Soy leyenda

Título Soy leyenda

Título original  I Am Legend

Direccción Francis Lawrence

Intérpretes Will Smith - Salli Richardson - Alice Braga - Thomas J. Pilutik

Año 2007
GuiónMark Protosevich, Akiva Goldsman

Robert Neville es un científico que es extrañamente inmune al virus que ha convertido al resto de la humanidad en unas bestias sedientas de sangre. Precisamente su sangre podría ser la clave para salvar a las personas infectadas así que intentará a toda costa protegerla para crear una vacuna. No será fácil seguir con vida. Neville lleva tres largos años deambulando por las calles vacías de Nueva York. Busca comida de día y se refugia de noche, siempre solo y aterrado, huyendo a duras penas de los vampiros que salen cuando cae el sol en busca de sangre.

Comentario

Will Smith ya es leyenda. Es el actor más poderoso de Hollywood según la revista Newsweek, muy por delante de Tom Cruise o Tom Hanks, ganadores de otros años y seguido de Johnny Depp y Ben Stiller. Su última apuesta es Soy leyenda, una revisión y actualización de The Last Man on Earth de 1967 que a su vez se basaba en un clásico de la ciencia ficción escrito por Richard Matheson. El proyecto ha recaído en manos del director Francis Lawrence (Constantine) y junto a Smith podremos ver a Alice Braga, una incipiente estrella brasileña, y Salli Richardson, actriz sobre todo de televisión, como la esposa de Neville. Los derechos de la novela de Richard Matheson están en poder de Warner Bros. desde hace más de 30 años pero ha estado dando tumbos hasta estos momentos; de hecho en principio era Arnold Schwarzenegger quien iba a protagonizarla allá por los 90 de la mano de Ridley Scott (Gladiador), pero problemas con el presupuesto (que se disparaba) dieron al traste con el proyecto. Finalmente Francis Lawrence se ha llevado el gato al agua y a la mayor estrella masculina del momento.

Curiosidades

Will Smith propuso el nombre del mexicano Guillermo del Toro como director de la película, sin embargo el realizador declinó amablemente la oferta.

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Irina Palm

 

Título Irina Palm
Título original Irina Palm

Direccción Sam Garbarski

Intérpretes -Marianne Faithfull - Miki Manojlovic - Kevin Bishop
Siobhan Hewlett

Año2007
Guión Philippe Blasband, Sam Garbarski

A través del agujero

Por Carlos Leal

La historia de Irina Palm gira en torno a un agujero: un gloryhole situado en un sex shop londinense en el que los clientes introducen sus miembros para recibir servicios sexuales en el más absoluto anonimato. Los clientes pagan, la meten, se corren y se van; el director Sam Garbarski no. Sam Garbarski introduce su cámara a través del agujero para narrar la improbable historia de Maggie, una viuda inglesa entrada en los cincuenta que se ve obligada a recurrir a la prostitución para costear los gastos médicos de su nieto, que debe ser sometido a una costosa operación en Australia.

Cuando se parte de una premisa tan extrema, uno se arriesga a descarrilar a cada paso: el sensacionalismo, los excesos melodramáticos, los tópicos sociales de izquierda biempensante y el más absoluto ridículo bordean en todo momento el desarrollo del filme. La soltura con la que casi siempre consigue esquivar cada uno de estos peligros es lo que demuestra que Irina Palm es una película inteligente y merecedora de un análisis reposado.

En realidad, lo que hace que el filme funcione es su tremenda capacidad de reinventarse a cada rato. La presentación nos remite al cine social europeo más rancio: los padres de un niño que sufre una extraña dolencia cardíaca deben resignarse a dejarlo morir porque no tienen dinero para viajar con él a Australia, donde se aplica una técnica médica experimental que podría salvarle la vida. De ahí pasamos a un drama moral a la Von Trier: la abuela del chico, Maggie, puesta en una situación extrema debe ignorar sus principios y colocarse de "azafata" en un club de alterme cerca de Oxford Street, al otro lado de un gloryhole. Esta parte del filme se agota pronto, y deja paso –y este es el giro más hábil de toda la película– a una subtrama clásica de superación: la viuda que estaba ya de vuelta de todo encuentra en la masturbación una habilidad oculta; bajo el seudónimo de Irina Palm, sus habilidades manuales se hacen famosas en todo Londres, los clientes hacen cola frente a su cabina e incluso recibe sustanciosas ofertas de otros clubs de la zona. El tono grave y sombrío del comienzo ha quedado atrás: casi sin darnos cuenta hemos pasado del drama a la comedia, del cine de autor al cine de género.

Aún le quedan dos vueltas a esta historia: un melodrama familiar algo torpe, en el que su hijo debe enfrentarse a sus prejuicios cuando descubre la manera en que Maggie ha podido pagar la operación del chico, y un último y previsible giro hacia la comedia romántica. No importa, Sam Garbarski maneja los tonos con tanta habilidad que las transiciones entre las distintas fases de la película se vuelven casi imperceptibles.

Por último, no conviene olvidar la contribución al éxito de la empresa de su pareja protagonista, Marianne Faithfull y Miki Manojlovic, que recibieron sendas nominaciones a los Premios del Cine Europeo por sus papeles. La Faithfull hace una meritoria composición de su papel de ingenua viuda inglesa, mientras que Manojlovic –un, habitual del cine de Kusturica– logra llenar de vida un papel difícil y no del todo bien trazado.

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El arca de Noé

Sinopsis

No todo marcha bien en el descomunal barco construido por el anciano Noé a petición de Dios para salvar a las especies de la tierra. El pasaje de tan peculiar crucero esta formado por miles de animales invitados por Noé para cumplir con el mandato divino. La convivencia a bordo, algo problemática, convertirá la travesía en una loca aventura llena de humor e ironía.

Comentario

Aprovechando que los escolares se encuentran de vacaciones, desembarcan (nunca mejor dicho en este caso) un sinfín de producciones destinadas en exclusiva a los más pequeños de la casa. Una de ellas es El arca de Noé, una coproducción argentino-italiana de animación que espera llevarse al menos parte del pastel infantil navideño.

La cinta está dirigida por Juan Pablo Buscarini, responsable de títulos como Pérez, el ratoncito de tus sueños o la ambiciosa Condor Crux. La película ha sido doblada por actores españoles, destacando la presencia del recién retirado Alfredo Landa (Luz de domingo), que da voz al mismísimo Dios, y del humoristo Florentino Fernández (Isi/Dis: Alto voltaje). Completan el reparto Natalia Rodríguez (Pudor) y Mabel Escaño (Un momento estelar)

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La brujula dorada

TITULO ORIGINAL
The Golden Compass

AÑO 2007

DURACIÓN 110 min.

PAÍS EEUU

DIRECTOR Chris Weitz

GUIÓN Chris Weitz, Tom Stoppard (Novela: Phillip Pullman)

MÚSICA Alexandre Desplat

FOTOGRAFÍA Henry Braham

REPARTO Dakota Blue Richards, Nicole Kidman, Daniel Craig, Sam Elliott, Eva Green, Tom Courtenay, Simon McBurney, Jim Carter, Ben Walker, Charlie Rowe, Clare Higgins

PRODUCTORA
New Line Cinema / Ingenious Film Partners

WEB OFICIAL
http://www.goldencompassmovie.com/

 

EFECTOS COLATERALES EN UNA NOTABLE FANTASÍA ÉPICA
Así es, este primer libro de la trilogía del inglés Philip Pullman (le siguen La Daga y El Catalejo Dorado) titulado “La brújula dorada” tiene efectos colaterales dado que hay un revisionismo polémico, para algunos, sobre la actuación de la Iglesia Católica en lo que lleva de historia. En principio, organismos católicos norteamericanos han reaccionado con virulencia desde antes del inicio de la filmación. Antes que nada, queremos decir que Philip Pullman, de 61 años, escribió parte de lo que llama “La república del cielo”, en franca oposición a los postulados dogmáticos de todas las religiones. Y tomó el término de “la materia oscura” (ésa que no podemos desentrañar fácilmente) de un verso de John Milton, autor de El Paraíso Perdido, libro amado por nuestro Jorge Luis Borges.

La arquitectura literaria de Pullman no es simple: tiene varios aspectos como el de la narración en sí (la vida de la jovencita Lyra y su amigo Wills), la ética (la disyuntiva entre el bien y el mal), el simbolismo (ese Magisterio que lo rige todo al estilo de Gran Hermano o la novela 1984, en todo caso, que puede ser desde la Inquisición hasta un partido político como el Comunista) y el lado apocalíptico o sea la lucha feroz entre el bien y el mal.

Para transformar la aventura de Lyra, el eje de la historia, niña de 12 años que se deja seducir por mundos nuevos propuestos por la señora Coulter (una sofisticada serpiente femenina a cargo de Nicole Kidman), Pullman apeló a toda la fantasía sajona que disponía a su alcance, y, en especial, transformó a los dulces osos de Disney en feroces guardianes. Hay tres locaciones donde se desarrollan las historias: la Londres de los 30, el Polo Norte, y ese territorio paralelo que bien puede ser el del “cielo” propuesto por la Iglesia Católica.
Cada persona tiene su alma corporizada en un animal (ángel de la guarda o demonio???), esa “vocecita” del alma que llamamos o intuición o bien le damos un matiz religioso. Aquí Pullman la puso en la picota.

El argumento gira, entonces, en torno a Lyra (una suerte de “Eva” para la mitología creada por Pullman) y la desaparición de niños de una renombrada escuela londinense. Al parecer, la encantadora señora Coulter se las ingenia para llevárselos a ese extraño lugar del Polo Norte donde se les “lava” la cabeza. En el film, este aspecto tiene otras denominaciones, como así también en el primer libro de Pullman. Demasiado dramático para los chicos muy pequeños. Allí Lyra deberá luchar entre sus deseos de conocer libremente el mundo (por supuesto, es huérfana y ha estado al cuidado de un tío poco generoso, compuesto por Daniel Craig que rápidamente desaparece de escena) y es donde también se plantea un tema ético, ninguna novedad de Pullman porque ya lo trató el eminente filósofo alemán Kant: ser buenos o malos por propia decisión y no por temor a un Dios o a un aparato político religioso. Otro tema polémico si los hay!!!! No carente de verdad (y no soy atea).
La “brújula dorada” ayudará a Lyra a guiarse. Esa brújula es “algo más” y, sin duda, contiene un elemento “oscuro”, desconocido, porque es capaz de leer lo que puede suceder. El nombre de este aparatito es “aletiómetro”.

Hasta aquí, un intento de sustraer el hilo narrativo del film, complejo, que ha tomado casi todo del primer libro de Philip Pullman, con excepción de los tres últimos capítulos a fin de que puedan insertarse en la siguiente producción.
Nuestra opinión es que se trata de una película con formato infantil pero que no tiene nada de infantil. En realidad, es un film para adultos, o jóvenes con buena formación intelectual. Ciertamente, los niños no van a aprehender la simbología de Pullman, pero es subliminal. Ojo con esto. Los adultos deberán hacer el esfuerzo de ver un cuento seudoinfantil donde se les ofrecerá una filosofía personal, cuestionable o aceptable. Sin duda, estará al tope de la taquilla semanal porque tiene efectos especiales notables, de gran factura. Este tipo de películas, en lo personal, ya casi no nos atrae. La “deificación” de extraños seres nos resulta cansadora. Está muy lejos de convertirse en “El señor de los anillos”-la saga y lejos también de la muy infantil “Harry Potter” y todas sus secuelas. Pero está y es un título atractivo para los chicos, esto lo decimos con reservas. Es un film para pensar, algo así como conocer el pensamiento filosófico de Kant (mucho, no?) a través de dibujitos animados.

(via actoresonline.com)

 

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"El custodio"

Rubén trabaja como guardaespaldas de un Ministro argentino.

· Año: 2006

· Director: Rodrigo Moreno

· Guión: Rodrigo Moreno

· País: Argentina

· Género: Drama

El director argentino Rodrigo Moreno plantea en su película ´El custodio´ una reflexión sobre la "labor ciega de servicio" del guardaespaldas, según dijo el realizador.

 

El director argentino Rodrigo Moreno plantea en su película ´El custodio´ una reflexión sobre la "labor ciega de servicio" del guardaespaldas, según dijo el realizador.

El largometraje está protagonizado por Julio Chávez y ha obtenido premios en los festivales de Berlín, Sundance, Ceará y Guadalajara, entre otros.

Moreno no pretende que el filme "guste ni convenza". "Cuando hago una película no pienso en valor comercial, sino en expresar algo que yo quiero, mi trabajo es radical y yo también lo soy", afirmó. La trama habla de un trabajo que consiste en reemplazar la vida de uno por la de otro, de la presión que esto implica y de cómo esta tensión finalmente estalla.

La figura del guardaespaldas "siempre es vista como la sombra de alguien", por lo que el director se planteó "invertir ese punto de vista". El origen de la historia es una situación real que Moreno contempló en la calle. Al realizador le llamó la atención "los movimientos protocolarios entre un ministro y su guardaespaldas", similares a los de "una puesta en escena".

La paradoja centra el argumento a través de los protagonistas: "Se trata de un ministro al que nadie quiere matar y de su custodio, el mejor soldado posible de un ejército que no pelea". Moreno confía "plenamente" en el relato para "inquietar al espectador", ya que presenta un tipo de historia en la que "el peligro siempre está presente".

El director cree que su película "sería muy diferente si transcurriera en el País Vasco, Israel o Colombia", lugares en los que el fenómeno de los guardaespaldas "si tiene sentido". Respecto al cine argentino, Moreno considera que "en los últimos diez años ha vivido una regeneración" que permite la presencia de "mucho cine de autor".

El actor Julio Chávez interpreta a Rubén, el custodio del ministro. "Alguien que nadie va a mirar se convierte de repente en protagonista de este cuento, lo que es esta película en realidad", comentó sobre su personaje. La "personalidad psicótica" del guardaespaldas le lleva a "confundir su rol con su propia persona". ´El custodio´ se estrena en los cines españoles el próximo 14 de diciembre.

(vía hoyCinema)

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MR. BROOKS

Dirección: Bruce A. Evans.

País: USA.

Año: 2007.

Duración: 120 min.

Género: Thriller.

Interpretación: Kevin Costner (Mr. Brooks), Demi Moore (Tracy Atwood), William Hurt (Marshall), Dane Cook (Smith), Marg Helgenberger (Emma Brooks), Ruben Santiago-Hudson (Hawkins), Danielle Panabaker (Jane Brooks), Aisha Hinds (Nancy Hart), Lindsay Crouse (Lister), Jason Lewis (Jesse Vialo), Matt Schulze (Thorton Meeks).

Guión: Bruce A. Evans y Raynold Gideon.

Producción: Kevin Costner, Jim Wilson y Raynold Gideon.

Música: Ramin Djawadi.

Fotografía: John Lindley.

Montaje: Miklos Wright.

Diseño de producción: Jeffrey Beecroft.

Vestuario: Judianna Makovsky.

Estreno en USA: 1 Junio 2007.

Estreno en España: 5 Diciembre 2007.

 

Mr. Brooks es un hombre torturado incapaz de controlar sus emociones. Tiene una mitad diabólica, un álter ego amante del asesinato y el caos. La detective Atwood es una experimentada investigadora cuya devoción por su trabajo capta la atención y la admiración del asesino que esconde Mr. Brooks.

 

CRÍTICA por José Arce

Kevin Costner lleva ya bastante tiempo vagando en un limbo profesional del que no parece que vaya a salir, al menos a corto plazo. De trabajar con un puñado de grandes directores y protagonizar no pocas producciones estimables ha pasado a ser una estrella oscilante, que de vez en cuando despunta con alguna participación estimable pero que no acaba de convencer a nadie. "Open range" (2003) fue su última gran aportación al séptimo arte, mientras que la olvidable "The guardian" (2006) supuso un postrero paso más en su dudosa trayectoria de los últimos años. Ahora regresa enfrascado también en las labores de producción de este mediocre thriller bipolar, acompañado de Demi Moore, decadente astro que vive del recuerdo de tiempos mejores.

Earl Brooks (Costner) tiene todo lo que un hombre de mediana edad puede desear. Ha triunfado en el mundo de los negocios, tiene una hermosa mujer que le quiere (Marg Helgenberger), y una hija un tanto díscola (Danielle Panabaker) que le adora. Pero también tiene una adicción: matar. Sus impulsos sicóticos vienen dictados por su lado oscuro, a quien percibe como un ente físico y real, hasta el punto de que tiene su propio nombre, Marshall (William Hurt), y de cuya mano sacia sus necesidades homicidas, que le alivian sobremanera. No asesina por placer —de hecho es frío y mecánico en sus ejecuciones, y goza más contemplando las fotografías de sus crímenes que del propio hecho en sí—, sino porque está enfermo, lo necesita. Lleva dos años limpio, acudiendo a reuniones de adictos anónimos para desahogarse. Pero Marshall le convence de que satisfaga su hambre una última vez… “Mr. Brooks” tiene un arranque ejemplar, una presentación del personaje central que le viene a las mil maravillas a un Costner ya entrado en la madurez, a quien su atractivo natural le ayuda a meterse en la piel del triunfador que da título al film. Acompañarle durante el primer asesinato es escalofriante por la naturalidad con la que el actor se hace con su rol, anticipando una trama emocionante y tensa, pero, por desgracia, la narración empieza a tambalearse cuando Thorton Meeks (Matt Schulze) entra en escena. Y lo hace a los diez minutos de proyección.

  La película da la impresión de querer contarnos un montón de cosas en un metraje de dos horas. Los acontecimientos se suceden sin parar, y el trabajo realizado para presentarnos al protagonista se diluye ante el aluvión de secundarios que surgen por doquier, cada uno de ellos con una historia propia aún más esquizofrénica que la del torturado eje de la trama. Así, Demi Moore (la obstinada Tracy Atwood) tiene su propio asesino en serie que la atormenta sin cesar, a lo que hay que unir su duro pasado, su divorcio presente y sus roces con el resto de compañeros del cuerpo de policía; la hija de Brooks está en plena crisis adolescente, abandona los estudios y quiere la empresa, por no hablar de que es posible que esté heredando la “enfermedad” de su padre —¿a quién se le ocurrió esa idea?—; Marg Helgenberger es una esposa querida pero ninguneada, paseando sin demasiada determinación por un torbellino argumental que parece quedarle grande; y Meeks está tan loco o más que el objetivo de su chantaje, un cobarde vicioso que convierte la herramienta de la probabilidad en propia víctima casual de lo que acontece… En definitiva, demasiadas circunstancias, situaciones y relaciones para asimilarlas en un visionado corriente, transformando en pulpa la veracidad de lo que sucede ante nosotros.

Lo mejor de todo es la relación entre Brooks y su reverso tenebroso, un divertido y solvente William Hurt que ayuda a Costner a sacar lo mejor de sí mismo, crecido ante un actor de talla gigantesca. Además, el protagonista no tiene ningún problema a la hora de integrar la faceta oscura en su actuación, logrando, con natural facilidad, pasar de una presencia a otra ante una platea capaz de creerse lo que el intérprete le ofrece. Pero ante lo apabullante del guión, preñado de narraciones paralelas que se acaban superponiendo entre sí, el conjunto se viene abajo en buena medida, máxime en la parte final en la que tratan de vendernos todo como una treta guiñolesca, que convierte al psicópata en una figura omnipresente que cierra la función con un homenaje —involuntario, a buen seguro— a los mágicos momentos que en la distancia comparten Hannibal Lecter y Clarice Starling. Otra vez será, Kevin.

 

(via labutaca.net)

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Persépolis (Animación)

Direccción: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud

Intérpretes: Animación  Año: 2007

Cine animado y con conciencia

Por Penélope Coronado

Precedida por el éxito obtenido por el cómic del mismo título, la película Persépolis –Premio del Jurado del Festival de Cannes y filme seleccionado por la Francia para los Oscar– adapta al celuloide la obra gráfica y autobiográfica de Marjane Satrapi.

Siguiendo la senda contestataria y crítica de Mafalda –el personaje de Satrapi también habla con Dios, en ocasiones con un singular parecido a Karl Marx–, la protagonista del filme narra su punto de vista respecto de la historia reciente de Irán, desde que en 1979 se acaba con más de cincuenta años de reinado del Sha de Persia y se da paso al régimen de los Ayatolahs.

La realidad histórica de este país se convierte en trasfondo en el que transcurren los acontecimientos en la vida de Marjane, una niña educada a la manera occidental para la cual las atrocidades sociales, la desigualdad de las mujeres, las purgas y la censura llevada al absurdo (quizás lo más hilarante del filme sea ese mercado negro con discos de ABBA y Iron Maiden) son intolerables; de ahí el tono de constante perplejidad que tiene la película, el asombro de una niña que mira y transmite lo visto desde su punto de vista infantil. El blanco y negro, los contornos de la imagen gráfica que parece como serigrafiada, contribuyen también a crear este tono naíf.

La insostenibilidad de esta situación –constante falta de libertad, imposibilidad de disentir– obligará a la Marjane ya adolescente a marcharse de su país natal. Se inicia entonces su aventura austriaca, su contacto desigual con la sociedad europea –el filme condensa así varios de los volúmenes del cómic–; desde entonces la protagonista no podrá remediar sentirse exiliada, incluso cuando regrese a su país.

(cinestrenos.com)

Rec

TITULO ORIGINAL: [Rec]

GENERO: Terror

PAIS: España

DURACION: 85 Minutos

AÑO: 2007

ESTRENO EN CINE: 23-11-2007

DIRECTOR: Jaume Balagueró y Paco Plaza

GUION: Luiso Berdejo, Jaume Balagueró y Paco Plaza

INTERPRETES: Ferran Terraza, Jorge Serrano, Manuela Velasco y Pablo Rosso

PRODUCTOR: Julio Fernández

FOTOGRAFÍA: Pablo Rosso

MONTAJE: David Gallart

 

Cada noche, Ángela, una joven reportera de una TV local, sigue con su cámara a un colectivo distinto. Esta noche les toca a los bomberos, con la secreta esperanza de poder vivir en directo un impactante incendio. Pero la noche trascurre extremadamente tranquila. Y cuando por fin reciben la llamada de una anciana que se ha quedado encerrada en su casa, no les queda otro remedio que seguir a un grupo de bomberos durante su "misión" de rescate. En el edificio donde vive la anciana, los vecinos están muy asustados. Demasiado. La mujer, encerrada en su piso, lanza unos gritos desgarradores... Los bomberos destrozan la puerta y, seguidos por Ángela y el cámara, encuentran a la anciana como ida. De pronto, la mujer se lanza sobre un policía, mordiéndole salvajemente, delante de los incrédulos compañeros y del objetivo de la cámara. Es solo el inicio de una larga pesadilla y de un dramático reportaje TV único en el mundo: cuando los bomberos se llevan al herido, descubren que la única salida del edificio está bloqueada por las autoridades. El edificio ha sido puesto en cuarentena. Parece que un extraño virus se ha propagado en el interior...

Crítica

Por Marta Muñoz

Cine de "contagios misteriosos", un recinto cerrado en el que van cayendo los infectados uno a uno, sangre y vísceras.. a priori, REC colecciona los tópicos del subgénero. Entonces, ¿qué es lo hace que tengamos la sensación de estar ante algo original, o que dejemos las uñas clavadas en los brazos de la butaca durante esos ochenta minutos?
El recurso de la cámara en mano es el gran protagonista. Balagueró y Paco Plaza nos presentan una falsa grabación en la que un programa de TV "noticias" cubre por casualidad un extraño suceso. Vemos la película a través de la cámara del programa y nos lo narra una ambiciosa periodista que se encuentra ante la historia de su vida. El método nos es familiar, un estilo de reportaje que vemos a diario en programas del tipo Madrid Directo, está en nuestra rutina. Es algo que le da a toda la historia un aire de verosimilitud y cercanía. Y precisamente eso, normalizar un tema tan extraordinario como el de un contagio zombie con un contexto tan familiar, es una de las cosas que hacen que REC dé más miedo. Con todo el juego que el recurso supone, además: giros de cámara, visión nocturna, elipsis visual y/o auditiva...
Lo que en principio podía ser una apuesta arriesgada, la elección de una actriz de la cantera de Los 40 TV para el papel protagonista, es uno de los grandes aciertos de la película. El relativo anonimato en el mundo del cine de Manuela Velasco y su absoluta credibilidad con un micrófono en la mano redondea el efecto de realismo. La naturalidad es algo que define al casting al completo de la película, todo los actores contribuyen a crear una comunidad de vecinos de lo mas convincente.
Quizá nos sobre la explicación final: la teatralidad de un magnetófono está fuera de lugar en una historia que se ha definido hasta los últimos minutos por provocar tensión sin excesos efectistas.
La historia funciona, los personajes funcionan, nosotros saltamos en la butaca... los comentarios más repetidos a la salida de la proyección han estado en esa línea: "la he disfrutado mucho, pero... !qué mal lo he pasado!" REC es, definitivamente, un soplo de aire fresco para un género que está muy necesitado de savia nueva.
Lo Mejor: el planetamiento. La dirección. Manuela Velasco.
Lo Peor: no faltará el prejuicio por tratarse de una película de terror española.

 

Por Sergio Morcillo

Mucho se ha hablado de esta producción de Paco Plaza y Jaume Balaguero, pero no ha sido hasta el festival de Sitges cuando por fin hemos podido disfrutar de ella.
Antes de entrar en la sala, nos avisaron que personas con algún problema de corazón o epilepsia no era recomendable que pasasen a ver la película.
A pesar de su escasa duración (80 minutos), durante ese periodo de tiempo, el espectador es protagonista de un espectáculo plagado de sustos y tensión. Durante su metraje nosotros seremos el teleespectador que va a presenciar una noche en la piel de unos bomberos de Barcelona a través de las palabras de una fantástica Manuela Velasco.
Desde el minuto diez hasta su desenlace no paras de dar botes en la butaca y de gritar como un loco. Gracias a su estrectura narrativa no sabes lo que te vas a encontrar ni lo que va a pasar.
Los actores están fabulososos y creíbles en sus papeles. Además, Plaza y Balagueró también saben hacernos reír, pues REC también tiene su punto cómico (pero como un punto y aparte en la película, no durante las espectaculares persecueciones). Pese a que se comentaba la mala elección de Manuela Velasco como protagonista, todos los prejuicios que podría haber contra ella se desvanecerán al ver la película, ya que como adelantó Plaza en nuestros fotos, está sensacional y da una credibilidad necesaria a un título como este. Sus gritos, su mirada, su desesperación la convierte en la nueva "Scream Queen" del cine español.
El maquillaje y la realización del film es completamente brutal, el utilizado es tan realista que te hace quitar los ojos de la pantalla. Aquí no presenciaremos zombis made in Romero, si no que tendremos nuestros zombies made in Spain, muy realistas, sin complicaciones de ningún tipo y que encima, corren que se las pelan.
En conclusión, Rec funciona de una forma más que efectiva, con un reparto de muerte, un argumento original dentro del género, unas interpretaciones fluidas y realistas y una realización deslumbrante.
Lo mejor: Que se trate de la mejor película de Filmax, y que de una buena lección al cine americano.
Lo peor: Prácticamente nada.

Enlaces

Gemma Abrié (Ivanow Jazz Group) - Eric Sardinas - Pícnic Jazz - 26º Festival Jazz Terrassa 2007 - La Porteña Jazz Band

Empieza el Festival de Tesalonica, con presencia argentina

Un puente cultural en el Egeo

La muestra griega fue una de las primeras en valorar el Nuevo Cine Argentino. Se verán Encarnación (Anahí Berneri), Estrellas (Federico León y Marcos Martínez) y El asaltante (Pablo Fendrik).

Por Luciano Monteagudo
desde Tesalonica

Ciudad puerto, la segunda en importancia después de Atenas, Tesalónica está recostada sobre las aguas serenas como un espejo del Mar Egeo, al norte del país, allí donde Grecia comienza a formar parte de los Balcanes. Hace 48 años que esta ciudad histórica –en cuya herencia se encuentran trazas de distintas culturas: helénica, romana, bizantina, otomana– alberga uno de los festivales de cine más respetados de Europa. Pero a juzgar por el promedio de edad de la mayoría de sus espectadores se diría que es uno de los más jóvenes del viejo continente. La población universitaria es la principal animadora de este festival cuyos dos centros geográficos invitan a pensar y a dejar viajar la imaginación. Por un lado, en la elegante plaza Aristotelous, está el complejo Olympion, sede de la competencia oficial y de las proyecciones especiales; y no muy lejos de allí, en un viejo muelle reciclado a nuevo, rodeado de barcos y remolcadores, se encuentran las salas de cine y de exposiciones donde se desarrolla el grueso de la muestra: las secciones paralelas, las retrospectivas, los homenajes y las exhibiciones de fotos, además de los centros de la prensa y de la industria.

En el 2001, cuando el festival era dirigido por Michel Demopoulos, Tesalónica fue uno de los primeros en prestarle atención al Nuevo Cine Argentino, con una monográfica de casi veinte films que daban cuenta de todo lo bueno que se había hecho hasta aquel momento. Hoy Demopoulos ya no está al frente del festival, pero Tesalónica le sigue prestando atención al cine argentino. Integrando el jurado oficial de la competencia internacional –dedicada exclusivamente a primeros y segundos films– aparece Lucrecia Martel, que hace seis años había presentado aquí mismo La ciénaga y ahora se tomó un descanso en la posproducción de su tercer largometraje, La mujer sin cabeza, para cumplir con la promesa de volver que le había hecho entonces al festival. Y en el apartado “Independence Days”, dedicado al cine independiente, hay un pequeño pero muy promocionado foco denominado “Nuevas voces argentinas”. Allí figura Encarnación, segundo largometraje de Anahí Berneri, que ya tuvo su estreno en Buenos Aires después de los premios que obtuvo en Toronto y San Sebastián. Y también hay dos títulos que estuvieron en el último Bafici pero que todavía esperan su lanzamiento en salas comerciales: Estrellas, de Federico León y Marcos Martínez, y El asaltante, de Pablo Fendrik. “Había siete u ocho películas excepcionales que pedían a gritos ser incluidas –escribió en el catálogo, con un entusiasmo quizás exagerado, Lefteris Adamidis, programador de esta sección–, pero no teníamos espacio para todas.”

Se entiende. “Independence Days” es quizá la sección más nutrida del festival e incluye un poco de todo, desde una puesta al día de la obra del gran director coreano Lee Chang-dong, para poner en contexto su nueva, excepcional película, Secret Sunshine, premiada en Cannes en mayo pasado, hasta una revisión exhaustiva del gran maestro japonés Mikio Naruse (1905-1969), ya conocido en Buenos Aires a través de una retrospectiva realizada tres años atrás en la Sala Leopoldo Lugones. Fiel a la tradición de la ciudad de ser un puente entre culturas muy diversas, y particularmente un punto de encuentro de Oriente y Occidente, Tesalónica también propone este año un foco sobre Yasmin Ahmad, considerada la “madrina” del nuevo cine malayo, el último grito de la moda en el voluble mundo de los festivales internacionales. Habrá que acercarse a ver de qué se trata.

Mientras tanto, dos viejos neoyorquinos hacen de las suyas en Tesalónica. Por un lado, el fotógrafo de modas y documentalista William Klein presenta una retrospectiva con sus films y una sustancial exposición fotográfica, en el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad. Y por otro, Amos Poe, legendario animador cultural y figura histórica de la vanguardia cinematográfica neoyorquina, trajo Empire II, un poema cinematográfico dedicado a Manhattan, filmado íntegramente desde la ventana de su departamento y con un protagonista excluyente: el Empire State Building, el mismo que consagraron King Kong y Andy Warhol y que ahora vuelve a ser la estrella. De tres horas de duración, inspirado tanto en el clásico film de Warhol (1965) como en la Sinfonía de una ciudad (1927), del alemán Walter Ruttmann, y rociado por poemas escritos especialmente para el film por Patti Smith, Empire II no está concebido para una sala de cine convencional sino para un espacio donde el espectador pueda entrar y salir sin culpa en cualquier momento de la proyección. En ese sentido, Tesalónica no pudo encontrar un lugar mejor para esta instalación: las ruinas de uno de sus tesoros más preciados, un impresionante Hamam (baño turco) sobreviviente del esplendor Imperio Otomano. Lo que se dice, todo un viaje, de un imperio a otro.

Via: Pagina12

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ELIZABETH: LA EDAD DE ORO (Elizabeth: The Golden Age)

Dirección: Shekhar Kapur.
Países: Reino Unido y Francia.
Año: 2007.
Duración: 114 min.
Género: Drama.
Interpretación: Cate Blanchett (Elizabeth I de Inglaterra), Geoffrey Rush (sir Francis Walsingham), Clive Owen (sir Walter Raleigh), Abbie Cornish (Bess Throckmorton), Samantha Morton (María Estuardo), Jordi Mollà (Felipe II), Rhys Ifans (Robert Reston).
Guión: William Nicholson y Michael Hirst.
Producción: Tim Bevan, Eric Fellner y Jonathan Cavendish.
Música: Craig Armstrong y A.R. Rahman.
Fotografía: Remi Adefarasin.
Montaje: Jill Bilcock.
Diseño de producción: Guy Hendrix Dyas.
Vestuario: Alexandra Byrne.
Estreno en Reino Unido: 2 Nov. 2007.
Estreno en España: 9 Noviembre 2007.

La reina Elizabeth I de Inglaterra (Cate Blanchett) debe enfrentarse a la traición en el seno de su familia y a sangrientas tentativas de apoderarse de su trono. Elizabeth es consciente del cambio religioso iniciado en el siglo XVI en Europa, y el poderoso rey español Felipe II (Jordi Mollà) está decidido a restaurar el catolicismo en Inglaterra con la ayuda de su ejército y su invicta armada. Mientras la reina estudia cuál es su mejor opción en el extranjero, su consejero de confianza, sir Francis Walsingham (Geoffrey Rush), sigue manipulando a la Corte con maestría y trabajando para consolidar la monarquía absoluta. Gracias a su complicada red de espías, Walsingham descubre un complot de asesinato para hacerse con el trono. Al desenmascarar a los traidores, entre los que parece estar la prima de Elizabeth, María Estuardo (Samantha Morton), el fiel consejero no sabe que acaba de dar comienzo al declive de Inglaterra.

 

CRÍTICA por Miguel A. Delgado

Hablar de rigor histórico en el cine suele tratarse más bien de una cuestión de relajación de las exigencias que de verdaderamente ceñirse a lo que los expertos afirman que sucedió en un momento concreto. Ni siquiera un creador como Stanley Kubrick, famoso por su obsesión por el detalle real, pudo librarse (por ejemplo, en “Espartaco”) de la necesidad de dotar a sus películas con una estructura dramática para que funcionasen como tales, añadiendo invenciones y forzando situaciones que, seguramente, nunca sucedieron como se nos relatan. O, por citar un ejemplo más reciente, las protestas de diversos colectivos por lo que consideran falseamiento de la realidad de lo que fue la cultura maya en "Apocalypto" no impiden que, como cinta, como unidad dramática, funcione con la eficacia de un reloj.

Aunque no puedo afirmarlo por carecer de conocimientos en ese sentido, estoy totalmente seguro de que la primera “Elizabeth” de Shekhar Kapur debía de estar repleta de errores históricos al relatar la forma en la que la joven reina accedió al trono. Eso no fue óbice para que la crítica no la alabara con entusiasmo, algo que no parece haberse repetido con su tardía secuela, pues ha recibido los principales aguijonazos por el lado histórico, tanto en el Reino Unido —entre otras cosas, por la excesiva juventud de Cate Blanchett frente a la verdadera edad que la reina Isabel tenía en la época de la Armada Invencible— como en España —en este caso, por el retrato caricaturesco de Felipe II—.

  Sin embargo, lo que habría que plantearse es: ¿funciona esta caracterización en el conjunto de la obra? Lo cierto es que, desde esta perspectiva, no, porque el presentarnos al español como poco menos que un lunático, gran parte de su potencia como enemigo se diluye: si a una Elizabeth digna, flemática y poderosa se le enfrenta un rival ridículo, con voz aflautada y desgarbado, la potencia dramática del enfrentamiento se desactiva (algo que aprendieron muy bien Frank Miller primero, y Zack Snyder después, a la hora de enfrentarse a la batalla de las Termópilas: nada mejor que convertir a Jerjes y los persas en poco menos que seres desmesurados y demoníacos para así otorgar grandeza a la victoria de los espartanos de Leónidas). De hecho, esa parte es la más floja de la película, pero no por fiel al relato histórico o no, sino por su falta de encaje en el sentido último de la cinta.

  Lo que sucede es que, en realidad y como sucedía en la primera, no es ésa la pretensión del relato. En donde la película se eleva es en su núcleo central, en el enfrentamiento entre las contradicciones internas de una soberana condenada a la soledad por las obligaciones de su cargo, y que muy en el fondo de la parafernalia de la corte y sus intrigas sigue siendo una mujer de carne y hueso. Es en ese contexto en el que la cinta brilla en todo su esplendor, algo que se relaciona, una vez más, con la extraordinaria interpretación de una Cate Blanchett que vuelve a demostrar por qué es una de las mejores actrices de su generación, y que sabe dotar a su personaje de una madurez que le insufla una vida que le aleja del estereotipo o el mero disfraz.

Secundada de nuevo por un magnífico Geoffrey Rush y una espléndida Samantha Morton en el papel de María Estuardo (que aprovecha al máximo la única escena verdaderamente fuerte que le reserva el guión), y con un Clive Owen que cumple como el pirata Walter Raleigh (en lo que quizá sea la mayor licencia histórica de toda la cinta), “Elizabeth: La Edad de Oro” puede que no sea un título adecuado para proyectarlo en una clase de Historia; pero es, desde luego, un eficaz artefacto narrativo en el que se nos relata la lucha interior de una mujer a la que en ocasiones la corona pesa de manera insoportable. Queda en manos del espectador decidir a qué carta prefiere quedarse, y cuáles son sus principales intereses.

 

Via LA BUTACA - Estrenos de Cine

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Michael Clayton

 

Michael Clayton trabaja para un famoso bufete de Nueva York, aunque no ejerce de abogado. Su especialidad es arreglar las cosas de la manera más limpia y rápida posible. No es ni policía ni abogado, sino la perfecta mezcla entre ambos: el perro guardián, el conserje, el mayordomo fiel que siempre obedece y nunca pregunta. Todo cambiará cuando su mejor amigo dentro del bufete, Arthur Edens, que durante seis años ha sido el encargado de defender los intereses de Agtek, una importante multinacional de productos argo-químicos, se pasa al bando contrario al descubrir un documento que demuestra que esta multinacional ha sido la responsable de la intoxicación de cientos de granjeros que utilizaron uno de sus productos.

Intérpretes

George Clooney
Tom Wilkinson
Tilda Swinton
Sydney Pollack

 

Enlaces interesantes:

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El Hombre De Arena

Titulo Original: El Hombre De Arena
Género: Drama
Nacionalidad: España
Año: 2006

Director: José Manuel González

Guion: José Manuel González

Reparto: Hugo Silva, María Valverde, Irene Visedo, Samuel Le Bihan, Alberto Jiménez, Héctor Noas, Miguel De Lira, Juan Llaneras, Ana Ruiz, Esteban G. Ballesteros, Pedro Cebrino, Fernando Ramos, Mercedes Sampietro, Ana Torrent, Gabrielle Lazure, Silvia Marty

Sinopsis:  Finales de los 60. El Hospital Psiquiátrico de Extremadura, que alberga a enfermos, borrachos y vagabundos sin distinción, sucumbe a los métodos y la desidia de su director. Burgos (Alberto Jiménez) presta mas atención a satisfacer a las autoridades que a las necesidades de sus enfermos. Sin embargo, el ingreso de Mateo (Hugo Silva), un idealista trotamundos más cercano a la genialidad que a la locura, supone un cambio completo en la rutina del centro. Su rebeldía y su instinto protector hacen que Lola (María Valverde), una joven y guapísima reclusa maltratada desde niña, se sienta atraída por él. Además se gana el respeto de Carmen (Irene Visedo), una doctora que verá en él un apoyo a sus intenciones reformistas. Desgraciadamente, el propio Mateo y su relación con Lola también despiertan recelos en otros trabajadores, enfermos y sobre todo la ira del propio director, que ve el él una amenaza para el status quo que mantiene en el Hospital...

Fecha de Estreno: Viernes, 09 de Noviembre de 2007

Via : estrenosdecine.net

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RESIDENT EVIL: EXTINCIÓN

Título original: Resident Evil: Extinction
Año: 2007
Nacionalidad: EE.UU., Alemania
Género: AcciónTerror
COLOR

Sinópsis

Es el fin del mundo... El virus experimental T, inventado por la Corporación Umbrella, ha sido liberado por el mundo, transformando a la población en un azote de zombis desgarbados con gusto por la carne.

Sin seguridad en las calles, Carlos Olive ra y L.J., junto con los nuevos supervivientes Claire , K-Mart y la enfermera Betty, han reunido un grupo de supervivientes y se han echado a la carretera... atravesando las asoladas carreteras del desierto en un convoy armado. Buscan otros como ellos - vivos... no infectados. Lo que encuentran es la otra presencia constante en el desierto: los No Muertos -y necesitarán docenas de armas, miles de balas y un par de lanzallamas para protegerse.

Escondidas bajo una torre de radio abandonada de Nevada están las elegantes oficinas y las instalaciones de investigación de la Corporación Umbrella. Con acceso al satélite de vigilancia constante en tiempo real, el Dr. Isaacs puede mantener una vigilancia constante sobre el convoy... pero está buscando a una persona que no sólo sea la clave para una cura, sino lo que han estado buscando los experimentos de Umbrella: a Alice.

Cuando fue capturada por la Corporación Umbrella, Alice fue sometida a experimentos biogenéticos que la alteraron genéticamente, otorgándole una fuerza, unos sentidos y una destreza sobrehumanos. Mutando minuto a minuto, y bajo una amenaza constante de traición por parte de su propio ADN creado por la ingeniería de Umbrella, Alice ha estado ocultando el convoy, alerta para protegerlos, esperando de algún modo conducirlo a un lugar seguro.

El convoy decide dirigirse hacia Alaska -su última y mejor esperanza de encontrar un refugio frente a los No Muertos -pero antes tendrán que hacer una parada para repostar en Las Vegas... y permanecer fuera de la vista de Umbrella si quieren tener alguna esperanza de conseguirlo.

Sobre la producción

Resident Evil: Extinción es la tercera y última entrega de la trilogía de 100 millones de dólares, Resident Evil. De nuevo está basada en la popular serie de videojuegos. La primera película estableció el mundo de la franquicia cinematográfica Resident Evil; la segunda película, Resident Evil: Apocalypse, muestra a Alice (Milla Jovovich), L.J. (Mike Epps) y el oficial renegado de Umbrella llamado Carlos Olivera (Oded Fehr) escapando de Raccoon City y de la trama de Umbrella para acabar con ellos. Resident Evil: Extinción los muestra en el desierto de Las Vegas, trasladándose de sitio en sitio en un convoy armado, dejando atrás y derrotando a las hordas de No Muertos que merodean por los espacios amplios y abiertos que ya no pueden llamarse civilización.

"Creo que la fuerza de las películas de Resident Evil es que no son sólo películas de zombis", dice el escritor y productor Paul W. S. Anderson, la fuerza creativa tras la trilogía de Resident Evil. "Hay más criaturas en estas películas que simplemente los No Muertos. También hay muchos conceptos de ciencia ficción en las películas por lo que son más grandes que simplemente una película de zombis.

Bernd Eichinger, Robert Kulzer y Martin Moszkowicz de Constantin, que antes visionaron la franquicia cinematográfica de Resident Evil, se reúnen de nuevo con Samuel y Victor Hadida de David Films y Jeremy Bolt y Paul W. S. Anderson de Impact Pictures. "Paul ha hecho algo que es muy raro para una película de género", dice el productor Robert Kulzer. "Se parece mucho a una película épica, con arcos de historia que pasan por varias películas y se combinaban de nuevo y se volvían a separar. Todos estos personajes tienen sus propias vidas. Está muy conectado con esta franquicia, estos personajes y el mundo del juego. Creo que este mundo realmente inspira su imaginación".

 

Reparto:

Milla Jovovich - Alice

Oded Fehr - Carlos Olivera

Ali Larter - Claire

Iain Glen - Dr. Isaacs/Tyrant

Ashanti - Betty

Chris Egan - Mikey

Spencer Locke - K-Mart

Jason O'Mara - Albert Wesker

Mike Epps - L.J.

Gary Hudson -

Matthew Marsden - Alexander

Vía: todocine.com

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El asesinato de Jesse James

Sinopsis

Robert Ford forma junto a su hermano Charlie, Wood Hite y Jesse James la banda de forajidos más temida y admirada de todo el salvaje Oeste. Sin embargo, conforme la fama de sus aventuras comienza a crecer, Jesse se convierte en una figura pública y los celos comienzan a surgir entre ellos. Finalmente Robert firma un pacto con el gobernador de Missouri, Thomas T. Crittenden, que le promete la libertad a cambio de asesinar por la espalda al jefe de su banda.

Comentario

El forajido Jesse James se convirtió en un mito en Estados Unidos en los años que siguieron a la Guerra Civil gracias a sus audaces robos y sus aún más audaces fugas, que le valieron el apelativo del "Robin Hood Americano" del presidente Theodore Roosevelt. La leyenda de sus atracos y de su muerte a manos de un traidor infiltrado en su banda regresa por enésima vez a la gran pantalla en El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, un western de interminable título que supone el segundo largometraje como director del neozelandés Andrew Dominik (Chopper). Protagonizan El asesinato de Jesse James... Brad Pitt en el papel del mítico cowboy y Cassey Affleck como el cobarde Robert Ford. Completan el reparto Sam Shepard (Llamando a las puertas del cielo), Sam Rockwell (Confesiones de una mente peligrosa), Zooey Deschanel (Casi famosos) y Mary-Louise Parker (El dragón rojo).

Curiosidades

Tras un duro proceso de casting, dos de los actores con más futuro de Hollywood, Casey Affleck y Shia LaBeouf, acabaron por disputarse el papel de Robert Ford. Finalmente, el personaje fue a parar a las manos de Affleck con la excusa de que LaBeouf era aún muy joven.

Enlaces

IMDb

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SAW IV

Dirección: Darren Lynn Bousman.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 95 min.
Género: Terror.
Interpretación: Tobin Bell (Jigsaw/John), Scott Patterson (agente Strahm), Betsy Russell (Jill), Costas Mandylor (Hoffman), Lyriq Bent (Rigg), Athena Karkanis (agente Pérez), Justin Louis (Art), Simon Reynolds (Lamanna), Mike Realba (Fisk), Marty Adams (Ivan).
Guión: Patrick Melton y Marcus Dunstan; basado en un argumento de Patrick Melton, Marcus Dunstan y Thomas Fenton.
Producción: Gregg Hoffman, Mark Burg y Oren Koules.
Música: Charlie Clouser.
Fotografía: David A. Armstrong.
Montaje: Brett Sullivan y Kevin Greutert.
Diseño de producción: David Hackl.
Vestuario: Alex Kavanagh.
Estreno en USA: 26 Octubre 2007.
Estreno en España: 26 Octubre 2007.

SINOPSIS

Jigsaw (Tobin Bell) y su aprendiz están muertos. Tras conocer la muerte del detective Kerry, dos avezados criminólogos del FBI, el agente Strahm (Scott Patterson) y la agente Pérez (Athena Karkanis), llegan a la destartalada comisaría de policía para ayudar al veterano detective Hoffman (Costas Mandylor) a investigar el último y sanguinario juego de Jigsaw. El objetivo es dar sentido a las piezas del malévolo puzzle. Pero de repente, el comandante Rigg del SWAT (Lyriq Bent), el único oficial al que Jigsaw aún no había tocado, es secuestrado y obligado a formar parte del terrorífico juego de este psicópata. El oficial sólo tiene noventa minutos para superar una serie de trampas conectadas entre sí... o de lo contrario su vida estará en peligro. La búsqueda de Rigg por toda la ciudad deja tras de sí una macabra estela de cadáveres, lo que permite al detective Hoffman y al FBI descubrir pistas que han estado ocultas durante mucho tiempo y que les llevan hasta Jill (Betsy Russell), la ex esposa de Jigsaw.

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ENLACES

Ficha en IMDb
Web oficial (España): www.saw4.terra.es
Web oficial (USA): www.saw4.com

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Imágenes y sinopsis de "Saw IV" - Copyright © 2007 Lionsgate, Twisted Pictures y Burg/Koules/Hoffman Production. Fotos por Steve Wilkie. Distribuida en España por Walt Disney Studios Motion Pictures Spain. Todos los derechos reservados.

 

Via: La Butaca

Scorsese y DiCaprio, juntos de nuevo en Shutter Island

El filme, que marcará la cuarta colaboración consecutiva entre ambos, está basado en una novela de Dennis Lehane (Mystic River)

Carlos Leal

Tras el éxito de Infiltrados el año pasado, que ganó los Oscar a la mejor película y al mejor director, Martin Scorsese y su nuevo actor fetiche Leonardo DiCaprio van a afrontar su cuarta colaboración. En esta ocasión, según "Variety", planean adaptar la novela Shutter Island, publicada por Dennis Lehane en el año 2003.

Lehane se ha convertido en uno de los escritores más deseados de Hollywood en los últimos años, tras la exitosa versión de Mystic River rodada por Clint Eastwood en 2003 y la reciente Adiós, pequeña, adiós, que supone el debut en la dirección de Ben Affleck.

Ambientada en 1954, la historia de Shutter Island gira en torno a un militar estadounidense que investiga la desaparición de una mujer condenada por asesinato, que estaba recluida en un hospital para criminales con problemas mentales en la remota isla Shutter. Al tiempo que comienza a desentrañar los misterios del caso, un inesperado huracán deja incomunicada la isla.

Leonardo DiCaprio y Martin Scorsese trabajaron por primera vez juntos en el año 2002 con Gangs of New York. Desde entonces, el protagonista de Titanic y el director de Uno de los nuestros han vuelto a coincidir en El aviador e Infiltrados.

 

via: cinestrenos.com

Tom Hanks se mete en política en Charlie Wilson's War

Philip Seymour Hoffman y Julia Roberts completan el reparto del filme, que suena con insistencia como posible candidato a los Oscar

Carlos Leal

Aunque poco conocida, la historia de Charlie Wilson contribuyó en gran medida a construir el mundo tal y como lo conocemos. A través de su incansable labor en la década de los 80, este joven congresista logró desviar miles de millones de dólares del contribuyente para comprar armas y entrenar a la insurgencia en Afganistán contra la ocupación soviética. Cuando los rusos se retiraron en 1989, el ejército estaba completamente derrotado y la URSS casi en quiebra. Sin embargo, esos mismos insurgentes que estaban armados y entrenados a través de los programas de Wilson formarían años después la espina dorsal de Al-Qaeda.

Charlie Wilson's War se basa en el libro de no ficción del mismo nombre publicado en 2003 por el periodista de 60 minutos George Crile. Más allá de la reconstrucción de los hechos, que hacen cierta la frase de que la realidad supera siempre a la ficción, el libro de Crile plantea un retrato poco halagüeño del político estadounidense, al que retrata como un mujeriego incorregible y alcohólico. Precisamente este retrato inclemnete fue el que llamó la atención de Tom Hanks, que interpreta a Charlie Wilson en la cinta: "Cuesta pensar que este tipo alto, guapo y bebedor de whisky que se rodeaba de mujeres espectaculares y llevaba a su propia bailarina del vientre a sus viajes sea el responsable de la mayor yihad de la historia moderna".

Redondean el elenco los oscarizados Philip Seymour Hoffman, que interpreta al agente de la CIA Avrakotos, y Julia Roberts. Por su parte, la dirección corre a cargo del veterano Mike Nichols, que ya ganó un Oscar al mejor director por El graduado. Con ese director y ese reparto, es normal que Charlie Wilson's War suene con fuerza entre las favoritas a hacer algo grande en la ceremonia de los Oscar, el próximo 24 de febrero. En España la podremos ver sólo unos días antes, a partir del 15 de febrero.

Via: cinestrenos.com

Noah Baumbach dirige a Nicole Kidman en Margot y la boda

El director de Una historia de Brooklyn regresa con una nueva tragicomedia de familias disfuncionales que se estrenará en marzo

Carlos Leal

Una historia de Brooklyn nos descubrió en Noah Baumbauch a un director y guionista incisivo, capaz de combinar con soltura el drama más crudo con inesperados estallidos de comedia. Dos años después de la película que le lanzó a la fama, Baumbach regresa con una nueva tragicomedia sobre familias disfuncionales, titulada Margot y la boda.

La película narra la historia de Margot Zeller, una mordaz escritora de relatos cortos que emprende un viaje por sorpresa junto a su hijo Claude para asistir a la boda de su hermana Pauline. Pronto surgiran los problemas entre las dos hermanas, sobre todo cuando Margot conoce al prometido de Pauline, un artista sin mucho futuro llamado Malcolm.

Rodada con un presupuesto de apenas diez millones de dólares, Margot y la boda ha conseguido reunir sin embargo un reparto envidiable, que encabezan Nicole Kidman, que interpreta a la Margot del título, Jennifer Jason Leigh y Jack Black. Por cierto que los tres intérpretes dicen haberse divertido mucho durante el rodaje, en el que compartieron una casa en los Hamptons (Nueva York) para meterse en la piel de una familia mal avenida.

Margot y la boda tuvo su estreno mundial en el último Festival de Toronto, donde cosechó críticas desiguales. Su estreno en España está previsto para marzo de 2008.

Via cinestrenos.com

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Coppola presenta Youth Without Youth en la Festa di Roma

El certamen italiano entregó el premio Campidoglio a una emocionada Sofia Loren

Carlos Leal

Diez años después de su última incursión en la dirección, el thriller judicial Legítima defensa, Francis Ford Coppola ha vuelto a ponerse tras las cámaras con Youth Without Youth (juventud sin juventud), un drama basado en una novela del rumano Mircea Eliade que ayer se presentó en la Sección Oficial de la Festa di Roma.

Rodada con una absoluta precariedad de medios ("como una película de estudiantes", aclara el director), Youth Without Youth construye una gran metáfora en torno a un anciano que, tras ser alcanzado por un rayo, recupera mágicamente su juventud en la Rumanía de antes de la Segunda Guerra Mundial. Para Coppola, esta forma de rodar es una reacción ante el tremendo reconocimiento que tuvo en su juventud: "se me ocurrió que si tuve la vida de un director viejo cuando era joven, tal vez pueda tener la vida de un director joven ahora que soy viejo, y eso me llevó al contenido del libro de Mircea Eliade".

En el lado mediático del festival, la protagonista en estos primeros días ha sido Sofia Loren, que recibió un cálido homenaje en la ceremonia de entrega del premio Campidoglio a toda su carrera cinematográfica. "Es la primera vez que me dan un premio por mi carrera en Italia, espero merecerlo", confesó emocionada la actriz, que presentó la proyección de la mítica Matrimonio a la italiana.

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Invasión

Titulo: Invasión
Titulo Original: The Invasion
Género: Thriller Ciencia Ficción
Nacionalidad: USA
Año: 2006

Director: Oliver Hirschbiegel

Guion: David Kajganich

Reparto: Nicole Kidman, Daniel Craig, Jeremy Northam, Jeffrey Wright, Jackson Bond, Alexis Raben

Sinopsis:  Basado en la novela “The Body Snatchers” de Jack Finney. Una misteriosa epidemia altera el comportamiento de los seres humanos. La psiquiatra de Washington D.C. Carol Bennell (Nicole Kidman) descubre que las propias personas encargadas de vacunar a los afectados están propagando algo mucho peor: una espora de origen desconocido que ataca el ADN humano mientras el huésped duerme, convirtiéndolo en la imagen de un ser que se parece a nosotros y habla como nosotros, pero desprovisto de emociones humanas. De la noche a la mañana, aparentemente, las personas que rodean a Carol se transforman en seres que forman parte de una especie de colmena con una única misión: infectar a otros y tomar el control. Haciendo todo lo posible por mantenerse despierta, Carol se embarca en un viaje desesperado a través de un mundo transformado con el objetivo de seguir viva el tiempo suficiente para encontrar a su hijo. Para ocultarse entre ellos, tendrá que permanecer serena, no revelar emoción alguna y, sobre todo, no dormirse.

Fecha de Estreno: Viernes, 26 de Octubre de 2007

Web Oficial

Web Oficial en Español

via: estrenos de cine

Festival Internacional de Cine El Ojo Cojo

(iberarte.com) Amparo Gea, directora del Festival Internacional El Ojo Cojo, que se celebra en Madrid hasta el próximo 27 de octubre, destacó en la presentación del Espacio Iberoamericano en la Casa de América, que “el arte es una buena manera de transmitir un mensaje”, ya que, señaló, resulta “más fácil” que el espectador se identifique con un personaje para conseguir acercarle “a una realidad social concreta”.

Con el respaldo de los directores e fama internacional Sergio Cabrera (Colombia), Sebastián Cordero (Ecuador) y Susana García Iglesias de la Embajada Argentina, la responsable apuntó que en esta tercera edición el festival exhiben en nueve salas de Madrid –Casa de América, Centro Madrileño de Imágenes, Gaudeamus, Lola bar, Café Galdós, Las Horas, Nuevas Tendencias, La Puerta Estrecha, Centro Hispano-Marroquí- un total de 150 películas procedentes de 23 países.

El diálogo intercultural y la integración de grupos socialmente excluidos  representan uno de los objetivos de este festival. Por eso, según la Programadora de Casa de América, Teresa Toledo, la programación de El Ojo Cojo se exhibe en salas alternativas de Madrid, alejadas de los circuitos comerciales.

Entr amos ya en la segunda semana del festival y quedan títulos por destacar. Todas las películas del festival tienen el sello de calidad de El ojo cojo  tanto en la parte artística como de la temática abordada. Por mencionar algunas están “Los perdedores” 22/ 10 a las 19:15/ Centro Hispano Marroquí” Una historia nunca contada; “La habitación de Elias” el 26 de octubre a las 19:15 horas en “Centro Hispano- Marroquí”. El documental de Emma Tussell vacila entre la ficción y el retrato antropológico de un pequeño pueblo marroquí.

Tendremos Cine para niños, este sábado y domingo en el barrio de Lavapiés habrá espacios exclusivos para niños en  “La puerta estrecha” y “Plaza de cabestreros”. O Viajar por calles y pueblos. Viajes presuponen abandonar el entorno habitual. A cada más lejano de su tierra la persona cambia su personaje. Nuevos entornos implican fricciones con nuevas personas, culturas y tradiciones. Y Cine contemporáneo de América Latina, donde se presentan las tendencias más representativas del cine América Latina con estrenos inéditos. El intento de una clasificación geográfica o generacional ya no es posible porque escapa de encajes como el cine social o político.

El Festival Cinematográfico El ojo cojo se encuentra programado dentro del Encuentro de la Cooperación Española para el Desarrollo.
www.elojocojo.org

Cine argentino

• Rodajes. Inés Efrón y Fabián Vena encabezan Amorosa Soledad , comedia romántica que filmarán, a partir de noviembre, junto a Lydia Lamaison, Nicolás Pauls, Mónica Gonzaga y Santiago Giralt, codirigidos por Victoria Galardi y Martín Carranza. Por su parte, Dolores Fonzi, Joaquín Aguila, Daniel Fanego y el músico galés John Cale (formó parte de la banda The Velvet Underground) actúan en Salamandra , ópera prima de Pablo Agüero que ruedan en la Patagonia. Cale además intervendrá en la banda sonora de este film, sobre una madre y su hijo de seis años que viajan a un mítico valle patagónico (producen la compañía local Rizoma, la francesa JBA Production y la alemana Rohfilm, con apoyo del Incaa). Y luego de ocho semanas, concluyó el rodaje de Los Angeles , con Nazareno Casero, Miguel Di Lemme, Juan Palomino, Victoria Maurette, Oscar Núñez y Carlos Boccardo, dirección de Juan Baldana, y producción de Cruz del Sur Cine y Torneos y Competencias.

• En festivales. Continúa su recorrida internacional Upa!, una película argentina : luego de presentarse en los festivales de Ghent -cuyo jurado presidió la actriz Kathleen Turner- y de Mannheim-Heidelberg, la comedia del Manifiesto Grupo Acción, que se estrena en nuestro país el 15 de noviembre, concursará en La Habana, en diciembre. A su vez, en la 23» edición del certamen de Varsovia exhibieron El asaltante , de Pablo Fendrik, y la coproducción con Bolivia Cocalero , de Alejandro Landes. Por su parte, Marcelo Schapces llega el martes a Ucrania para presentar su film La velocidad funda el olvido , en la competencia del festival de Molodist. Por estos días, transcurre en Madrid el Festival Internacional de Cine El Ojo Cojo, donde dedican una retrospectiva a Gustavo Postiglione, con la proyección de El asadito , El cumple , La peli , Tremendo amanecer y Stanley , entre otros títulos del realizador. Y el viernes inauguran la 52» edición de Valladolid. Concursarán XXY , de Lucía Puenzo, y Tres de corazones , de Sergio Renán.

Fallece Deborah Kerr

Querida Deborah

Pepe Gutiérrez-Álvarez (Para Kaos en la Red)

El día que supe que Deborah Kerr (1921, Escocia - 2007), padecía del mal de Parkinson lo sentí tan de verdad, que no lo pude olvidar mientras recordaba y revisaba aquellas películas en las que ella siempre fue simultáneamente, alguien próximo pero también un sueño. Deborah podía interpretar papeles idóneos para Catherine Hepburn o Elizabeth Taylor, y si cabe, mejor.

Aunque es incuestionable que Deborah Kerr fue lamentablemente desaprovechada en alguna que otra película, y me viene a la memoria una estúpida llamada Divorcio a la americana (1965), junto con Sinatra y Martin, y en la que los mexicanos eran comparsas tontos, estas fueron excepción, y de hecho ya no recuerdo más, aunque las debe de haber entre las que no nos han llegado. Pero fueron excepciones, y por supuesto a pesar de ella, y sé de lo que hablo porque la Kerr siempre fue para mí un motivo añadido para ver una película, de ahí que su filmografía me resulte familiar comenzando por Major Barbara (1941), su debut a los 20 años en una adaptación de G. B. Shaw llevada a cabo por su "fan" nº 1 en el cine británico: Gabriel Pascal.

Su consagración llegó dos años más tarde La vida y la muerte del coronel Blimp (1943), que aquí se estrenó como Coronel Blimp y que posiblemente sea la película menos militarista que se haya hecho jamás en tiempos de guerra, tanto fue así que cuando la vio Wiston Churchill montó en cólera. Trata de la larga amistad entre un oficial británico (Roger Livesey), y otro germano (Anton Walbrook que habría pasado a la historia del cine solamente por su papel en La Ronde, de Max Ophuls). Está narrada a través de una sucesión de flashback que parten de 1942, y a sus directores y guionistas, Michael Powell y Emeric Presburger, lo habrían fusilado en otros países. Deborah Kerr encarna a todas las mujeres de las que Blimp se enamora, y dudo que no le pasara lo mismo a cada uno de los espectadores.

Con el mismo equipo hizo ya como primera protagonista, Black Narcissus (1947), en la que encarna a la hermana Clodagh en la película religiosa más extraña que recuerdo. De entrada porque el convento está situado en un nido de águilas situado en el Himalaya, justamente a la misma altura que el Everest, y su mantención es un desafío a la autoridad de Mister Derar (David Farrar), el residente británico que no está de acuerdo, una tarea ardua considerando además que, aparte de lo extraordinario del lugar, también tienen graves problemas con algunos de sus alumnos. Nadie diría que está rodada íntegramente en decorados, y es que la fotografía de Jack Cardiff era lo que faltaba para que la película fuese una obra maestra.

Su debut en Hollywood lo hace como esposa de Clark Gable (20 años mayor) en Tha Huckster (que aquí se estrenó por TV como Los vencedores), otra película extraña que estuvo dirigida por el veterano Jack Comway No recuerdo quienes fueron sus guionistas, pero servidor la recuerda casi como n panfleto anticapitalista. Hay un momento en que Gable se dirige a unos empresarios y les habla casi como Don Carlos, supongo que una de las cosas propias de una época en la que la libre empresa estaba muy desprestigiada. Dos años más tarde la diferencia de edad del matrimonio se repetiría con Spencer Tracy (igualmente 20 años mayor) en Edward mi hijo (1949), un melodrama dirigido por George Cukor que los había y los hizo mejores. Deborah se encontrará en la misma situación en tantas películas, con Gary Cooper por ejemplo, con el que trabajó en la penúltima película de éste, Sombras de sospechas (Tha Nake Edge, 1960), un filme que tenía que haber hecho Alfred Hitchcock y que acabó haciendo el anodino Michael Anderson. Deborah fue también pareja de Gary Grant, quince años mayor, pero claro en el cine esto no es nada ya que, por citar un ejemplo, Joyce Royce Landis, la actriz que hacia de su impertinente madre en Con la muerte en los talones, era más joven en realidad que Grant.

Se ganó el mote de "Primera Dama de Hollywood" por su clase, que demostró en toda clase películas incluyendo las de aventuras, así fue una delicada y etérea amazona en Las minas del rey Salomón (1950), seguramente el título que le dio mayor popularidad; una no menos bella y etérea esclava cristiana llamada Lygia que no se despeinaba ni con los leones en Qvo Vadis (1951), pero sobre todo, fue una reina más delicada y hermosa que Sissi en la una singular exaltación monárquica, el prisionero de Zenda (1952), la obra maestra de Richard Thorpe, nuevamente con Stewart Granger en su mayor gloria. Digo singular porque resulta que en el reino de Ruritania, la aristocracia conspira y está liderada por malvados del peso de James Mason y Robert Douglas, y el rey bueno, el que enamora a la princesa, es en realidad el gemelo plebeyo, mientras que el legitimo más bien parece un Borbón.

En los años siguientes, Deborah se paseó por varias obras de primera magnitud, y si lo fueron, fue en buena medida por su presencia. Fue el caso de De aquí a la eternidad (1953), donde demostró que además de delicada e inteligente sabía hacer de mujer deseada y deseosa al lado de un pletórico Burt Lancaster ambos dirigido por Fred Zinnemann que también la dirigió en otra película notable, y en la que Deborah muestra un registro muy diferente. Me refiero a Tres vidas errantes (1960), la historia de una familia trashumante en la Australia ovejera, con personajes muy elaborados como el formado por el matrimonio entre la Kerr y Robert Mitchum que ya habían coincidido en una de las películas más modesta pero más intensas de John Huston: Sólo Dios lo sabe (1957). Se trataba de una historia de amor de las más delicadas que se han visto en el cine, y es que Deborah reinaba en las películas románticas aunque marcadas por el dolor y los desencuentros.

Pasará el tiempo, y películas como Tú y yo (1957), de Leo McCarey, con Gary Grant, seguirá viéndose como una de las más hermosas historias de amor que ha dado el cine, y no es en vano que haya dado lugar a diversos "remakes" que en el mejor de los casos, no molestaron demasiado en la comparación con el original. Deborah era de una belleza tranquila detrás de la cual se encontraba una mujer llena de inquietudes y contradicciones, alguien muy especial como la mujer casada que trata de comprender al muchacho homosexual en Té y simpatía (1956), una de las obras más delicadas de Vincente Minnelli, y uno de los primeros grandes títulos del cine que aborda abiertamente esta categoría sexual, lo que la convierte en una película "revolucionaria" para su época. También mostró sus dotes para la comedia, especialmente en Página en blanco (1960), una película de mucha más materia de la que puede parecer a primera vista, amén de una composición casi genial de sus cuatro protagonistas: Gary Grant, Deborah Kerr, Jean Simons y Robert Mitchum.

También supo mostrar su parte oscura con esa manera tan suya de evitar los subrayados, de desarrollar el personaje a través de los gestos y de las miradas. En este punto es de justicia revindicar la obra maestra de Jack Clayton aquí titulada burdamente Suspense (1961), aunque originalmente se llamaba The Inocents, y se trataba de una impresionante adaptación de la novela de Henry James, Otra vuelta a la tuerca, cuya lectura recomiendo, y que pro cierto, ha sido llevada varias veces en el cine (dos en España, una por Eloy de la Iglesia), y ha inspirado muchas películas (como Los otros, de Amenazar), pero en ningún caso alcanza la fuerza oscura del original. Se me quedó grabada cuando la pude ver en su estreno barcelonés, y luego la ha podido ver otras dos veces, curiosamente cada vez con una compañera distinta, y me consta que pasó a engrosar entre las favoritas de ellas.

En 1969 hizo sus dos últimas grandes interpretaciones, fue la amante desnuda de Burt Lancaster en Los temerarios del aire en lo que fue un homenaje al recuerdo de De aquí a la eternidad, amén de una de las obras mayores aunque menos reconocidas de John Frankenheimer. Aunque aparentemente puede parecer una película sobre las aventuras de los especialistas en acrobacias aéreas, en realidad se trata de una historia de amore tardíos, el retrato de un hombre que lamentara no haber amado establemente a una mujer como ella, y ella una mujer que lamentará haberse encontrado con otro que la subestima. Luego sería la paciente pero también crispada esposa de El compromiso, la penúltima película de Elia Kazan, el drama de un ejecutivo en crisis (Kirk Douglas) con sus raíces (es como el nieto del armenio que llegó América, América), con su repulsivo trabajo de publicista, y como hombre que sueña a destiempo con una nueva vida.

Deborah hizo un pequeño papel en 1985, y se retiró a su vida privada. Nunca había ejercido de estrella, tampoco trabajo en ninguna película infame. A pesar de que hasta seis veces candidata al Oscar a la mejor actriz, solo consiguió finalmente en 1994 uno honorífico de la Academia de Hollywood, aunque la verdad es que si hubo algún honor, ese fue para la Academia.
Se definió a sí misma una vez como "un clown por dentro", también dijo en otra ocasión: "Soy muy limpia y ordenada. Odio que todo esté patas arriba. Puede decirse que estoy limpia por dentro y por fuera".

Descanse en paz, que nosotros seguiremos disfrutando con mucha de sus grandes interpretaciones.

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Via: Kaos en la red