la vida real fueran como sus personajes. Tenía una idea muy clara del físico y la personalidad de cada una de ellas, de las palabras que usarían. Tuve que buscarlas por las calles, en las tiendas, en casas de amigas... Eso llevó algún tiempo, pero el resultado es que se ajustan a sus personajes. Layal, el personaje que interpreto, es la propietaria del salón de belleza, una mujer joven, de treinta años, cristiana, que sigue viviendo con sus padres, al igual que casi todas las jóvenes que no están casadas en Líbano. A través de las joyas que lleva, se ve su amor por la Santa Virgen y, por su vocabulario, que se siente muy apegada a su religión. Es un claro ejemplo de contradicción: por un lado, su familia, a la que ella no quiere decepcionar, y su religión, un abrigo protector, y, por otro lado, un hombre del que ella depende totalmente y que representa lo prohibido y la transgresión.

Nisrin es una mujer musulmana de 28 años, amiga de Layal, que trabaja como peluquera en el salón de belleza. Está a punto de casarse con un musulmán que no sabe que ella ya no es virgen, y esto supone un gran problema para Nisrin. Yasmine Al Masri, que la interpreta, no es actriz: nació en Líbano, y es hija de una egipcia y un palestino. Es una buena amiga, a la que conocí en París, donde ella está estudiando Bellas Artes y danza oriental. Todo su trabajo, su misma lucha, se desarrolla en torno al cuerpo femenino. Nadie más que ella podía ser Nisrin.

Rima es una chica de 24 años que lava cabezas en la peluquería. Callada e introvertida, no es tan voluptuosa y coqueta como las demás. Rima se está buscando a sí misma. Poco a poco, descubrimos que siente inclinación por las mujeres. ¿Pero ella es realmente consciente de ello? Joanna Moukarzel, que la interpreta, es directiva en una gran compañía de suministros eléctricos. Me convenció y me conquistó enseguida por su lado espontáneo y vibrante.

Yamal, la cliente, es amiga de todas las chicas que trabajan en el salón de belleza. No sabemos con exactitud ni su edad ni su religión. Le da tanto miedo envejecer que intenta por todos los medios ocultar que está en la menopausia. Yamal sólo vive de apariencias. En mi país, muchas mujeres se encuentran en esta situación porque en la existencia de la mujer libanesa es muy importante la seducción. Yamal quiere ser actriz porque, tras haber consagrado su vida a sus hijos, quiere brillar y existir, sobre todo cuando descubre que su marido la ha dejado por una mujer más joven que ella. Interpreta este papel Gisèle Aouad, que trabaja como secretaria de dirección y que tiene una personalidad generosa y extravertida que se corresponde bien con su papel.

Rose es una cristiana de 65 años que vive junto al salón de belleza y que conoce bien a todas las chicas. Nunca se ha casado porque ha consagrado su vida a cuidar de su hermana. Cuando conoce a Charles, deja pasar el amor, sin duda por sentido de sacrificio, pero también por autocensura. En Líbano, cuando se es viuda, divorciada o "solterona", no se tiene derecho de enamorarse pasada cierta edad. De lo contrario nos volvemos ridículos y avergonzamos a nuestros allegados. En esta sociedad cerrada, la culpabilidad surge de un apego demasiado fuerte a la familia y a la religión, sea ésta la que sea. Sihame Haddad, que encarna a Rosa, es un ama de casa. Me atrajo de inmediato su personalidad, muy conmovedora a pesar de su reserva.

Para el personaje de Lili, la hermana mayor de Rose, me inspiré en una mujer cuya historia me contaron. Cuando era muy joven se enamoró de un oficial francés que, cuando dejó Líbano le escribió todos los días, pero sus cartas fueron interceptadas por la familia de ella. Cuando lo descubrió, era demasiado tarde. Desde entonces, ella ha estado buscando esas cartas por todas partes... Lili es una solterona un poco loca que recoge todo lo que se parece a un papel.

Aziza Semaan, que interpreta este papel debe de tener 85 años. Yo estaba desesperada pensando que no iba a encontrar a nadie, cuando la vi en una calle un Viernes Santo. Inmediatamente me dije que era la Lili que yo estaba buscando. Es una cristiana que sólo habla árabe y, en la vida real, es, al mismo tiempo, muy tranquila y muy divertida. En cuanto a la bella y misteriosa mujer que aparece de cuando en cuando y cuyo nombre no sabemos es el ejemplo perfecto de la mujer perfecta, como surgida de los anuncios de los años sesenta en Estados Unidos, el ama de casa y la mujer que encarna el estereotipo de la mujer ideal. Pero pronto nos damos cuenta de que se siente increíblemente frustrada, como muchas mujeres libanesas que dejan atrás su verdadera personalidad para conformar la imagen que se espera de ellas.

Entre esta mujer y Rima, surge una auténtica atracción. Interpreta este papel Siham Fatmeh Safa, una mujer musulmana chií, casada a los trece años y que ahora vive sola. Ella tiene ese aire de misterio que yo necesitaba dar a ese personaje. En general, las mujeres libanesas están obsesionadas por su apariencia, están buscando su identidad entre la imagen de la mujer occidental y la de la mujer oriental... La mujer libanesa siempre tiene la impresión de tener que robar sus instantes de felicidad, la sensación de que tiene que luchar para vivir como quiere, y cuando lo consigue se siente culpable. Yo misma, que soy independiente y que ejerzo el oficio que me gusta, tal y como me gusta, me siento condicionada en lo más profundo de mi ser por las tradiciones, la educación y la religión. La mujer libanesa, tanto la musulmana como la cristiana, vive en una contradicción entre lo que es, entre lo que desea ser y lo que se le permite ser.

La música

Khaled Mouzanar, el autor de la música me conoce muy bien... ¡va a ser mi marido! Autor y compositor, ha sacado su primer álbum de canciones francesas (en Naïve). Su música siempre me ha evocado imágenes. Khaled tiene un universo muy particular, pero sabe ponerse al servicio de un guión y de una historia. Ha vivido conmigo toda la aventura de hacer la película y yo no tenía que explicarle nada para que entendiera lo que quería. Hice que oyera las canciones que me hacen soñar y él ha logrado esa mezcla difícil entre la música oriental y la occidental que funciona muy bien en CARAMEL. Gracias a él, la música es un auténtico personaje.

La guerra

Cuando acabó la guerra [la guerra civil entre facciones cristianas y musulmanas del país, con intervenciones de Siria e Israel, que se desarrolló entre 1975 y 1990], en 1990, yo tenía 17 años y, al hacer esta película, me planteé contar una historia que mirara hacia el futuro y no hacia atrás. Formo parte de una generación que quiere hablar de otras cosas, de historias de amor, por ejemplo, más en relación con nuestros sentimientos y experiencias que con la guerra. Se había visto, analizado, revisado y desmenuzado tanto los acontecimientos, que yo tenía la necesidad de no hablar de ellos. Por desgracia, ocho días después del final del rodaje, tuvimos que revivir unos acontecimientos dramáticos.

Entonces tuve un sentimiento de culpabilidad muy fuerte: ¿qué pintaba esa película que habla de mujeres, del amor y de la amistad? Para mí, el cine debería tener una misión y ayudar a cambiar las cosas, pero ¿qué podía aportar o cambiar mi película? Estuve tentada de abandonarlo todo, pero al final me dije que CARAMEL es una forma de sobrevivir a la guerra, de superarla, de ganarla. Es mi revuelta personal y mi compromiso, así que, si tuviera que escribir esta película hoy día, la haría igual. En Líbano todo se ha convertido en un acto político, la política ha penetrado hasta en la intimidad de nuestra vida...

Yo creía que me había escapado pero la realidad de la guerra me ha atrapado. En la actualidad, con las tensiones que reinan en Líbano, CARAMEL aporta un mensaje: a pesar de la oposición entre las distintas religiones, reactivadas por esta guerra, lo natural es que cohabiten y coexistan. Al menos es como pienso que habría que vivir.

 

Via todocine.com

martes, 22 de enero de 2008

En el Valle de Elah


Título Original: "In the Valley of Elah".
Género: Drama.
País y Año: EE.UU. - 2007.
Dirección: Paul Haggis. . .
Guión: Paul Haggis. Mark Boal. .
Reparto principal:
Tommy Lee Jones Charlize Theron
Jason Patric Susan Sarandon
Jonathan Tucker Brent Briscoe
Joseph Bertot Victor Wolf
James Franco Frances Fisher

Fotografía: . .
Música: Roger Deakins. .
Producción: Paul Haggis. Larry Becsey. Steve Samuels.
Duración: 120 minutos.
Estreno España: 18 de enero de 2008.
Estreno EE.UU.: 14 de septiembre de 2007

Hank Deerfield, un veterano de guerra, se enfrenta a la misión más difícil de su vida cuando su hijo, el soldado Mike Deerfield, desaparece en su primer fin de semana de regreso de Irak. Cuando le comunican la noticia, Hank sale en su busca con la dudosa mediación de Emily Sanders, inspectora policial de la zona donde se vio al joven por última vez. Según avanza el caso, las pruebas apuntan a un crimen, pero la verdad sobre el pasado de Mike en Irak hará que su padre se replantee sus creencias.

Basada en hechos reales, "En el valle de Elah" es un drama sobre una misteriosa desaparición que tiene como telón de fondo la Guerra de Irak. El cineasta Paul Haggis estaba a la espera de un nuevo proyecto después de la oscarizada "Crash" cuando leyó un artículo de Mark Boal en la revista Playboy que llevaba por título "Muerte y Deshonor". Contaba la conmovedora historia de la desaparición de un soldado que había estado en Irak, la posterior investigación de su padre y los efectos de la guerra en la Armada. La idea del filme encontró muchas trabas por su temática, pero el apoyo de Clint Eastwood fue decisivo a la hora de encontrar productora.

El elenco está sustentado por actores de prestigio. Tommy Lee Jones, al que veremos junto a Bardem en la esperada "No es país para viejos", vuelve al tipo de papel en el que se siente cómodo, a medio camino entre el thriller y el drama (U.S. Marshals, El cliente). Junto a él, dos ganadoras de un Oscar como Charlize Theron (Monster) y Susan Sarandon (Pena de muerte). Completan el reparto, Jason Patric (El Alamo, la leyenda), James Franco (Spider-Man 3) y Josh Brolin (American Gangster).

Critica de Álex M. Blanco
No os dejéis engañar por sus dos horas de duración, porque En el valle de Elah son realmente tres películas en una: una que no está mal, otra que es brillante y una tercera que ni lo uno ni lo otro. En primer lugar, es una historia clásica de investigación policial, que incluye típicas batallas jurisdiccionales, tensión en salas de interrogatorios, pequeños milagros deductivos y el tipo de pistas falsas que convierten la resolución de crímenes cinematográficos en algo verdaderamente apasionante.

Pero, mientras nos sumerge en un mundo de drogas y de estrés postraumático que expone la fea verdad oculta tras el fracaso yanqui en Iraq, En el valle de Elah es también, en segundo lugar, la historia acerca de la dolorosa realidad que los padres deben afrontar cuando sus hijos no llegan a ser los hombres que ellos esperaban que fueran o, peor aún, cuando sí llegan a serlo. Es todo un placer contemplar al dispéptico Tommy Lee Jones empezar lentamente a comprender que, independientemente de quién lo matara, su hijo se había convertido en un intolerable malnacido que muy posiblemente merecía lo que tuvo. ¿Trapicheaba con drogas? ¿Abusaba de sus compañeros de pelotón? ¿Torturó a civiles en Iraq? En realidad, no importa. Lo que importa es que el chico llegó a ser el hombre que su padre, militar, hizo de él, y ahora está muerto y su muerte ha salpicado a todo Dios. En esta segunda historia, el director y guionista Paul Haggis regresa al terreno emocional de su primergran triunfo, el guión de Million Dollar Baby, que triunfó exponiendo las pequeñas desilusiones y extrañas salvaciones que la humanidad puede ofrecer.

Si En el valle de Elahse hubiera detenidoahí, contenta con mirar a Jones hundiéndose en lo más profundo de su propia culpa y su desilusión,sería casi brillante. Pero recordad que hablamos de Paul Haggis, y cualquiera que haya visto su primera película, Crash, sabe que Haggis nunca ha encontrado unacausa sociológicasobre la que no quiera pontificar. Así que en lugar de una película limpia acerca de la pena paternanos vemos obligados a sufrir una innecesaria metáfora bíblica bastante inapropiada y un plano final, con bandera americana incluida, que convierte al protagonista en el símbolo hueco de un país en estado de desencanto político.

lunes, 21 de enero de 2008

LOS CRÍMENES DE OXFORD

loscrimenesdeoxfordteaserposteringlDirección: Álex de la Iglesia.
Países: España, Reino Unido y Francia.
Año: 2008.
Duración: 110 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Elijah Wood (Martin), John Hurt (Arthur Seldom), Leonor Watling (Lorna), Julie Cox (Beth), Anna Massey (Sra. Eagleton), Alex Cox (Kalman), Dominique Pinon (Frank), Jim Carter (inspector Petersen).
Guión: Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría; basado en la novela de Guillermo Martínez.
Producción: Gerardo Herrero, Mariela Besuievsky, Álvaro Augustin, Kevin Loader, Frank Ribiere y Verane Frediani.
Música: Roque Baños.
Fotografía: Kiko de la Rica.
Montaje: Alejandro Lázaro.
Diseño de producción: Cristina Casali.
Vestuario: Francisco Delgado.
Estreno en España: 18 Enero 2008.

Una anciana aparece asesinada en el salón de su casa a las afueras de Oxford. Su cuerpo es descubierto por dos hombres que en ese momento se encuentran por primera vez: Arthur Seldom, prestigioso profesor de Lógica; y Martin, un joven estudiante americano recién llegado a la universidad con la intención de que el famoso profesor dirija su tesis doctoral. La muerte de la anciana no es sino el primero de una serie de asesinatos con inquietantes puntos en común.

 

The Oxford MurdersCRÍTICA por José Arce

Ya desde el mismo instante en el que se presentó “Acción mutante” (1993), estaba claro que acababa de llegar a la industria un director que prometía toneladas de cine de calidad. “El día de la bestia” (1995), “La comunidad” (2000),"800 balas" (2002)… Álex de la Iglesia se ha convertido en un realizador clave en el avance del séptimo arte español, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, gracias a un currículo plagado de comedias que no son tales, de narraciones sólidas y consistentes y de guiños cinéfilos y cinéfagos de incontestable calidad. Y ahora da un salto mortal que esquiva con su habitual soltura, a pesar de no ser su mejor obra.

“Los crímenes de Oxford” se centra en las pesquisas de dos personajes contrapuestos pero condenados a entenderse. Por una parte, el descomunal John Hurt se mete en la piel del profesor Arthur Seldom, objeto de los deseos académicos de un joven estudiante norteamericano, Martin (Elijah Wood), ansioso por que el reputado docente ejerza de tutor de su tesis doctoral. Fascinados por el mundo de los números, las cábalas y las formulaciones matemáticas y filosóficas, los caminos de ambos convergen de manera inevitable cuando descubren el cadáver de una anciana asesinada de un modo genial —aparentemente, su muerte se ha producido de manera natural— que esconde un enigmático símbolo que no es sino el punto de partida de la cadena de horribles actos que da título a la película. Estamos ante una propuesta cinematográfica que se engloba en el catálogo de filmes detectivescos clásicos, en el que el espectador juega al lado de los protagonistas para tratar de dilucidar quién es el responsable de lo que acontece. Todos son sospechosos, nadie confía en nadie, y el final —tan válido es el elegido como podría haber sido cualquier otro— oculta una sorpresa para la platea…

  Señalábamos al principio de este comentario que Álex de la Iglesia da un salto mortal con este trabajo. Y es cierto, porque a pesar de que bucea sin temor en los parámetros del cine negro con una capa de sano humor cáustico, estamos ante el que quizá sea su proyecto más formal y ortodoxo, aferrado al plano actoral al cien por cien, a los dobles juegos de diálogos y planos, a las trampas, a los giros de guión, por encima del impacto visual. Ante un planteamiento fiel a los parámetros del género en el que se mueve, sin excesivas complicaciones argumentales ni efectismos grandilocuentes de última hora, todo recae en el enfrentamiento de Seldom y Martin: el primero, de vuelta de todo, cansado de la vida y oculto tras los polvorientos volúmenes que le han dotado de tan vasto —y terrible— conocimiento de la existencia y sus misterios; el segundo, inquieto, confiado en sus posibilidades, dispuesto a comerse el mundo apoyado en su creencia ciega en que todo tiene su significado reflejado en los números y los secretos que ocultan. Entre ambos, la belleza humana y carnal de Lorna (Leonor Watling), esencia del deseo de ambos hombres, que centran sus anhelos en la muchacha desde perspectivas y tácticas tan opuestas y enfrentadas como irresistibles para ella.

Sobre este trío de ases articula el realizador todo el esqueleto de su producción. Y si bien es cierto que la narración flaquea en algunos momentos, nunca llega a caer, y se resuelve con acierto la compleja papeleta de mantener nuestro interés a lo largo de una serie de acontecimientos impecablemente presentados, con algunos momentos realmente soberbios —el larguísimo plano secuencia que conduce al primer asesinato— y regalos visuales que entroncan perfectamente con los trabajos anteriores del cineasta —la narración en off de la espantosa historia de Kalman, hipnótica y delirante, protagonizada por el seminal Alex Cox—. Quizá el más flojo, por lo obvio y un tanto inane de su rol, sea el personaje del inspector de policía, un Jim Carter paternal y en ocasiones simplonamente inverosímil, pero necesario para permitir que esta moderna dupla de Sherlock Holmes —aquí no hay Watson que valga— pueda erigirse en centro y objeto de la investigación criminal. Se agradecen, y mucho, las participaciones de una alucinante Julie Cox de mirada ineludible, y del pequeño gran Dominique Pinon, cuyo rostro irrepetible le convierte inmediatamente en el objetivo de las desconfianzas del público, en lo que puede ser una elección acertada… o no. Afortunadamente, “Los crímenes de Oxford” no cae en el saco de lo predecible, y hasta el último momento no descubriremos realmente qué diabólica mente se encuentra detrás de tan maléfico plan.

(via La Butaca)

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lunes, 14 de enero de 2008

3:10 to Yuma

Reparto: Russell Crowe,  Christian Bale,  Logan Lerman,  Dallas Roberts,  Peter Fonda,  Ben Foster,  Vinessa Shaw,  Alan Tudyk,  Luce Rains,  Gretchen Mol,  Chris Browning,  Johnny Whitworth,  Luke Wilson,  Benjamin Petry

3-10-a-yuma Western. Remake / SINOPSIS: Remake del film de 1957 de Delmer Daves. Arizona, a finales de 1800. El ranchero Dan Evans (Christian Bale), con la aspiración de conseguir una recompensa que alivie sus penurias económicas, decide colaborar en la captura del peligroso forajido Ben Wade (Russell Crowe), reteniéndolo en su rancho hasta que llegue el tren de las 3:10 que le trasladará a prisión. Una misión que pronto se volverá muy violenta.

3:10 to Yuma
Por David Hanono de Univision Online

Russell Crowe haciendo de villano; Christian Bale tratando de recuperar su orgullo y sobrevivir la escasez, pistolas; vaqueros y buena dirección por James Mangold dan forma a la nueva adaptación de 3:10 to Yuma. Qué más podemos pedir del cine cuando tenemos dos de los mejores actores de ahora en la misma pantalla. Para los fanáticos de las películas de vaqueros, 3:10 to Yuma queda como un anillo al dedo.

ayuma-1 El tren del destino

Arizona en los años 1800. Ben Wade (Russell Crowe) y su cuadrilla de psicópatas viven sólo para robar las carretas llevando dinero para el nuevo ferrocarril. Dan Evans (Christian Bale) lucha para mantener su finca y desesperadamente trata de recuperar su orgullo y el respecto de su familia. Para poder recuperar su finca, se presta a ser escolta de Wade; después, de su captura, y asegura su entrega al tren de las 3:10 a la prisión de Yuma. Una misión imposible, con sus secuaces al rescate y peligro en cada momento, lleva a estos dos personajes totalmente distintos a un destino inesperado de respecto mutuo en el camino.

Evans lucha no sólo con lo físico, sino también con sus fantasmas de la guerra civil. Humillado al no poder mantener a su familia y su orgullo como hombre, tiene la única meta de sobrevivir. Al ver quemar su finca, viaja a la ciudad para intentar convencer de cualquier forma a los hipotecarios de su terreno por más tiempo para poder pagar lo que debe. En el camino se enfrenta por primera vez a Wade después del robo de una carreta. En este primer encuentro, Evans no es más que un estorbo para Wade, quien deja que él y sus hijos sigan su rumbo, pero sin sus caballos. Evans rescata a Byron McElroy (Peter Fonda) y sigue en su rumbo hacia la ciudad.

Evans se enfrenta a Wade por segunda vez en el Saloon y le pide compensación por  la pérdida de su ganado y de su tiempo. El y sus hijos capturan a Wade y, por el pago de 200 dólares, se presta para llevarlo al tren de las 3:10 a la prision de Yuma. Con sus destinos en el mismo rumbo, empezamos a conocer más de cada uno de estos personajes.
La necesidad de sobrevivir se impone en Evans. Wade, un sicópata igual que su cuadrilla, mantiene un nivel de control, como si estuviera jugando con la situación. Evans es más prisionero que Wade, aunque no sea quien tiene las esposas puestas. William Evans (Logan Lerman) desobedece a su padre y escapa tras él en este viaje de descubrimiento. Wade cotiza la Biblia, dibuja a lápiz a nivel de maestro y se ve más como una celebridad que un criminal.

El rumbo sigue lleno de peligro, pero Wade deja que lo controlen, aunque en muchos momentos se ve que podría escapar sin mucho problema. Empieza a respetar a Evans, especialmente después que al ofrecerle más dinero del que ha visto en su vida, lo rechaza y sigue con la meta de entregarlo a tiempo al tren de la prisión. Wade toma el control, pero deja que Evans trate de cumplir, con la admiración de un compañero. Pero sólo uno puede llegar al tren vivo.

¿Qué se puede decir de Russell Crowe? Tremendo actor, con una capacidad para cualquier papel y éste es uno más que domina a la perfección. Christian Bale, en mi humilde opinión, es el mejor actor en Hollywood en este momento. Da la impresión de que el papel es un poco menor para un actor de su capacidad. Después de verlo en otros temas como la película The Machinist, no hay nada que no haga bien.
A veces es duro poner en la misma pantalla a dos actores tan grandes: puede ser que la presencia supere la historia. Este no es el caso de 3:10 to Yuma. Bajo la dirección de James Mangold (Walk The Line), mantiene la historia con estilo. La cinematografía está hecha para el Oeste, tomando en cuenta lo rústico sin ahogarla con paisajes pintados para una postal, mantienendo la realidad y a veces enseñando la crueldad de ese tiempo.

3:10 to Yuma es una película que explora muchos temas rodeada con batallas de pistoleros en el Oeste. Tiene sus pequeños problemas con la premisa pero son muy pocos. Para los fanáticos de los vaqueros es muy divertida; para los que quieran ver algo un poco más profundo que los pistoleros a caballo, también hay bastante para ver y analizar. En fin, muy divertida, muy buen actuada y un tiempo de entretenimiento bien invertido.

Con guión de Halsted Welles, Michael Brandt y Derek Haas, 3:10 to Yuma está clasificada R por su violencia y lenguaje.

 

(via: elmulticine.com - univision.com)

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viernes, 4 de enero de 2008

HALLOWEEN, EL ORIGEN

img00695 Título original: Hallowen

Año: 2007

Duración: 109 min.

Nacionalidad: EE.UU.

Género: Terror

COLOR

 

 

 

El autodestructivo Pierre Peders conoce bien la violencia y la atrocidad. Es un conocido reportero de guerra, ha recorrido el mundo y ha visto las peores cosas que se pueden imaginar. No es sorprendente que no le guste nada la idea de entrevistar a Katya, la estrella de la telenovela estadounidense. Nada más conocerse, los dos mundos se enfrentan: el de Pierre, un mundo políticamente serio y preocupado, y el de Katya, el mundo superficial de los famosos. Pero las apariencias engañan. Según se van abriendo, encuentran una conexión más profunda. Cada uno tiene una herida abierta y sufre a su manera. Pero la honestidad lleva a la desilusión. Su confrontación se convierte en una apasionada partida de ajedrez con grandes dosis de ingenio, intriga y tensión sexual que acaba de forma totalmente inesperada.img00610

Sobre la producción

Durante el último viaje que realizó Theo a Norteamérica para ir al Festival de Toronto en 2003, su sueño de rodar una película en Estados Unidos parecía estar a punto de materializarse. Varios productores hablaron con el productor de Interview, Gijs van de Westelaken, acerca de la posibilidad de hacer un remake de Interview en inglés. A pesar de las posibles colaboraciones, Gijs van de Westelaken y Theo van Gogh querían montar el proyecto solos y empezaron a trabajar en la preproducción al volver del festival. INTERVIEW era la película ideal para que Theo realizara su primer intento en tierras estadounidenses. El productor describe la película como "basada en los diálogos y concentrada en la interpretación, realizada en un estilo apresurado y libre".

(via todocine)

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VIAJE A DARJEELING

img00632 Título original: The Darjeeling Limited

Año: 2007

Duración: 91 min.

Nacionalidad: EE.UU.

Género: Comedia Drama

COLOR

Tres hermanos americanos que no se han hablado en un año se embarcan en un viaje en tren por la India con la intención de encontrarse a sí mismos y estrechar lazos entre ellos, para volver a ser los hermanos que siempre fueron. Sin embargo, su "búsqueda espiritual" pronto se aparta de su curso, y al final se encuentran solos en medio del desierto con once maletas, una impresora y una máquina de laminación. En ese momento, de pronto, comienza un nuevo viaje que no estaba en los planes.

 

Sobre la producción

E A DARJEELING proviene de tres intereses de Wes Anderson: los trenes, la India y los hermanos. Anderson ya había retratado las a menudo simultáneamente divertidas y calamitosas vicisitudes de las relaciones amorosas y familiares en un ambiente escolar en RUSHMORE, el hogar de ex genios en LOS TENENBAUMS: UNA FAMILIA DE GENIOS y la vida bajo cubierta de un barco de exploración marina en LIFE AQUATIC.

Ahora con VIAJE A DARJEELING, sitúa la acción de un reencuentro entre tres hermanos separados en el que tal vez sea el sitio más intrigante hasta ahora: a bordo de un tren por los desiertos de Rajastán que lleva a los traumados hermanos por vastas llanuras extrañas, tanto en lo físico como en lo emocional.img00638

"Siempre quise hacer una película en un tren porque me atrae la idea de una localización en movimiento. Así avanza a medida que avanza la acción", cuenta Anderson. "Ya hice una película en un barco".

Los trenes han inspirado a los cineastas desde los primeros días del cine. En 1895, la pionera película de 50 segundos de los hermanos Lumiere LLEGADA DE UN TREN aterrorizó a los espectadores que nunca antes habían visto una imagen lanzada contra ellos. En 1903, Edwin S. Porter creó la primera película narrativa con EL GRAN ROBO A UN TREN. Y desde entonces, desde la sofisticada ASESINATO EN EL ORIENT EXPRESS hasta el caos de QUÉ NOCHE LA DE AQUEL DÍA , los trenes han sido un medio para proyectar cinéticamente a todo tipo de personajes en todo tipo de viajes.

Los trenes que llamaban la atención de Anderson, sin embargo, no era sólo cualquier locomotora, sino los que cruzan el país más vivo alrededor del tren del mundo, la capaz y explosivamente creciente nación de la India, con su excitante tapiz de color y cultura, belleza y absurdo, pobreza y espiritualidad.

Anderson nunca había estado en la India antes de concebir la película, pero durante mucho tiempo había estado enamorado del paisaje que aparecía en la pantalla en algunas de sus películas favoritas, especialmente la visualmente sorprendente EL RÍO, de Jean Renoir, una historia intemporal situada en los bancos del Ganges, y las emocionales películas del maestro indio Satyajit Ray. La idea de trasladar su propia sensibilidad cómicamente agridulce a un mundo tan dispar del suyo propio le intrigaba.

(via todocine)

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